Этапы развития итальянского ренессанса и их характеристика. Итальянское Возрождение Эпоха итальянского возрождения кратко

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры. Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессансного реализма, существенно отличавшегося от того "реализма деталей", который был характерен для искусства позднего треченто. Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма. Они возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности.

В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса. То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях. Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений. Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны.

В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

Кватроченто

С конца XIV в. власть во Флоренции переходит к дому банкиров Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи (а затем и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) стекаются писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники. Начинается век медицейской культуры. Первые признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период кватроченто.

Но именно потому, что процесс сложения новой культуры и нового мировоззрения не был завершен в этот период (это произошло позже, в эпоху окончательного разложения и распада феодальных отношений), XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это поистине век гуманизма. Кроме того, это эпоха, полная веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма. Восприятие действительности проверяется опытом, экспериментом, контролируется разумом. Отсюда тот дух порядка и меры, который столь характерен для искусства Ренессанса. Геометрия, математика, анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение; именно тогда начинают тщательно изучать строение человека; в XV в. итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая уже назрела в искусстве треченто.

В формировании светской культуры кватроченто огромную роль сыграла античность. XV столетие демонстрирует прямые связи с ней культуры Возрождения.

Скульптура

В XV вв. итальянская скульптура переживала расцвет. Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры. В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий; художественные конкурсы приобретали характер широких общественных мероприятий. Событием, которое открывает новый период в развитии итальянской ренессансной скульптуры, считается состоявшийся в 1401 г. конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Среди участников конкурса были молодые мастера - Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти (около 1381-1455). Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Гиберти. Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры - рельефу. Его искания достигли вершины в изготовлении восточных дверей флорентийского баптистерия (1425-1452 гг.), которые Микеланджело назвал «Вратами рая». Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, природа, архитектура. Они напоминают выразительностью живописные картины. Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого поколения художников. В его мастерской в качестве помощника работал молодой Донателло, в будущем великий реформатор итальянской скульптуры. Донато ди Никколо ди Бетто Барди, которого называли Донателло (около 1386-1466), родился во Флоренции в семье чесальщика шерсти. Он работал во Флоренции, Сиене, Риме, Падуе. Однако огромная слава не изменила его простого образа жизни. Рассказывали, что бескорыстный Донателло вешал кошелёк с деньгами у двери своей мастерской, и его друзья и ученики брали из кошелька столько, сколько им было нужно.

С одной стороны, Донателло жаждал в искусстве жизненной правды. С другой, он придавал своим работам черты возвышенной героики. Эти качества проявились уже в ранних работах мастера - статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан-Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. Статуи находились в нишах, но они сразу привлекали внимание суровой выразительностью и внутренней силой образов. Особенно известен «Святой Георгий» (1416 г.) - юноша-воин со щитом в руке. У него сосредоточенный, глубокий взгляд; он прочно стоит на земле, широко расставив ноги. В статуях пророков Донателло особенно подчёркивал их характерные черты, подчас грубоватые, неприкрашенные, даже уродливые, но живые и естественные. У Донателло пророки Иеремия и Аввакум - цельные и духовно богатые натуры. Их крепкие фигуры скрыты тяжёлыми складками плащей. Жизнь избороздила глубокими морщинами поблёкшее лицо Аввакума, он совсем облысел, за что его во Флоренции и прозвали Цукконе (Тыква).

В 1430 г. Донателло создал «Давида» - первую обнажённую статую в итальянской скульптуре Возрождения.

Поездка в Рим вместе с Брунеллески чрезвычайно расширила художественные возможности Донателло, его творчество обогатилось новыми образами и приёмами, в которых сказалось влияние античности. В творчестве мастера наступил новый период. В 1433 г. он завершил мраморную кафедру флорентийского собора. Всё поле кафедры занимает ликующий хоровод пляшущих путти - нечто вроде античных амуров и одновременно средневековых ангелов в виде обнажённых мальчиков, иногда крылатых, изображённых в движении. Это излюбленный мотив в скульптуре итальянского Возрождения, распространившийся затем в искусстве XVII-XVIII вв.

Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворённому, светскому искусству. Ведущая роль в нём принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лукка делла Роббиа (1399 или 1400-1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, была в Средние века завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку, почему и получила своё название, а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435-1525).

Живопись

Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре - Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо. Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо. По словам Вазари, «Мазаччо стремился изображать фигуры с большой живостью и величайшей непосредственностью наподобие действительности». Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и всё же успел сделать в живописи столько нового, сколько иному мастеру не удавалось за всю жизнь.

Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо (1401 - 1428), родился в местечке Сан-Вальдарно близ Флоренции, куда он юношей уехал учиться живописи. Существовало предположение, что его учителем был Мазолино де Паникале, с которым он затем сотрудничал; сейчас оно отвергнуто исследователями. Мазаччо работал во Флоренции, Пизе и Риме. Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427-1428), созданная для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции. Фреска выполнена на стене, уходящей в глубину капеллы, которая построена в форме ренессансной арочной ниши. На росписи представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя. Их осеняет образ Бога-Отца. На переднем плане фрески запечатлены коленопреклонённые заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви. Расположенное в нижней части фрески изображение саркофага, на котором лежит скелет Адама. Надпись над саркофагом содержит традиционное средневековое изречение: «Я был таким когда-то, как вы, и вы будете такими, как я».

До 50-х гг. XX в. это произведение Мазаччо в глазах любителей искусства и учёных отступало на второй план перед его знаменитым циклом росписей капеллы Бранкаччи. После того как в 1952 г. фреска была перенесена на прежнее место в храме, промыта, отреставрирована, когда была обнаружена её нижняя часть с саркофагом, «Троица» привлекла к себе пристальное внимание исследователей и любителей искусства. Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях. Величавая отрешённость образов сочетается здесь с не виданной до тех пор реальностью пространства и архитектуры, с объёмностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе сдержанного чувства образом Богоматери. В те же годы Мазаччо (в содружестве с Мазолино) создал в церкви Санта - Мария дель Кармине росписи капеллы Бранкаччи, названные так по имени богатого флорентийского заказчика.

Перед живописцем стояла задача средствами линейной и воздушной перспективы построить пространство, разместить в нём мощные фигуры персонажей, правдиво изобразить их движения, позы, жесты, а затем масштабы и цвет фигур связать с природным или архитектурным фоном. Мазаччо не только успешно справился с этой задачей, но и сумел передать внутреннее напряжение и психологическую глубину образов.

Сюжеты росписей в основном посвящены истории апостола Петра. Самая известная композиция «Чудо со статиром» рассказывает, как у ворот города Капернаума Христа с учениками остановил сборщик налогов, требуя у них денег на поддержание храма. Христос повелел апостолу Петру выловить в Генисаретском озере рыбу и извлечь из неё статир. Слева на втором плане зритель видит эту сцену. Справа Пётр вручает деньги сборщику. Таким образом, композиция соединяет три разновременных эпизода, в которых трижды предстаёт апостол. В новаторской по существу живописи Мазаччо этот приём - запоздалая дань средневековой традиции изобразительного рассказа, от него в то время уже отказались многие мастера и более столетия назад сам Джотто. Но это не нарушает впечатления смелой новизны, которой отличаются весь образный строй росписи, её драматургия, жизненно убедительные, чуть грубоватые герои. Иногда в выражении силы и остроты чувства Мазаччо опережает своё время. Вот фреска «Изгнание Адама и Евы из рая» в той же капелле Бранкаччи. Зритель верит тому, что Адама и Еву, нарушивших Божественный запрет, ангел с мечом в руках действительно изгоняет из рая. Главное здесь - не библейский сюжет и внешние детали, а ощущение беспредельного человеческого отчаяния, которым охвачены Адам, закрывший лицо руками, и рыдающая Ева, с запавшими глазами и тёмным провалом искажённого криком рта. В августе 1428 г. Мазаччо уехал в Рим, не закончив росписи, и вскоре внезапно умер. Капелла Бранкаччи стала местом паломничества живописцев, перенимавших приёмы Мазаччо. Однако многое в творческом; наследии Мазаччо сумели оценить лишь следующие поколения. В творчестве его современника Паоло Уччелло (1397-1475), принадлежавшего к поколению мастеров, работавших после смерти Мазаччо, тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Прелестна его ранняя маленькая картина «Святой Георгий». Решительно шагает на двух ногах зелёный дракон с винтообразным хвостом и узорчатыми крыльями, словно вырезанными из жести. Он не страшен, а забавен. Сам художник, вероятно, улыбался, создавая эту картину. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Эксперименты, чертежи, зарисовки, которым он посвящал бессонные ночи, Вазари описывал как чудачества. Между тем в историю живописи Паоло Уччелло вошёл как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах приём линейной перспективы. В молодости Уччелло работал в мастерской Гиберти, затем выполнял мозаики для собора Сан-Марко в Венеции, а вернувшись во Флоренцию, познакомился с росписями Мазаччо в капелле Бранкаччи, оказавшими на него огромное влияние. Увлечение перспективой отразилось в первом произведении Уччелло - написанном им в 1436 г. портрете английского кондотьера Джона Хоквуда, известного итальянцам как Джованни Акуто. Огромная монохромная (одноцветная) фреска изображает не живого человека, а его конную статую, на которую зритель смотрит снизу вверх. Смелые искания Уччелло нашли выражение в трёх его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвящённых битве двух флорентийских полководцев с войсками Сиены при Сан-Романо. В удивительных картинах Уччелло на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточённой схватке всадники, и воины перемешались копья, щиты, древки знамён. И, тем не менее, сражение выглядит условной, застывшей на редкость красивой, поблёскивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.

Италия — лучшее место для того, чтобы легко разобраться в истории искусств. Здесь шедевры буквально на каждом шагу.

Из этой статьи Вы узнаете:

«Rinascimento»: ri - «снова» + nasci - «рождённый»

Надеюсь, все слышали понятие «ренессанс». Рожденный заново, рожденный снова. Или — Эпоха Возрождения. Почти всегда это понятие применяется к области искусства: живопись, литература, архитектура, и т.д. Кстати, сюда можно отнести и науку.

Боттичелли, Рождение Венеры

Теперь разберемся, а что же, собственно, родилось заново? Это особый тип культуры, которая уже вышла за рамки Средневековья, но лишь предшествует эпохе Просвещения.

Впервые термин ввел Джорджо Вазари (итальянский гуманист). Имеется ввиду некий существенный шаг вперед во всех сферах жизни социума, а особенно — в сфере культурной. Расцвет, выход из тени, преображение.

Борьба между Средневековьем и Античностью

Если пока еще не очень понятно — объясню проще. Дело в том, что Средневековая культура, живопись, поэзия, да сама жизнь людей были очень сильно зависимы от церкви, иерархии в обществе и религии. Средневековое искусство — это религиозное искусство, личность здесь теряется, не имеет значения.

Кстати, на страницах моего блога несколько иностранных языков!

Вспомните средневековые католические фрески, полотна. Это весьма пугающие образы, угодные церкви. Тут святые, праведники, а в противовес Страшный суд, ужасные демоны, чудовища. Создавалась ситуация, когда быть собой, иметь обычные человеческие страсти, желания — верный путь в ад. Только чистый сердцем, праведный христианин мог надеяться на спасение, прощение.

Доманико Венециано, Мадонна с младенцем

Ренессанс характеризуется антропоцентризмом и . В центре его — человек, его деятельность, мысли, стремления. Такое подход свойственен эпохе Античной Культуры. Это Древний Рим, Греция. На смену язычеству приходит в Европе христианство, вместе с этим полностью меняются каноны искусства.

Рафаэль Санти, Мадонна в зелени

Теперь же человек рассматривался, как личность, важная составляющая общества. Человек получил в искусстве свободу, которую ему никогда не давали строгие законы религиозной культуры Средневековья.

Возрождение, извините за тавтологию, возрождает период Античности, но это уже ее более высокий, современный уровень. Европа попадает под его влияние в период с XV по XVI века. В Италии будут немного другие хронологические рамки Эпохи Возрождения, я расскажу чуть позже.

С чего все началось?

Все началось с падения Византийской Империи. Если Европа долгое время была под властью церкви, то в Византии никто не забывал про искусство Античного периода. Люди бежали из распадающейся империи. Они взяли с собой книги, картины, везли в Европу скульптуры и новые идеи.

Падение Византийской империи

Козимо Медичи во Флоренции основывает Академию Платона. Скорее, возрождает ее. Все это под впечатлением от выступления одного византийского лектора.

Растут города, растет влияние сословий, таких как ремесленники, торговцы, банкиры, мастеровые. Им абсолютна не важна иерархическая система ценностей. Смиренный дух религиозного искусства им непонятен, чужд.

Появляется современное течение — гуманизм. Именно оно оказывает мощное влияние на новое искусство Эпохи Возрождения. Европейские города стремились обустроить у себя прогрессивные центы науки и искусства.

Данная область вышла испод влияния Церкви. Конечно, Средние века с их кострами, сжиганием книг, отбросили развитие цивилизации на десятилетия. Теперь, огромными шагами Возрождение стремилось наверстать упущенное.

Итальянское Возрождение

Изобразительное искусство становится не только важной составляющей эпохи, но и необходимым видом деятельности. Людям теперь нужно искусство. Почему?

Рафаэль Санти, портрет

Наступает период экономического подъема, а с ним — гигантский сдвиг в умах людей. Все сознание человека больше не было направленно лишь на выживание, появляются новые потребности.

Изобразить мир таким, какой он есть, показать реальную красоту и реальные проблемы — вот задача тех, кто стал знаковыми фигурами итальянского Ренессанса.

Считается, что данное течение появилось именно в Италии. Причем возникло еще с XIII века. Тогда первые зачатки нового течения появляются в работах Парамони, Пизано, затем Джотто и Орканья. Окончательно оно укоренилось только с 1420-х годов.

Всего можно выделить 4 крупных этапа становления эпохи:

1. Проторенессанс (то, что происходило в Италии);
2. Раннее Возрождение;
3. Высокое Возрождение;
4. Позднее Возрождение.

Рассмотрим каждый из периодов подробнее.

Проторенессанс

Все еще тесно связан со средневековьем. Это период постепенного перехода от традиций старого времени к новому. Проходило в период от 2-й половины XIII века до XIV века. Немного замедлил свое развитие из-за глобальной эпидемии чумы в Италии.

Эпоха Проторенессанс, Андреа Мантенья, алтарь Сан Дзено в Вероне

Живопись данного периода лучше всего характеризуют работы мастеров Флоренции Чимабуэ, Джотто, а так же Сиенской школы — Дуччо, Симоне Мартини. Конечно, самой главной фигурой проторенессанса считается мастер Джотто. По истине реформатор канонов живописи.

Раннее Возрождение

Это период с 1420 по 1500 года. Можно сказать, это время плавного перехода к новому течению. Все еще много заимствовано от искусства прошлых лет. К нему примешиваются новые течения, образы, добавляется много повседневных мотивов. Живопись и архитектура, литература становятся все менее образными, все больше «человечности».

Раннее возрождение, Basilica di Santa Maria del Carmine, Firenze

Высокое Возрождение

Пышный расцвет Эпохи Возрождения приходится на 1500 — 1527 годы в Италии. Его центр переносится из Флоренции в Рим. Благоволит новому настроению папа Юлий II, что существенно помогает мастерам.

Сикстинская мадонна, Рафаэль Санти, Высокое Возрождение

Он, человек предприимчивый, современный, выделяет средства на создание предметов искусства. Пишутся лучшие в Италии фрески, строятся церкви, здания, дворцы. Считается совершенно уместным заимствовать черты Античного в создании даже религиозных сооружений.

Самые знаковые художники Италии эпохи Высокого Возражения это Леонардо да Винчи, и Рафаэль Санти.

Я была в Лувре в марте 2012 года, туристов было не много и я спокойно и с удовольствием смогла посмотреть на картину «Мона Лиза», которую еще называют «Джоконда». Действительно, в какую бы сторону зала ты не пошел, ее глаза всегда смотрят на тебя. Чудо! Не правда ли?

Мона Лиза, Леонардо да Винчи

Позднее Возрождение

Проходило с 1530 по 1590-1620-е годы. Историки договорились свести творчество данного периода в единый только условно. Было так много новых направлений, что глаза разбегаются. Это касается всех видов творчества.

Тогда в Южной Европе восторжествовала Контрреформация. Очень настороженно стали смотреть на излишнее воспевание человеческого тела. Появилось много противников яркого возврата к Античности.

Веронезе, Брак в Кане, позднее Возрождение

Как итог такой борьбы появляется стиль «нервного искусства»- маньеризм. Тут изломанные линии, надуманные цвета и образы, иногда слишком неоднозначные, а иногда — преувеличенные.

Параллельно с этим появляются работы Тициан и Палладио. Их творчество считается знаковым для позднего Возрождения, оно совершенно не подвержено кризисным течениям того века.

Философия тех периодов находит новый объект изучения: «универсальный» человек. Тут философские течения переплетаются с живописью. Например, Леонардо да Винчи. Его работы — представление об отсутствии границ, пределов для человеческого разума.

Если вам или вашему ребенку надо подготовиться к ЕГЭ и ГИА, то на сайте Foxford для школьников, вы сможете это сделать. Обучение для учеников с 5 по 11 класс по всем дисциплинам, которые присутствуют в российских школах. Помимо базовых курсов по основным предметам, на портале есть специализированные курсы по подготовке к ЕГЭ, ГИА и олимпиадам. Доступные дисциплины для обучения: математика, обществознание, русский язык, физика, информатика, химия, история, английский язык, биология.

Эпоха захватывает Север

Да, все началось в Италии. Затем, течение продвигалось дальше. Всего пару слов хочется сказать о Северном Возрождении. Позднее всего оно пришло в Нидерланды, Германию и Францию. Там не было Возрождения в том классическом смысле, но новый стиль покорил Европу.

Превалирует готическое искусство, а познание человека отходит на второй план. Выделяются Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший.

Лучшие представители целой Эпохи

Мы поговорили об истории этого интереснейшего периода. Давайте теперь подробнее рассмотрим все его составляющие.

Человек Ренессанса

Главное, понять — а кто же такой человек Эпохи Возрождения?
Тут нам помогут философы. Для них объектом изучения выступал разум и возможности человека, который творит. Именно разум отличает Человека от всего остального. Разум делает его Подобным Богу, ведь Человек может творить, создавать. Это Creator, Создающий новое, постоянно развивающийся человек.

Он находится на пересечении Природы и Современности. Природа одарила его невероятным даром — совершенным телом и мощным интеллектом. Современный мир открывает бесконечные возможности. Обучение, фантазия и ее реализация. Нет границ тому, на что способен человек.

Витрувианский человек, Леонардо Да Винчи

Идеал человеческой личности теперь: доброта, сила, героизм, способность творить и создавать вокруг себя новый мир. Самое главное здесь — свобода личности.

Представление о человека меняется — теперь он свободен, полон сил и энтузиазма. Конечно, такое представление о людях подвигало их самих на что-то великое, значимое, важное.

«Благородство, словно некое сияние, исходящее от добродетели и озаряющее ее обладателей, какого бы происхождения они не были». (Поджо Браччолини, XV век).

Развитие Науки

Период XIV-XVI века стал знаковым в развитии науки. Что происходит в Европе?

• Это период Великих географических открытий;
• Николай Коперник меняет представление людей о Земле, доказывает, что Земля вращается вокруг Солнца;
• Парацельс и Везалий делают огромный скачок в медицине и анатомии. Долгое время вскрытия, изучения анатомии человека было преступлением, осквернением тела. Знания о медицине были абсолютно неполными, а все исследования — запретными;
• Никколо Макиавелли исследует социологию, поведение людей в группах;
• Появляется идея «идеального общества», «Город Солнца» Кампанеллы;
• С XV века активно развивается печатное дело, было издано множество трудов для народа, научные, исторические труды становятся доступны любому;
• Началось активное изучение древних языков, переводы античных книг.

Иллюстрация к книге Город Солнца, Кампанелла

Литература и Философия

Самый яркий представитель эпохи -Данте Алигьери. Его «Комедия» или «Божественной комедией» восхищались современники, ее сделали образцом чистой литературы Эпохи Возрождения.

В целом, период можно охарактеризовать, как прославление гармонической, свободной, творческой, всесторонне развитой личности.

Свободные сонеты Франческо Петрарки о любви раскрывают глубины души человеческой. В них мы видим тайный, сокрытый мир чувств, страдания и радости от любви. Эмоции человека ставятся на первый план.

Петрарка и Лаура

Джованни Боккаччо, Никколо Макиавелли, Лудовико Ариосто и Торквато Тассо прославили эпоху своими произведениями абсолютно разных стилей. Но, стали классическими для Ренессанса.

Конечно же, романтические новеллы, истории любви и дружбы, забавные истории и трагичные романы. Здесь «Декамероне» Боккаччо, например.

Декамерон, Боккаччо

Пико делла Мирандола писал: «О высшее и восхитительное счастье человека, которому дано владеть тем, чем пожелает, и быть тем, чем хочет».
Знаменитые философы этой эпохи:

• Леонардо Бруни;
• Галилео Галилей;
• Никколо Макиавелли;
• Джордано Бруно;
• Джаноццо Манетти;
• Пьетро Помпонацци;
• Томмазо Кампанелла;
• Марсилио Фичино;
• Джованни Пико делла Мирандола.

Интерес к философии резко возрастает. Свободомыслие перестает быть чем-то запретным. Темы для анализа — самые разные, современные, злободневные. Нет более тем, которые считаются неподобающими, а размышления философов более не идут лишь в угоду церкви.

Изобразительное искусство

Одно из самых быстроразвивающихся направления — живопись. Еще бы, ведь появилось так много новых тем. Теперь художник тоже становится философом. Он показывает свой взгляд на законы природы, анатомию, перспективы жизни, идеи, свет. Нет более запретов для того, кто обладает талантом и желает создавать.

Думаете, тема религиозной живописи теперь не актуальна? Совсем наоборот. Мастера Возрождения создавали удивительные новые картины. Старые каноны уходят, их место занимают объемные композиции, появляются пейзажи, «мирские» атрибуты. Святые одеты реалистично, они становятся ближе, человечнее.

Микеланджело, Сотворение Адама

Скульпторы тоже с удовольствием используют религиозную тематику. Их творчество становится более свободным, откровенным. Человеческое тело, анатомические подробности — больше не под запретом. Возвращается тема античных богов.

Красота, гармония, равновесие, женское и мужское тело выходят на первое место. В красоте человеческого тела нет запрета, стыдливости, порочности.

Архитектура

Возвращаются принципы и формы античного римского искусства. Теперь преобладают геометрия, симметрия, большое внимание уделяется поиску идеальных пропорций.
Снова в моде:

1. ниши, полусферы куполов, арки;
2. эдикулы;
3. мягкие линии.

Они пришли на смену холодным готическим очертаниям. Например, знаменитый Собор Санта-Мария-дель-Фьоре, Вилла Ротонда. Именно тогда появляются первые Виллы — загородное строительство. Обычно, крупные комплексы с садами, террасами.

Собор Санта-Мария-дель-Фьоре

Огромный вклад в архитектуру внесли:

1. Филиппо Брунеллески - его считают «отцом» ренессансной архитектуры. Он разработал теорию перспективы и ордерную систему. Именно он создал купол Флорентийского собора.
2. Леон Баттиста Альберти - прославился тем, что переосмыслил мотивы раннехристианских базилик* времён Константина.
3. Донато Браманте - работал в период Высокого Возрождения. Знаменит за выверенные пропорции.
4. Микеланджело Буонарроти - главный архитектор Позднего Возрождения. Создал собор Святого Петра, лестницу Лауренцианы.
5. Андреа Палладио - родоначальник классицизма. Создал свое течение, называемое палладианство. Трудился в Венеции, проектируя крупнейшие соборы и дворцы.

В эпоху Раннего и Высокого Возрождения были построены лучшие дворцы Италии. Например, Вилла Медичи в Поджо-а-Кайано. Также, палаццо Питти.

Преобладали цвета: синий, желтый, пурпурный, коричневый.

В целом, архитектура того времени отличалась устойчивостью с одной стороны, а с другой — это плавные линии, полукруглые переходы и сложные арки.

Помещения делались просторные, с высокими потолками. Украшались древесным или лиственным орнаментом.

*Базилика — церковь, собор. Имеет прямоугольную форму и один, или несколько (нечетное число) нефов. Свойственно раннехристианскому периоду, а сама форма произошла от древнегреческих и римских храмовых построек.

Стали использоваться новые строительные материалы. Основание — каменные блоки. Стал обрабатываться разными способами. Появляются новые строительные растворы. А еще — это период активного использования штукатурки.

Декоративным и конструкционным материалом становится кирпич. Используются так же глазурованный кирпич, терракота и майолика. Много внимания уделяется декоративным деталям, качеству их проработки.

Теперь и металлы используются для декоративной обработки. Это медь, олово и бронза. Развитие столярного дела дает возможность делать удивительно красивые, ажурные элементы из дерева твердых пород.

Музыка

Все сильнее влияние народной музыки. Быстро развивается вокальная и вокально-инструментальная полифония. Особенно преуспела здесь Венецианская школа. В Италии появляются новые музыкальные стили — фроттола и вилланелла.

Караваджио, Музыкант с лютней

Италия славится смычковыми инструментами. Складывается даже борьба виолы и скрипки за лучшее исполнение одних и тех же мелодий. Новые стили пения захватывают Европу — сольная песня, кантата, ораторий и опера.

Почему именно Италия?

Кстати, а почему именно в Италии началась эпоха Возрождения? Дело в том, что большая часть населения жила в городах. Да, это ситуация, несвойственная для периода XIII-XV веков. Но, если не было бы особых обстоятельств, появились бы все шедевры Эпохи?

Торговля и ремесла быстро развивались. Было просто необходимо учиться, изобретать, совершенствовать продукты своего труда. Так появлялись мыслители, скульпторы, художники. Товары нужно было делать более привлекательными, книги с иллюстрациями лучше продавались.

Торговля — это всегда путешествия. Людям были необходимы языки. Они видели много нового в странствиях, пытались внедрить это в жизнь своего города.

Васари, Флоренция

С другой стороны, Италия — наследница Великой Римской Империи. Любовь к прекрасному, остатки античной культуры — все это сосредоточено в городах Италии. Такая атмосфера просто не могла не подвигнуть людей талантливых на новые открытия.

Ученые считают, что еще одна причина — именно западный, а не восточный тип христианского вероисповедания. Считается, что это особая форма христианства. Внешняя сторона католической жизни страны позволяла некое свободомыслие.

Например, появление «антипап»! Тогда сами понтифики спорили за власть, используя негуманные, совершенно незаконные методы достижения цели. Народ следил за этим, понимая, что в реальной жизни католические устои и мораль не всегда действуют.

Теперь Бог становился объектом теоретического познания, а не центром жизни человека. Человек был четко отделен от Бога. Конечно же, это давало почву для разного рода сомнений. В таких условиях развиваются наука, культура. Естественно, искусство становится оторванным от религии.

Друзья, спасибо, что читаете мои статьи! Надеюсь, удалось прояснить важные моменты об итальянском Возрождении.

Читайте так же о Италии и итальянских , на которых вы с легкостью сможете посетить самые интересные и красивые места страны.

Подписывайтесь на обновления, делайте репосты моих статей. Так же при подписке вы получите в подарок, совершенно бесплатно, отличный базовый разговорник по трем языкам, английскому, немецкому и французскому. Главный его плюс в том, что есть русская транскрипция, поэтому, даже не зная языка, можно с легкостью освоить разговорные фразы. До скорых встреч!

С Вами была я, Наталья Глухова, желаю вам хорошего дня!

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. .

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто - это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

6. Тициан (1488-1576 гг).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 г. .

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения - это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Вконтакте

Что такое Возрождение. Возрождение ассоциируется у нас с достижениями в области культуры, прежде всего в сфере изобразительного искусства. Перед умственным взором каждого, кто хоть немного знаком с историей искусства, встают гармонично прекрасные и величавые образы, созданные художниками: нежные мадонны и мудрые святые, отважные воины и исполненные важности горожане. Их фигуры торжественно возвышаются на фоне мраморных арок и колонн, за которыми расстилаются прозрачные легкие пейзажи.

Искусство всегда рассказывает о своем времени, о людях, тогда живших. Какие люди создали эти образы, исполненные достоинства, внутреннего спокойствия, уверенности в собственной значимости?

Термин «Возрождение» первым употребил Джорджо Вазари в середине XVI в. в своей книге о прославленных итальянских живописцах, скульпторах и архитекторах XIII-XVI вв. Название появилось в тот момент, когда сама эпоха заканчивалась. Вазари вкладывал в это понятие совершенно определенный смысл: расцвет, подъем, возрождение искусств. Позднее не менее важным стало считаться присущее этому периоду стремление к возрождению античных традиций в культуре.

Феномен Возрождения был порожден условиями и потребностями жизни общества кануна Нового времени (т.е. времени, находящегося на подступах к становлению индустриального общества), а обращение к античности позволило найти подходящие формы для выражения новых идей и настроений. Историческое значение этого периода заключается в становлении нового типа личности и в создании основ новой культуры.

Новые тенденции в жизни итальянского общества. Для того чтобы легче понять суть начавшихся изменений в социальной и духовной сферах, необходимо представить, как строились отношения между индивидуумом и обществом в Средние века. Тогда человеческая личность была растворена в том малом коллективе (крестьянской общине, рыцарском ордене, монастырском братстве, ремесленном цехе, купеческой гильдии), к которому человек был прикреплен обстоятельствами своего происхождения и рождения. Он сам и все окружающие воспринимали его прежде всего, как, например, фра (брата) - члена монашеского братства, а не как некоего человека, имеющего определенное имя.

Отношения между людьми, нормы поведения и их восприятие были подробно разработаны и четко определены. Если сосредоточиться только на теоретической стороне дела, то можно сказать так: духовенство было обязано молиться за всех мирян, дворянство -защищать всех от возможной внешней угрозы, а крестьяне -содержать, кормить первое и второе сословия. На практике все это было, конечно, далеко от теоретической идиллии, но распределение ролевых функций было именно таково. Общественное неравенство было твердо закреплено в общественном сознании, каждое сословие имело свои строго определенные права и обязанности, играло общественную роль, строго соответствующую своему социальному положению. Рождение закрепляло индивида за определенным местом в структуре общества, изменить свое положение он мог почти исключительно в рамках той ступени общественной лестницы, к которой принадлежал по происхождению.

Закрепленность за определенной социальной нишей мешала свободному развитию человеческого индивидуума, но обеспечивала ему определенные социальные гарантии. Таким образом, средневековое общество было ориентировано на неизменность, стабильность как идеальное состояние. Оно относилось к типу традиционных обществ, главным условием существования которых является консервативность, подчинение традициям и обычаям.

Старое мировоззрение было ориентировано на то, что земная жизнь-лишь небольшой отрезок времени, когда человек готовит себя для главной, вечной, потусторонней жизни. Вечность подчиняла себе быстротечную реальность. Надежды на добрые перемены связывались исключительно с этой истинной жизнью, с Вечностью. Мир земной, эта «юдоль скорби», представлял интерес лишь постольку, поскольку был слабым отражением иного, главного мира. Отношение к человеку было двойственным - в нем строго разделяли его земное, бренное и грешное начало, которое должно было презирать и ненавидеть, и возвышенное, духовное, которое единственное достойно было существовать. Идеалом считался монах-аскет, отказавшийся от радостей и тревог земной жизни.

Человек был частью малой социальной общности, и потому всякая его деятельность, в том числе и творческая, воспринималась как результат коллективных усилий. По сути, творчество было анонимным, и наши знания о работах того или иного скульптора или живописца Средневековья случайны и отрывочны. Город, община строили собор, и все его детали были частью единого целого, рассчитанного на цельное восприятие. Мастера-зодчие, мастера-каменщики, мастера-резчики, мастера-живописцы возводили стены, создавали скульптуры и витражи, расписывали стены и иконы, но почти никто из них не стремился увековечить свое имя для потомства. В идеале они должны были наилучшим образом повторить, воспроизвести то, что было освящено авторитетом давности и рассматривалось в качестве «подлинника», которому следовало подражать.

Первым шагом к зарождению новых тенденций в жизни общества стал рост и развитие городов. Апеннинский полуостров, вытянутым сапогом вклинившийся в просторы Средиземного моря, занимал чрезвычайно выгодное положение в средневековом мире. Выгоды этого местоположения стали особенно очевидны, когда на Западе начала оживляться хозяйственная жизнь, выросла потребность в торговых контактах с богатыми странами Ближнего Востока. С XII в. начался расцвет итальянских городов. Толчком к быстрому развитию городского хозяйства стали крестовые походы: рыцарям, отправлявшимся на завоевание Гроба Господня, нужны были корабли, чтобы переплыть море; оружие, чтобы воевать; продукты и различные предметы обихода. Все это предлагали итальянские ремесленники, торговцы, моряки.

В Италии не сложилось сильной центральной власти, поэтому каждый город вместе с окружающей его сельской местностью становился городом-государством, процветание которого зависело от мастерства его ремесленников, бойкости его торговцев, т.е. от предприимчивости и энергии всех жителей.

Основой хозяйственной жизни общества, существовавшего в Итадии XIV-XV вв., стали промышленность и торговля, сосредоточенные в городах. Сохранялась цеховая система, и гражданскими правами обладали только члены цехов, т.е. далеко не все жители города. Да и разные цехи существенно отличались по степени влияния: так, во Флоренции из 21 цеха наибольшим влиянием пользовались «старшие цехи», объединявшие людей самых престижных профессий. Члены старших цехов, «жирные пополаны», были, по сути, предпринимателями, а новые черты в экономической жизни проявлялись в зарождении элементов (пока только элементов!) нового хозяйственного уклада.

Город Возрождения. Культура Возрождения - городская культура, но город, ее породивший, заметно отличался от города средневекового. Внешне это не слишком бросалось в глаза: те же высокие стены, та же хаотичность планировки, тот же собор на главной площади, такие же узкие улицы. «Город рос как дерево: сохраняя форму, но увеличиваясь в размерах, а городские стены, точно кольца на срезе, отмечали вехи его роста» . Так во Флоренции в XIII в. понадобилось дважды за столетие расширять кольцо стен. К середине XIV в. пространство, отводимое под городскую застройку, было увеличено в 8 раз. О возведении и сохранении стен заботилось правительство.

Городские ворота служили точкой соприкосновения с внешним миром. Стоявшие у ворот стражники собирали пошлину с торговцев и крестьян, прибывающих в город, они же оберегали город от возможного вражеского нападения. До начала эпохи артиллерии стены с крепкими воротами были достаточно надежной защитой от внешних вторжений, хватило бы только пищи и воды. Вот эта ограниченность заставляла тесниться, увеличивать этажность зданий. Для Италии характерно возведение соперничающими богатыми семействами высоких башен, вертикали которых вместе с колокольнями церквей придавали городскому силуэту вид каменного леса. Облик Сиены, например, так обрисован в строках А. Блока: «Острия церквей и башен ты вонзила в небосклон».

Город -это искусственно организованное пространство. Улицы и площади итальянских городов с XIII в. мостили камнем или галькой. Повседневная жизнь людей проходила большей частью на улице. На улице раскладывали товары, торговали, совершали денежные операции купцы, менялы, ремесленники, на улице под навесом ремесленники часто и работали, на улице или на площади встречались для обсуждения различных вопросов, на площади перед собором случались выступления проповедников, на перекрестках глашатаи объявляли новости о рождениях, банкротствах, смертях, заключении браков, казнях. Жизнь каждого горожанина протекала на глазах у соседей.

Центральная площадь украшалась не только величественным собором, но скульптурами. Примером подобного украшательства является во Флоренции площадь перед Палаццо Веккьо (городской ратушей). В парадной части города было особенно заметно соседство старинных построек романского (в меньшей степени готического) стиля и новых ренессансных строений. Жители соседних городов соперничали между собой в украшении площадей, церквей и общественных зданий.

В XIV-XV вв. в итальянских городах шло бурное строительство, старые постройки сносились и заменялись новыми. Далеко не всегда поводом к этому была ветхость зданий - изменялись вкусы, росло благосостояние, а вместе с тем и стремление продемонстрировать новые возможности. Примером такого рода может служить затеянное в XIV в. строительство нового флорентийского кафедрального собора (Дуомо, более известного как Санта Мария дель Фьори), купол которого был самым большим для своего времени на Западе.

Иногда богатые семьи объединяли за обновленным фасадом несколько старых жилищ. Так, архитектор Л. Б. Альберти по заказу семьи Ручелаи построил палаццо в новом вкусе, скрыв за рустованным фасадом восемь домов. Переулок между домами был превращен во внутренний двор. Такой прием позволял включить в единый комплекс жилые помещения, склады и лавки, лоджии и сад. Главная архитектурная форма светской городской постройки -палаццо - дворцы богатых горожан, которые имели прямоугольную форму с внутренним двором. Фасады палаццо, обращенные на улицу, соответствовали тем условиям жизни, которые были свойственны итальянским городам-республикам. Подчеркнуто грубая обработка камня (рустовка), которым была обложена стена нижнего этажа, толстые стены, небольшие окна -все это напоминало о том, что такой дворец мог служить надежным укрытием во время многочисленных внутригородских политических конфликтов.

Внутренние помещения состояли из анфилады комнат, украшенных настенными росписями и покрытых деревянными, украшенными резьбой, а реже лепниной потолками. В торжественных случаях стены украшали настенными коврами (шпалерами), которые способствовали также сохранению тепла в помещениях. Просторные ю

комнаты (станцы), мраморные лестницы создавали впечатление торжественного великолепия. Окна закрывались деревянными ставнями, иногда затягивались промасленным полотном, позднее (но это уже была почти греховная роскошь!)- заполнялись мелкими стеклышками, вставленными в свинцовый переплет. Главным отопительным приспособлением оставался очаг на кухне, а также камины в больших парадных залах, которые, скорее, украшали, чем обогревали. Поэтому и кровати старались снабдить навесом и отгородить тяжелыми занавесями от окружающего пространства. Обогреть всю комнату раскаленным камнем или бутылью с горячей водой было невозможно. «Свою» комнату, кабинет-студиоло, «место трудов по переписке рукописей, размышлений, уединенного познания мира и себя» имел, как правило, только глава семьи, а остальные домочадцы обитали вместе. Повседневная жизнь богатой семьи чаще всего протекала во внутреннем дворике и окружающих его галереях.

Сравнительно немногочисленные, но массивные и богато украшенные резьбой и росписью предметы меблировки свидетельствовали о стремлении к комфорту. Наиболее распространенными образцами мебели были свадебный сундук (кассоне), ларь-скамья со спинкой, массивные шкафы, украшенные архитектурными деталями, столы, кресла, табуреты. Украшали интерьер не только настенные росписи, но и светильники из бронзы, расписная керамика (майолика), зеркала в резных рамах, серебряная и стеклянная посуда, кружевные скатерти.

Многие архитекторы мечтали изменить облик городов соответственно новым вкусам, но это было невозможно: большое строительство требовало огромных средств и не меньших полномочий для реализации массового сноса домов. Ведь для этого надо было столько домов сломать, столько людей переселить, а средств для этого не было. Поэтому приходилось довольствоваться строительством отдельных зданий, чаще всего соборов или палаццо богатых семейств. Города перестраивались постепенно, по мере надобности и возможности, без какого-либо плана, а внешний их облик оставался в значительной степени средневековым.

Идеальные ренессансные города появлялись почти исключительно на чертежах и в качестве фона живописных композиций. «Модель ренессансного города -это модель открытая. Ядром служит... свободное пространство площади, раскрывающееся наружу смотровыми проемами улиц, с видами вдаль, за пределы городских стен... так изображали город художники, таким видят его авторы архитектурных трактатов. Ренессансный город в идеале не защищается от открытого пространства не-города, напротив, контролирует его, подчиняет его себе... Архитектурная мысль Возрождения... решительно противопоставляет город как произведение искусственно и искусно созданное, естественному природному окружению. Город должен не подчиняться местности, а подчинять ее... Город средневековья был вертикальным. Город XV века в идеале мыслится горизонтальным...» Архитекторы, проектировавшие новые города, учитывали меняющиеся условия и вместо привычных крепостных стен предлагали строить вокруг города оборонительные сооружения-форты.

Внешний облик людей. Менялся внешний облик людей, менялся тот мир вещей, которым они окружали себя. Конечно, жилища бедняков (маленькое деревянное строение или помещение за лавкой без окон) оставались такими же, как сотни лет назад. Перемены коснулись зажиточной, богатой части населения.

Согласно настроениям и вкусам эпохи менялась одежда. Вкусы теперь определялись потребностями и возможностями мирных жителей, богатых горожан, а не военного сословия рыцарей. Верхнюю одежду шили из многоцветных, часто узорчатых тканей типа парчи, бархата, сукна, тяжелого шелка. Лен стали использовать исключительно в качестве нижнего платья, которое проглядывало сквозь шнуровку и прорези верхнего платья. «Верхняя одежда пожилого горожанина, даже если он не занимал никакой выборной должности, была обязательно длинной, широкой и придавала его внешности отпечаток степенности и важности» . Одежда молодых людей была короткой. Она состояла из рубашки, жилета со стоячим воротником и привязанных к жилету узких штанов-чулок, часто разноцветных. Если в XV в. предпочтение отдавалось ярким и контрастным цветам, то с начала XYI в. более модными становятся одноцветные одежды, украшенные мехом и цепью из драгоценного металла.

Женская одежда в XV в. отличалась мягкостью формы и много- цветностью. Поверх рубашки и платья с длинными узкими рукавами, завышенной талией и большим квадратным декольте носили плащ (сикору), состоявший из трех полотнищ. Заднее полотнище ниспадало по спине свободными складками, а две полочки драпировались по вкусу обладательницы. Общий силуэт напоминал античность. С началом XVI в. в женских нарядах подчеркивается горизонтальное членение. Большую роль в украшении платья начинают играть кружева, обрамлявшие вырез горловины и края рукавов. Талия опускается на естественное место, вырез делается больше, рукава - объемнее, юбка -пышнее. Одежда должна была подчеркивать красоту сильной, здоровой женщины.

Открытие человеческого «Я». В жизни итальянского общества эпохи Возрождения соседствует и переплетается старое и новое. Типичная семья той эпохи -это большая семья, объединяющая несколько поколений и несколько ветвей родственников, подчиняющихся главе-патриарху, но рядом с этой привычной иерархичностью возникает другая тенденция, связанная с пробуждением личностного самосознания.

Ведь с возникновением в Италии условий для зарождения нового хозяйственного уклада и нового общества изменились и требования к людям, их поведению, отношению к земным делам и заботам. Основой хозяйственной жизни нового общества стали торговля и ремесленное производство, сосредоточенные в городах. Но прежде чем большая часть населения сосредоточилась в городах, прежде чем возникли мануфактуры, фабрики, лаборатории, -появились люди, способные их создавать, люди энергичные, стремящиеся к постоянным переменам, борющиеся за утверждение своего места в жизни. Произошло освобождение человеческого сознания от гипноза Вечности, после чего острее стала ощущаться ценность мгновения, значимость быстротекущей жизни, желание полнее ощутить всю полноту бытия.

Возник новый тип личности, отличающийся смелостью, энергией, жаждой деятельности, свободный от покорности традициям и правилам, способный действовать непривычным способом. Этих людей интересовали самые разные проблемы бытия. Так, в конторских книгах флорентийских купцов среди цифр и перечисления различных товаров можно обнаружить рассуждения о судьбах людей, о Боге, о важнейших событиях политической и художественной жизни. За всем этим ощутим повышенный интерес к Человеку, к самому себе.

Человек начал рассматривать собственную индивидуальность как нечто уникальное и ценное, тем более значимое, что она обладает способностью к постоянному совершенствованию. Гипертрофированное ощущение собственной личности во всей ее неповторимости поглощает человека Возрождения целиком. Он открывает собственную индивидуальность, погружается с восторгом в собственный душевный мир, потрясенный новизной и сложностью этого мира.

Особенно чутко улавливают и передают настроение эпохи поэты. В лирических сонетах Франческо Петрарки, посвященных прекрасной Лауре, очевидно, что главный герой их -сам автор, а не объект его поклонения. О Лауре читатель не узнает, в сущности, почти ничего, кроме того, что она -само совершенство, обладающее золотыми кудрями и золотым характером. Свои восторги, свои переживания, свои страдания описал Петрарка в сонетах. Узнав о смерти Лауры, свою осиротелость оплакал он:

Я пел о золотых ее кудрях,

Я воспевал ее глаза и руки,

Блаженством райским почитая муки,

И вот теперь она -холодный прах.

А я, без маяка, в скорлупке сирой Сквозь шторм, который для меня не внове,

Плыву по жизни, правя наугад .

Следует учитывать, что открытие личностного «Я» касалось только одной половины рода человеческого- мужчин. Женщины воспринимались в этом мире как существа, собственной ценности не имеющие. Они должны были заботиться о хозяйстве, рожать и воспитывать маленьких детей, радовать мужчин своим приятным внешним видом и обхождением.

В реализации человеческого «Я» важным почиталось наличие результатов, а не сфера деятельности, где они достигались - будь то налаженное торговое дело, великолепная скульптура, выигранная битва или вызывающая восхищение поэма или картина. Много знать, много читать, изучать иностранные языки, знакомиться с сочинениями античных авторов, интересоваться искусством, понимать толк в живописи и поэзии, - таким стал идеал человека в эпоху Возрождения. Высокая планка требований к личности показана в сочинении Бальдасаре Кастильоне «О придворном» (1528): «Я хочу, чтобы наш придворный был более чем посредственно знаком с литературой... чтобы он знал не только латинский язык, но еще и греческий..., чтобы он хорошо знал поэтов, а равно ораторов и историков, и... умел писать стихами и прозой... Я не буду доволен нашим придворным, если он при том еще не музыкант... Есть еще одна вещь, которой я придаю большую важность: это именно умение рисовать и знание живописи» .

Достаточно перечислить несколько имен прославленных людей того времени, чтобы понять, как многообразны были интересы тех, кто считался типичным представителем своей эпохи. Леон Батиста Альберти -архитектор, скульптор, знаток древности, инженер. Лоренцо Медичи - государственный деятель, блестящий дипломат, поэт, знаток и покровитель искусств. Вероккио -скульптор, живописец, ювелир, математик. Микеланджело Буонарроти -скульптор, живописец, архитектор, поэт. Рафаэль Санти -живописец, архитектор. Всех их можно назвать героическими личностями, титанами. При этом не стоит забывать, что величие характеризует масштаб, но не дает оценки их деятельности. Титаны Возрождения были не только созидателями, но и добрыми гениями своей страны.

Теряли значение привычные представления о том, что является «дозволенным», а что «недозволенным». При этом утратили значение старые правила взаимоотношений между людьми, быть может, не дававшие абсолютной творческой свободы, но столь важные для жизни в обществе. Желание утвердить себя принимало самые разные формы-такая установка могла порождать и порождала не только гениальных художников, поэтов, мыслителей, чья деятельность была направлена на созидание, но и гениев разрушения, гениев злодейства. Примером такого рода служит сравнительная характеристика двух прославленных современников, пик деятельности которых пришелся на рубеж XV-XVI вв.

Леонардо да Винчи (1452-1519 ) - человек, о котором проще сказать, чего он не знал, чем перечислить то, что он умел. Прославленный живописец, скульптор, архитектор, инженер, поэт, музыкант, естествоиспытатель, математик, химик, философ -все это с полным основанием относится к Леонардо. Он разработал проект летательного аппарата, танка, сложнейших ирригационных сооружений и многое другое. Он работал там, где было удобнее найти покровителей из числа правящей верхушки, легко меняя их, и умер во Франции, где на его надгробии написано, что он «великий французский художник». Его личность стала олицетворением творческого духа эпохи Возрождения.

Современником Леонардо был знаменитый кондотьер Чезаре Борджиа (1474-1507). Широкая образованность сочеталась в нем с природными талантами и безудержным эгоизмом. Его честолюбие проявилось в попытке создания сильного государства в центре Италии. Он мечтал в случае удачи объединить всю страну, был умелым и удачливым полководцем и дельным правителем. Для достижения своей цели этот утонченный знаток и ценитель прекрасного прибегал к подкупу, обману, убийству. Подобные приемы казались ему вполне допустимыми ради достижения великой цели - создания сильного государства в центре Италии. Обстоятельства помешали Ч. Борджиа осуществить свои планы.

Леонардо да Винчи и Чезаре Борджиа -современники, в равной мере типичные для своей переломной эпохи, когда старые правила и нормы жизни человеческого общежития утрачивали свое значение, а новые еще не были приняты обществом. Человеческая личность стремилась к самоутверждению, пользуясь любыми способами и возможностями. Для нее утрачивали значение и старые представления о «хорошем» и «дурном», о «дозволенном» и «недозволенном». «Люди совершали самые дикие преступления и ни в какой мере в них не каялись, и поступали они так потому, что последним критерием для человеческого поведения считалась тогда сама же изолированно чувствовавшая себя личность» . Зачастую в одном человеке сочетались беззаветная преданность своему искусству и необузданная жестокость. Таким был, например, скульптор и ювелир Б. Челлини, о котором говорили: «бандит с руками феи».

Стремление личности к самовыражению любыми средствами получило название титанизма. Титаны Возрождения стали олицетворением эпохи, открывшей ценность человеческого «Я», но остановившейся перед проблемой установления определенных правил в отношениях между носителями множества разных «Я».

Отношение к творческой личности и положение художника в обществе. Наметился поворот к тому типу цивилизации, которая предполагает активное вмешательство человека в окружающую среду, - не только самоусовершенствование, но и преобразование окружающего-природы, общества -через развитие знаний и применение их в практической сфере. Тем самым наиболее важным в человеке признавалась его способность к самореализации и творчеству (в самом широком значении этого слова). Это, в свою очередь, предполагало отказ от всесторонней регламентации ради признания частной инициативы. Средневековый идеал созерцательной жизни вытеснялся новым идеалом жизни активной, деятельной, позволяющей оставить видимые свидетельства пребывания человека на Земле. Основной целью существования становится активность: построить прекрасное здание, завоевать много земель, изваять скульптуру или написать картину, которая прославит ее создателя, разбогатеть и оставить после себя процветающую торговую компанию, основать новое государство, сочинить поэму или оставить многочисленное потомство - все это было в определенном смысле равноценно, позволяло человеку оставить свой след. Искусство давало возможность проявиться творческому началу в человеке, результаты же творчества сохраняли память о нем на долгое время, приближали его к бессмертию. Люди той эпохи были убеждены:

Творенье может пережить творца:

Творец уйдет, природой побежденный,

Однако образ, им запечатленный,

Веками будет согревать сердца .

Эти строки Микеланджело Буонарроти могут быть отнесены не только к художественному творчеству. Стремление к самовыражению, пафос самоутверждения стали смыслом духовной жизни итальянского общества в этот период. Человек-творец ценился очень высоко и ассоциировался, в первую очередь, с художником-творцом.

Так воспринимали себя художники, и это не противоречило общественному мнению. Известны слова, которые будто бы сказал флорентийский ювелир и скульптор Бенвенуто Челлини одному царедворцу: «Таких как я, быть может, только один во всем мире, а таких, как ты, по десятку у каждой двери» . Легенда утверждает, что правитель, которому пожаловался придворный на дерзость художника, поддержал Челлини, а не царедворца.

Художник мог разбогатеть, как Перуджино, получить дворянский титул, как Мантенья или Тициан, войти в состав ближайшего окружения правителей, как Леонардо или Рафаэль, однако большая часть художников имела статус ремесленников и считала себя таковыми. Скульпторы состояли в одном цехе с каменщиками, живописцы-с фармацевтами. Согласно представлениям своего времени художники относились к среднему слою горожан, точнее к низам этого слоя. Большинство из них считались людьми среднего достатка, которые должны постоянно работать, искать заказы. Д. Вазари, рассказывая о своем творческом пути, постоянно отмечает, что для выполнения одного заказа ему пришлось ехать в Неаполь, другого-в Венецию, третьего -в Рим. В перерывах между этими поездками он возвращался в родной Ареццо, где у него был дом, который он постоянно обустраивал, украшал, расширял. Одни художники имели собственные дома (в XV в. во Флоренции дом стоил 100-200 флоринов), другие -арендовали. На роспись среднего размера фрески живописец тратил около двух лет, получал за это 15-30 флоринов, причем в эту сумму включались и расходы на использованный материал. Скульптор тратил на изготовление скульптуры около года, получал за работу около 120 флоринов. В последнем случае надо учитывать более дорогие расходные материалы.

Помимо денежных выплат иногда мастерам предоставлялась право трапезничать в монастыре. Всезнающий Вазари описал случай с живописцем Паоло Учелло, которого настоятель долго и усердно кормил сыром, пока мастер перестал являться на работу. После того как художник пожаловался монахам, что ему надоел сыр, а те сообщили об этом настоятелю, последний изменил меню.

Интересно сравнить сведения о материальном положении двух равно (и высоко) ценимых современниками скульпторов Донателло и Гиберти. Первый из них по своему характеру и образу жизни был человеком беспечным в денежных вопросах. Легенда свидетельствует, что все свои (немалые) доходы он складывал в кошель, висящий у двери, и все члены его мастерской могли брать из этих денег. Так вот, в 1427 г. славный мастер Донателло арендовал дом за 15 флоринов в год и имел чистый доход (разница между тем, что он должен и что ему должны) - 7 флоринов. Хозяйственный Лоренцо Гиберти в том же 1427 г. имел дом, участок земли, счет в банке (714 флоринов) и чистый доход -185 флоринов .

Мастера охотно брались за выполнение самых разных заказов для украшения церквей, богатых палаццо, оформления общегородских праздников. «Не существовало нынешней иерархии жанров: предметы искусства носили непременно функциональный характер... Из одной мастерской выходили и алтарные изображения, и расписные сундуки, и портреты, и раскрашенные знамена... Таково было и художническое самосознание, и можно только догадываться о степени волшебного единения мастера со своим произведением, для которого он сам растирал краски, сам склеивал кисть, сам сколачивал раму -оттого и не видел принципиальной разницы между росписью алтаря и сундука» .

Обычной практикой были конкурсы между художниками за право получить выгодный правительственный заказ. Самые известные из таких конкурсов - конкурс на право изготовить двери для флорентийского баптистерия (крещальни), организованный в первые годы XV в. Сан Джованни был дорог всем жителям города, ведь там крестили, наделяли именем каждого из них, оттуда каждый начинал свой жизненный путь. В конкурсе участвовали все известные мастера, а выиграл его Лоренцо Гиберти, который позднее с гордостью писал об этом в своих «Записках».

Другой знаменитый конкурс состоялся столетием позднее. Речь идет о заказе на украшение зала заседаний совета, предоставленном флорентийской Сеньорией двум самым знаменитым соперникам-Леонардо да Винчи и Микеланджело Буонарроти. Выставка картонов (рисунков в натуральную величину), выполненных мастерами, стала событием в общественной жизни республики.

Гуманизм. Мыслители Средневековья прославляли в человеке возвышенное, духовное начало и проклинали низменное, телесное. Люди новой эпохи воспевали в человеке и душу, и тело, считая их равно прекрасными и равно значимыми. Отсюда название этой идеологии - гуманизм {homo - человек).

Гуманизм эпохи Возрождения включал в себя две составляющих: гуманизм, высокую духовность культуры; и комплекс гуманитарных дисциплин, направленных на изучение земной жизни человека, таких как грамматика, риторика, филология, история, этика, педагогика. Гуманисты стремились обратить всю систему знаний на решение проблем земной жизни человека. Смысловым стержнем гуманизма стало утверждение нового понимания личности, способной к свободному саморазвитию. Тем самым в нем проявилась главная тенденция исторической перспективы модернизационного развития-изменение, обновление, совершенствование.

Гуманисты составили не многочисленный, но влиятельный социальный слой общества, предтечу будущей интеллигенции. В состав гуманистической интеллигенции входили представители горожан, дворянства, духовенства. Применение своим знаниям и интересам они находили в самой разной деятельности. Среди гуманистов можно назвать выдающихся политиков, юристов, служащих магистратур, деятелей искусства.

Человек в представлении людей того времени уподоблялся смертному богу. Суть Возрождения в том и состоит, что человек был признан «венцом творения», а видимый земной мир обрел самостоятельную ценность и значимость. Все мировоззрение эпохи обращено было на прославление достоинств и возможностей человека, не случайно оно получило название гуманизм.

Средневековый теоцентризм был заменен антропоцентризмом. Человек как совершеннейшее творение Бога оказался в центре внимания философов и художников. Антропоцентризм Возрождения проявлялся по-разному. Так, сравнение архитектурных конструкций с человеческим телом, сделанное в древности, было дополнено в христианском духе. «Леон Батиста Альберти, который вычленил у язычника Витрувия библейский антропоморфизм, сравнивая пропорции колонн с соотношениями роста и толщины человека... человеческие же пропорции он, вслед за Августином Блаженным, соотнес с параметрами Ноева ковчега и храма Соломона. Максима «человек есть мера всех вещей» имела для Ренессанса арифметический смысл» .

Наиболее убедительно сумел выразить суть антропоцентризма итальянский гуманист, живший во второй половине XV в., Джованни Пико делла Мирандола (1463-1494 ). Ему принадлежит сочинение под названием «Речь о достоинстве человека». Красноречиво само по себе название, в котором подчеркнут оценочный момент -«достоинство человека». В этом трактате Бог, обращаясь к человеку, говорит: «Посреди мира поставил я тебя, чтобы тебе легче было проникнуть взором в окружающее. Я создал тебя существом не небесным, но и не только земным, не смертным, но и не бессмертным, чтобы ты, чуждый стеснений, сам сделался творцом и сам выковал окончательно свой образ» .

Человек оказывается самым совершенным творением, более совершенным, чем даже небесные существа, поскольку они наделены своими достоинства изначально, а человек может выработать их сам, и исключительно от его личных качеств будут зависеть его доблести, его благородство (virtu). Вот что писал о возможностях человека архитектор и писатель Леон Батиста Альберти: «Так я понял, что в нашей власти достигнуть всяческой похвалы, в какой бы то ни было доблести при помощи собственного нашего рвения и умения, а не только по милости природы и времен...» Ученые-гуманисты искали подтверждение своего отношения к человеку у философов других эпох и нашли близкие взгляды у мыслителей античности.

Античное наследие. Привычка опираться на некий авторитет заставила гуманистов искать подтверждения своих взглядов там, где они нашли идеи, близкие по духу, - в работах античных авторов. «Любовь к древним» стала характерной чертой, отличающей представителей этого идейного направления. Овладение духовным опытом античности должно было способствовать формированию нравственно совершенного человека, а значит, и духовному очищению общества.

Средневековье никогда полностью не порывало с античным прошлым. Итальянские гуманисты рассматривали античность как идеал. Мыслители предшествующего тысячелетия выделяли среди древних авторов Аристотеля, гуманистов больше привлекали знаменитые ораторы (Цицерон) или историки (Тит Ливий), поэты. В сочинениях древних наиболее важными представлялись им мысли о душевном величии, творческих возможностях, героических деяниях людей. Ф. Петрарка был одним из первых, кто стал специально разыскивать античные рукописи, изучать древние тексты и ссылаться на античных авторов как на высший авторитет. Гуманисты отказались от средневековой латыни и старались писать свои сочинения на классической «цицероновской» латыни, что заставляло их подчинять требованиям грамматики реалии современной им жизни. Классическая латынь объединяла ее ученых знатоков по всей Европе, но отъединяла их «республику ученых» от тех, кто не был сведущ в тонкостях латыни.

Возрождение и христианские традиции. Новые условия жизни требовали отказа от старых христианских идеалов смирения и безразличия к земной жизни. Этот пафос отрицания был очень заметен в культуре Возрождения. Вместе с тем отказа от христианского учения не произошло. Люди эпохи Возрождения продолжали считать себя добрыми католиками. Критика церкви и ее деятелей (особенно монашества) была очень распространена, но это была критика людей церкви, а не христианского учения. Причем критике гуманистов подвергалась не только аморальность поведения некоторой части церковников, для них был неприемлем сам средневековый идеал ухода, отказа от мира. Вот что писал гуманист Калюччо Салютати своему другу, решившему стать монахом: «Не верь, о Пеллегрино, что бежать от мира, избегать вида прекрасных вещей, запереться в монастыре или удалиться в скит-это путь к совершенству» .

Христианские идеи довольно мирно уживались в умах людей с новыми нормами поведения. Среди защитников новых идей было немало деятелей католической церкви, в том числе высших рангов, до кардиналов и пап включительно. В искусстве, особенно в живописи, преобладающее значение оставалось за религиозной тематикой. Самое главное - возрожденческие идеалы включали в себя христианскую духовность, совершенно чуждую античности.

Современники ценили деятельность гуманистов как высшее достижение культуры своего времени, потомки знают их высокоученые штудии больше понаслышке. Для последующих поколений их творчество, в отличие от творений художников, архитекторов и скульпторов, представляет интерес как исторический феномен. Между тем именно эти педантичные знатоки латыни, эти любители рассуждать

0 добродетелях древних выработали основы нового взгляда на мир, человека, природу, привили обществу новые этические и эстетические идеалы. Все это позволило оторваться от традиций Средневековья и придать зарождающейся культуре обновленный облик. Поэтому для потомков итальянская история периода Возрождения-это, прежде всего, история расцвета итальянского искусства.

Проблема передачи пространства. Для эпохи Возрождения характерно уважительное, почти благоговейное отношение к знаниям, к учености. Именно в значении знания в самом широком смысле слова использовалось тогда слово «наука». Способ получения знаний существовал один -наблюдение, созерцание. Самой прогрессивной отраслью знания в это время оказались знания, связанные с визуальным изучением внешнего мира.

«Долгий процесс вызревания наук о природе и жизни начинается уже в XIII веке. И его началом была революция в развитии зрения, связанная с прогрессом оптики и изобретением очков... Построение линейной перспективы расширило поле зрения по горизонтали и тем ограничило господство в нем вертикали, направленной к небу» . Источником информации служил человеческий глаз. Передать информацию, создать видимый образ любого объекта способен был только художник, человек, имеющий не только зоркий глаз, но и умение зафиксировать и донести до зрителя облик предмета или явления, которых зритель не видит, но хотел бы узнать. Отсюда восторженность и горделивость в словах Д. Вазари, писавшего: «Глаз, называемый окном души, это -главный путь, которым общее чувство может в наибольшем богатстве и великолепии рассматривать бесконечные творения природы...»

Неудивительно поэтому, что люди Возрождения почитали живопись наукой, причем важнейшей из наук: «О, удивительная наука, ты сохраняешь живыми бренные красоты смертных, делаешь их более долговечными, чем творения природы, непрерывно изменяемые временем, которое доводит их до неизбежной старости...» на разные лады повторял в своих записях Леонардо да Винчи.

Наиболее важными при этом представлялись передача иллюзии объемности предмета, его местоположения в пространстве, т.е. умение создать достоверный рисунок. Цвет же играл подчиненную роль, служил дополнительным украшением. «Перспектива была главной интеллектуальной игрой времени...»

Вазари в своих «Жизнеописаниях» специально отмечал увлеченность целого ряда художников XV в. изучением линейной перспективы. Так, живописец Паоло Учелло буквально «зациклился» на проблемах перспективы, все свои усилия посвятил тому, чтобы правильно построить пространство, научиться передавать иллюзию сокращения и искажения архитектурных деталей. Жена художника «часто рассказывала, что Паоло по целым ночам просиживал в своей мастерской в поисках законов перспективы и что, когда она звала его спать, он отвечал ей: “О, какая приятная вещь эта перспектива!”» .

Этапы итальянского Возрождения. Культура итальянского Возрождения прошла несколько этапов. Названия периодов традиционно определяются по столетиям:

• - рубеж XIII-XIV вв. - дученто, проторенессанс (Предвозрожде- ние). Центр -Флоренция;
• - XIV в. -треченто (Раннее Возрождение);
• - XVв. - кватроченто (торжество культуры Возрождения). Наряду с Флоренцией появляются новые культурные центры в Милане, Ферраре, Мантуе, Урбино, Римини;
• - XVI в. -чинквеченто, включает: Высокое Возрождение (первая половина XVI в.), лидерство в культурной жизни переходит к Риму, и Позднее Возрождение (50-80-е гг. XVI в.), когда последним центром ренессансной культуры становится Венеция.

Проторенессанс. На первых этапах Возрождения главным центром новой культуры была Флоренция. Знаковые фигуры-поэт Данте Алигьери (1265-1321 ) и художник Джотто ди Бондоне (1276-1337 ), оба выходды из Флоренции, оба личности типичные для новой исторической эпохи-активные, деятельные, энергичные. Только один из них, Данте, приняв деятельное участие в политической борьбе, закончил жизнь в качестве политического изгнанника, а другой, Джотто, будучи не только знаменитым художником, но и архитектором, прожил как почтенный и преуспевающий горожанин (пополам). Каждый в своей сфере творчества был новатором и завершителем традиций одновременно.

Последнее качество в большей степени характерно для Данте. Его имя сделала бессмертным поэма «Божественная комедия», рассказывающая о странствиях автора в потустороннем мире. В этом произведении сконцентрированы все основные идеи средневекового мировоззрения. Старое и новое соседствуют в ней. Сюжет вполне средневековый, но пересказывается по-новому. Прежде всего важно отметить, что Данте отказался от латыни. Поэма написана на тосканском наречии. Дается образ средневековой вертикальной картины мироздания: круги Ада, гора Чистилища, пространства Рая, но главным героем является сам Данте, которого в странствиях по Аду и Чистилищу сопровождает римский поэт Вергилий, а в Раю встречает «божественная Беатриче», женщина, которую поэт любил всю свою жизнь. Роль, отведенная смертной женщине в поэме, свидетельствует о том, что автор обращен скорее к будущему, чем к прошлому.

Поэма населена множеством персонажей, деятельных, неукротимых, энергичных, их интересы обращены к земной жизни, их волнуют земные страсти и дела. Разные судьбы, характеры, ситуации проходят перед читателем, но это люди наступающей эпохи, дух которых обращен не к вечности, а к сиюминутному интересу «здесь и сейчас». Злодеи и мученики, герои и жертвы, вызывающие сострадание и ненависть, - все они поражают своей жизненностью и жизнелюбием. Гигантская картина мироздания создана Данте.

Художник Джотто поставил перед собой цель подражания природе, которая станет краеугольной для живописцев последующей эпохи. Это проявилось в стремлении передать объемность предметов, прибегая к светотеневой моделировке фигур, вводя в изображение пейзаж и интерьер, стремясь организовать изображение как сценическую площадку. Кроме того, Джотто отказался от средневековой традиции заполнять все пространство стен и потолков росписями, в которых объединены различные сюжеты. Стены капелл покрыты фресками, которые расположены поясами, а каждый пояс поделен на несколько изолированных картин, посвященных отдельному эпизоду и обрамленных орнаментальным узором-рамой. Зритель, проходя вдоль стен капеллы, разглядывает различные эпизоды, как бы перелистывая страницы книги.

Самые прославленные работы Джотто-настенные росписи (фрески) в церквях в Ассизи и Падуе. В Ассизи роспись посвящена жизни

Франциска Ассизского, незадолго до того причисленного к святым. Падуанский цикл связан с новозаветными сюжетами, рассказывающими об истории жизни Девы Марии и Иисуса Христа.

Новаторство Джотто заключалось не только в использовании новых технических приемов, не только в «копировании» природы (что было слишком буквально понято его непосредственными последователями- джоттесками), а в воссоздании живописными приемами нового мировосприятия. Образы, созданные им, полны стойкости духа и спокойного величия. Таковы в равной мере и Мария, торжественно принимающая весть о своем избранничестве («Благовещение»), и добродушный св. Франциск, прославляющий единство и гармонию мироздания («Св. Франциск, проповедующий птицам»), и Христос, спокойно встречающий предательский поцелуй Иуды («Поцелуй Иуды»). Данте и Джотто считаются мастерами, начавшими разработку темы героического человека в итальянском Возрождении.

Треченто. Славу этому периоду принесли мастера, разрабатывавшие лирическую тему в искусстве. Звучные строфы сонетов Петрарки о прекрасной Лауре перекликаются с изысканной линейностью работ сиенских художников. Эти живописцы находились под влиянием готических традиций: островерхие шпили церквей, стрельчатые арки, 5-образный изгиб фигур, плоскостность изображения и декоративность линии отличают их искусство. Самым известным представителем сиенской школы считается Симоне Мартини (1284-1344 ). Для него типична изображающая сцену Благовещения алтарная композиция, обрамленная изысканной золоченой резьбой, образующей удлиненные готические арки. Золотой фон превращает всю сцену в фантастическое видение, а фигуры полны декоративного изящества и капризной грации. Бесплотная фигурка Марии прихотливо изогнулась на золотом троне, ее нежное личико заставляет нас вспомнить блоковские строки: «коварные мадонны щурят длинные глаза». Художники этого круга развивали лирическую линию в искусстве Возрождения.

В XIV в. происходит становление итальянского литературного языка. Писатели той поры охотно сочиняли забавные рассказы о земных делах, домашних неурядицах и приключениях людей. Их занимали вопросы: как поведет себя человек в тех или иных обстоятельствах; как соответствуют друг другу слова и дела людей? Такие короткие рассказы (новеллы) объединялись в сборники, составлявшие своего рода «человеческую комедию» той эпохи. Самый известный из них, «Декамерон» Джованни Боккаччо (1313-1375 ), представляет собой энциклопедию быта и нравов жизни своего времени.

Для потомков Франческо Петрарка (1304-1374) - первый лирический поэт Нового времени. Для современников он был крупнейшим политическим мыслителем, философом, властителем дум нескольких поколений. Его называют первым гуманистом. В его трактатах выработаны основные приемы и тематика, свойственные гуманизму. Именно Петрарка обратился к исследованию античных авторов, он постоянно ссылался на их авторитет, начал писать на правильной («цицероновской») латыни, воспринимал проблемы своего времени сквозь призму античной мудрости.

В музыке новые веяния проявились в произведениях таких мастеров, как Ф. Ландини. Это направление получило название «новое искусство». В ту пору зародились новые музыкальные формы светской музыки, такие как баллада и мадригал. Усилиями композиторов «нового искусства» мелодия, гармония и ритм объединялись в единую систему.

Кватроченто. Этот период открывает деятельность трех мастеров: архитектора Филиппо Брунеллески (1377-1446 ), скульптора Донателло (1386-1466 ), живописца Мазаччо (1401-1428 ). Их родной город Флоренция становится признанным центром новой культуры, идейным стержнем которой стало прославление человека.

В архитектурных конструкциях Брунеллески все подчинено возвеличению человека. Это проявилось в том, что здания (даже огромные церкви) строились так, чтобы человек не казался там затерянным и ничтожным, как в готическом соборе. Легкие аркады (элементы, не имевшие аналога в античности) украшают внешние галереи Воспитательного дома, светлые и строгие внутренние помещения настраивают на серьезный лад, величественный и легкий восьмигранный купол венчает пространство собора Санта Мария делла Фьоре. Фасады городских дворцов-палаццо, в которых грубоватая кладка первого этажа (рустовка) оттенена нарядными окнами- порталами, полны суровой сдержанности. Такого впечатления добивался архитектор Филиппо Брунеллески.

Скульптор Донато, вошедший в историю искусства под своим прозвищем Донателло, возродил забытый в Средние века тип свободно стоящей скульптуры. Он сумел объединить античный идеал гармонично развитого человеческого тела с христианской одухотворенностью и напряженной интеллектуальностью. Созданные им образы, будь то взволнованно-напряженный пророк Аввакум («Цук- коне»), задумчивый победитель Давид, спокойно-сосредоточенная Мария-Анунциата, страшный в своем бесстрастном упорстве Гатта- мелата, - прославляют героическое начало в человеке.

Томазо Мазаччо продолжил реформы Джотто в живописи. Его фигуры объемны и подчеркнуто материальны («Мадонна с младенцем и св. Анной»), они стоят на земле, а не «парят» в воздухе («Адам и Ева, изгнанные из рая»), они помещены в пространство, которое художник сумел передать с помощью приемов центральной перспективы («Троица»).

На фресках Мазаччо в капелле Бранкаччи изображены апостолы, сопровождавшие Христа в его земных странствиях. Это простые люди, рыбаки и ремесленники. Художник, однако, не стремится одеть их в рубище, чтобы подчеркнуть их простоту, но избегает и пышных одеяний, которые показали бы их избранность, исключительность. Для него важно показать вневременное значение происходящего.

Мастера Возрождения средней Италии старались избегать такого рода деталей. Важнее считалось передать типичное, обобщенное, а не индивидуальное, случайное, передать величие человека. Для этого, например, Пьеро делла Франческа прибег к таким приемам, как использование «низкого горизонта» и уподобление человеческих фигур, задрапированных в широкие плащи, архитектурным формам («Царица Савская перед Соломоном»).

Наряду с этой героической традицией развивалась другая-лирическая. В ней преобладали декоративность, многоцветность (поверхность многих картин той эпохи напоминает нарядные ковры), узорчатость. Персонажи, изображенные мастерами этого направления, меланхолично задумчивы, исполнены нежной печали. Мелочи быта, прихотливые детали составляют значительную долю их привлекательности. К художникам этого круга относились и флорентийские мастера, и художники других школ. Наиболее прославленные из них-фра Беато Анжелико, фра Филиппо Липпи, Доменико Гирландайо, Беноццо Гоццоли, Пьетро Перуджино, Карло Кривелли.

Самым блестящим мастером этого направления был флорентиец Сандро Боттичелли (1445-1510 ). Трогательная, щемящая красота его мадонн и Венер для многих ассоциируется с искусством кватроченто вообще. Изысканно-блеклые цвета, прихотливые, то струящиеся, то извивающиеся линии, легкие фигуры, скользящие над землей и не замечающие друг друга. Боттичелли - один из самых обаятельных художников Возрождения, в творчестве которого сочетается влияние средневековой эстетики, свободное владение новыми художественными приемами и предчувствие кризиса гуманистической культуры. В его живописи присутствуют мифологические, аллегорические и библейские сюжеты. Эти сюжеты переданы кистью простодушного и искреннего человека, приобщившегося к философским идеям неоплатонизма.

Искусство Боттичелли расцвело при дворе неофициального правителя Флоренции банкира Лоренцо Медичи, который был типичной общественно-политической фигурой своего времени: хитрый и изворотливый политик, жесткий правитель, восторженный поклонник искусства, хороший поэт. Он не совершал таких злодейств, как С. Малатеста или Ч. Борджиа, но в целом придерживался тех же принципов в своих действиях. Ему была свойственна (опять же в духе времени) тяга к демонстрации внешней роскоши, парадности, праздничности. При нем Флоренция славилась блестящими карнавалами, обязательным составным компонентом которых были костюмированные шествия, во время которых разыгрывались небольшие театрализованные представления на мифологические и аллегорические темы, сопровождавшиеся танцами, пением, декламацией. Эти празднества предвосхищали становление театрального искусства, подъем которого начался в следующем, XVI в.

Кризис идей гуманизма. Гуманизм сосредоточился на прославлении человека и возлагал надежды на то, что свободная человеческая личность может бесконечно совершенствоваться, а вместе с тем будет улучшаться жизнь людей, отношения между ними будут добрыми и гармоничными. Минуло два века со времени начала гуманистического движения. Стихийная энергия и активность людей создали многое - великолепные произведения искусства, богатые торговые фирмы, ученые трактаты и остроумные новеллы, а жизнь лучше не стала. Более того, все острее беспокоила мысль о посмертной судьбе дерзких творцов. Что может оправдать земную активность человека с точки зрения посмертной жизни? Ответа на этот вопрос гуманизм и вся культура Возрождения не дала. Свобода личности, начертанная на знамени гуманизма, породила проблему личного выбора между добром и злом. Выбор не всегда делался в пользу добра. Борьба за власть, влияние, богатство приводили к постоянным кровавым стычкам. Кровь заливала улицы, дома и даже церкви Флоренции, Милана, Рима, Падуи и всех больших и малых городов-государств Италии. Смысл жизни сводился к получению конкретных и реальноосязаемых успехов и достижений, но при этом не имел некоего высшего оправдания. К тому же «игра без правил», ставшая правилом жизни, не могла продолжаться слишком долго. Эта ситуация порождала растущее стремление внести элемент организованности, определенности в жизнь общества. Нужно было найти высшее оправдание, высший стимул бешеному кипению человеческой энергии.

Ни гуманистическая идеология, ориентированная на решение проблем земной жизни, ни старый католицизм, этический идеал которого был обращен к чисто созерцательной жизни, не могли обеспечить соответствия между меняющимися потребностями жизни и их идейным объяснением. Религиозная догма должна была приспособиться к потребностям общества активных, предприимчивых, самостоятельных индивидуалистов. Однако попытки церковных реформ в условиях Италии, бывшей идейным и организационным центром католического мира, были обречены на неудачу.

Самый яркий тому пример - попытка доминиканского монаха Джироламо Савонаролы осуществить такого рода реформу в условиях Флоренции. После смерти блистательного Лоренцо Медичи Флоренция пережила политический и экономический кризис. Ведь блеск двора Медичи сопровождался ухудшением экономики Флоренции, ослаблением ее положения среди соседних государств. Огромное влияние в городе приобрел суровый доминиканский монах Савонарола, призывавший к отказу от роскоши, от занятий суетными искусствами и установлению справедливости. Большинство горожан (в их числе художники, такие как Сандро Боттичелли, Лоренцо ди Креди) с восторгом начали бороться со злом, уничтожая предметы роскоши, сжигая произведения искусства. Усилиями курии Рима Савонарола был свергнут и казнен, власть олигархии восстановлена. Но прежней, безмятежной и радостной уверенности в идеалах, обращенных к прославлению совершенного человека, не стало.

Высокое Возрождение. Стержнем гуманистической идеологии стал ниспровергающий пафос раскрепощения, освобождения. Когда его возможности были исчерпаны, неизбежно должен был наступить кризис. Короткий период, примерно в три десятилетия, - момент последнего взлета перед началом разрушения всей системы идей и настроений. Центр культурного развития перемещается в это время из Флоренции, утрачивающей свои республиканские доблести и порядки, в Рим - средоточие теократической монархии.

В искусстве наиболее полно выразили Высокое Возрождение три мастера. Можно сказать, хотя, конечно, несколько условно, что старший из них, Леонардо да Винчи (1452-1519 ), воспел человеческий интеллект, разум, возвышающий человека над окружающей его природой; самый младший, Рафаэль Санти (1483-1520 ), создал образы идеально прекрасные, воплощающие гармонию душевной и физической красоты; а Микеланджело Буонарроти (1475-1564) прославил силу и энергию человека. Созданный художниками мир -реальность, но очищенная от всего мелкого и случайного.

Главное, что оставил Леонардо людям, - это его живопись, прославляющая красоту и ум человека. Уже первая из самостоятельных работ Леонардо -голова ангела, написанная для «Крещения» его учителя Вероккио, поразила зрителей своим задумчиво-глубокомысленным взглядом. Персонажи художника, будь то играющая с ребенком юная Мария («Мадонна Бенуа»), прекрасная Чичилия («Дама с горностаем») или апостолы и Христос в сцене «Тайной вечери», - прежде всего существа мыслящие. Достаточно вспомнить картину, известную как портрет Моны Лизы («Джоконда»). Взгляд спокойно сидящей женщины полон такой проницательности и глубины, что, кажется, она видит и понимает все: чувства смотрящих на нее людей, сложности их жизни, бесконечность Космоса. За ее спиной раскинулся прекрасный и таинственный пейзаж, но она возвышается надо всем, она -главное в этом мире, она олицетворяет собой человеческий интеллект.

В личности и творчестве Рафаэля Санти с особой полнотой проявилось свойственное итальянскому Возрождению стремление к гармонии, внутреннему равновесию, спокойному достоинству. Он оставил после себя не только живописные и архитектурные работы. Его живопись очень разнообразна по тематике, но, когда говорят о Рафаэле, прежде всего в памяти всплывают образы его мадонн. Они обладают изрядной долей сходства, проявляющегося в душевной незамутненно- сти, детской чистоте и ясности внутреннего мира. Среди них есть задумчивые, мечтательные, кокетливые, сосредоточенные, каждая воплощает ту или иную грань одного образа-женщины с душой ребенка.

Выпадает из этого ряда самая знаменитая из рафаэлевских мадонн-«Сикстинская мадонна». Вот как описано впечатление советских солдат, увидевших ее в 1945 году извлеченной из шахты, куда она была спрятана гитлеровцами: «Ничто в картине поначалу не задерживает вашего внимания; взгляд ваш скользит, не останавливаясь ни на чем, до того мгновения, пока не встретится с другим, идущим навстречу взглядом. Темные, широко поставленные глаза покойно и внимательно глядят на вас, окутанные прозрачной тенью ресниц; и вот уже в душе у вас шевельнулось что-то неясное, заставляющее насторожиться... Вы все еще силитесь понять, в чем дело, что именно в картине насторожило, встревожило вас. А глаза ваши невольно снова и снова тянутся к ее взгляду... Взгляд Сикстинской мадонны, чуть затуманенный скорбью, полон доверия к будущему, навстречу которому она с таким величием и простотой несет самое дорогое-сына» .

Сходное восприятие картины передают такие стихотворные строки: «Царства гибли, моря высыхали, / Цитадели сгорали дотла, /Аона в материнской печали / Из былого в грядущее шла».

В творчестве Рафаэля особенно ярко стремление к тому, чтобы найти общее, типичное в индивидуальном. Он говорил о том, что должен видеть много красивых женщин, чтобы написать Красавицу.

Создавая портрет, художники итальянского Возрождения сосредотачивали внимание не на деталях, помогающих показать индивидуальное в человеке (разрез глаз, длина носа, форма губ), а на обоб- щающе-типичном, составляющем «видовые» признаки Человека.

Микеланджело Буонарроти был одновременно прекрасным поэтом и гениальным скульптором, архитектором, живописцем. Долгая творческая жизнь Микеланджело включила в себя и время наивысшего расцвета культуры Возрождения; ему, пережившему большинство титанов Возрождения, пришлось наблюдать и крушение гуманистических идеалов.

Сила и энергия, которыми проникнуты его произведения, кажутся порой чрезмерными, подавляющими. В творчестве этого мастера пафос созидания, свойственный эпохе, сочетается с трагическим ощущением обреченности этого пафоса. Контраст физической мощи и бессилия присутствует в ряде скульптурных изображений, таких как фигуры «Рабов», «Пленников», знаменитая скульптура «Ночь», а также в изображениях сивилл и пророков на потолке Сикстинской капеллы.

Особенно трагическое впечатление производит роспись, изображающая сцену Страшного суда на западной стене Сикстинской капеллы. По мнению искусствоведа, «воздетая рука Христа-здесь исток вихревого сферического движения, которое вершится вокруг центрального овала... Мир приведен в движение, он повис над пропастью, над пропастью висит весь массив тел в “Страшном суде”... В гневном порыве взметнулась рука Христа. Нет, не спасителем явился он людям... и не утешать людей хотел Микеланджело... Этот Бог совсем необычен... он безбород и юношески стремителен, он могуч в своей физической силе, и вся его сила отдана гневу. Этот Христос не знает милосердия. Теперь оно было бы лишь попустительством злу» .

Возрождение в Венеции: праздник цвета. Богатая купеческая республика стала центром Позднего Возрождения. Среди культурных центров Италии Венеция занимала особое положение. Новые веяния проникли туда гораздо позднее, что объясняется сильными консервативными настроениями, существовавшими в этой олигархической купеческой республике, связанной тесными отношениями с Византией и находившейся под сильным влиянием «византийской манеры».

Поэтому дух Возрождения проявляется в искусстве венецианцев лишь со второй половины XV в. в работах нескольких поколений художников семейства Беллини.

Кроме того, венецианская живопись имеет еще одно заметное отличие. В изобразительном искусстве остальных итальянских школ главным был рисунок, умение передать объем тел и предметов с помощью светотеневой моделировки (знаменитое сфумато Леонардо да Винчи), венецианцы же придавали огромное значение переливам цвета. Влажная атмосфера Венеции способствовала тому, что художники с большим вниманием относились к живописности своих работ. Не удивительно, что венецианцы первыми из итальянских художников обратились к технике масляной живописи, разработанной на севере Европы, в Нидерландах.

Настоящий расцвет венецианской школы связан с творчеством Джорджоне де Кастелъфранко (1477-1510 ). Этот рано умерший мастер оставил после себя немного картин. Человек и природа -вот главная тема таких произведений, как «Сельский концерт», «Спящая Венера», «Гроза». «Между природой и человеком царит счастливое согласие, которое, строго говоря, и является главнейшей темой изображения» . В живописи Джорджоне важная роль принадлежит цвету.

Самым знаменитым представителем венецианской школы был Тициан Вечелио, год рождения которого неизвестен, а умер он глубоким стариком, в 1576 г. во время эпидемии чумы. Он писал картины на библейские, мифологические, аллегорические сюжеты. В его живописи сильно жизнеутверждающее начало, герои и героини полны сил и физического здоровья, величественны и прекрасны. Энергией порыва и движения насыщены в равной мере и алтарный образ «Вознесения Марии» («Ассунта»), и античный мотив «Вакханалии». Философским подтекстом проникнуты и «Денарий кесаря» («Христос и Иуда»), и «Любовь земная и небесная». Художник воспевал женскую красоту («Венера Урбинская», «Даная», «Девушка с фруктами») и трагический момент ухода человека из жизни («Оплакивание Христа», «Положение во гроб»). Величаво-прекрасные образы, гармоничные детали архитектурных форм, красивые вещи, наполняющие интерьеры, мягкий и теплый колорит картин, - все свидетельствует о жизнелюбии, свойственном Тициану.

Эту же тему постоянно разрабатывал другой венецианец, Паоло Веронезе (1528-1588 ). Именно его масштабные «Пиры» и «Празднества», его аллегории во славу процветания Венецианской республики прежде всего приходят на память при словах «венецианская живопись». Веронезе лишен многогранности и мудрости Тициана. Его живопись более декоративна. Она создавалась, в первую очередь, для украшения палаццо венецианской олигархии и оформления официальных зданий. Жизнерадостный темперамент и искренность превратили эту панегирическую живопись в ликующий праздник жизни.

Следует отметить, что у венецианцев чаще, чем у представителей других итальянских школ, встречаются античные сюжеты.

Политические идеи. Становилось очевидным, что гуманистическая вера в то, что свободный и всемогущий человек станет счастливым и сделает счастливыми всех вокруг себя, не оправдалась, начались поиски других вариантов достижения счастья. По мере того как гасла надежда на способность отдельного человека создать условия для счастливой или хотя бы спокойной жизни людей, внимание было перенесено на возможности организованного человеческого сообщества - государства. У истоков политической мысли нового времени стоит флорентиец Никколо Макиавелли (1469-1527 ), который был государственным деятелем, историком, драматургом, теоретиком военного дела, философом. Он пытался понять, как должно быть организовано общество, чтобы людям жилось спокойнее. Сильная власть правителя - вот что, по его мнению, могло обеспечить порядок. Пусть правитель будет жесток как лев и хитер как лис, пусть он, оберегая свою власть, устранит всех соперников. Неограниченность и бесконтрольность власти должны способствовать, по мысли Макиавелли, созданию большого и мощного государства. В таком государстве большинство людей будет жить спокойно, не опасаясь за свою жизнь и имущество.

Деятельность Макиавелли свидетельствовала о том, что время «игры без правил» изрядно утомило общество, что назрела потребность в создании силы, которая способна объединить людей, регулировать отношения между ними, установить покой и справедливость, - в качестве такой силы и стало рассматриваться государство.

Место искусства в жизни общества. Как уже отмечено, самой почитаемой сферой деятельности было тогда художественное творчество, ведь именно языком искусства выражала себя эпоха в целом. Религиозное сознание утрачивало свое всепроникающее влияние на жизнь общества, а научные знания еще находились в зачаточном состоянии, поэтому мир воспринимался через искусство. Искусство играло ту роль, которая в Средние века принадлежала религии, а в обществе Нового и новейшего времени-науке. Мироздание воспринималось не как механистическая система, но как целостный организм. Главным средством постижения окружающего было наблюдение, созерцание, фиксация увиденного, а это наилучшим образом обеспечивала именно живопись. Не случайно Леонардо да Винчи называет живопись наукой, более того, важнейшей из наук.

О том, какое значение имело в глазах современников появление выдающегося художественного произведения, свидетельствуют многие факты.

О конкурсах между художниками за право получить выгодный правительственный заказ было сказано выше. Не меньшие споры вызвал вопрос о том, где должен стоять «Давид» Микеланджело, а несколькими десятилетиями позднее такая же проблема возникла по поводу установки «Персея» Б. Челлини. И это только несколько самых известных примеров подобного рода. Такое отношение к появлению новых художественных творений, призванных украшать и прославлять город, было совершенно естественно для городского быта эпохи Возрождения. Языком художественных произведений эпоха рассказывала о себе. Поэтому каждое событие в художественной жизни становилось важным для всего общества.

Тематика и трактовка сюжетов в искусстве итальянского Возрождения. Впервые за тысячу лет существования христианской культуры художники стали изображать земной мир, возвеличивая, героизируя, обожествляя его. Темы искусства оставались почти исключительно религиозными, но в рамках этой традиционной тематики интерес переместился, условно говоря, к жизнеутверждающим сюжетам.

Первое, что вспоминается при упоминании об итальянском Возрождении,-образ Марии с младенцем, которая представлена юной госпожой (мадонной) с трогательно прекрасным ребенком. «Мадонна с младенцем», «Мадонна со святыми» (так называемое «Святое собеседование»), «Святое семейство», «Поклонение волхвов», «Рождество», «Шествие волхвов» -вот излюбленные темы искусства эпохи. Нет, создавались и «Распятия», и «Оплакивания», но не эта нота была главной. Заказчики и художники, воплощавшие их желания в видимые образы, находили в традиционных религиозных сюжетах то, что несло в себе надежду и веру в светлое начало.

Среди персонажей священных преданий появились изображения реальных людей, как донаторов (дарителей), расположенных за рамкой алтарной композиции или как действующих лиц многолюдных шествий. Достаточно вспомнить «Поклонение волхвов» С. Боттичелли, где в нарядной толпе поклоняющихся узнаваемы члены семейства Медичи и где предположительно художник поместил и автопортрет. Наряду с тем получили распространение самостоятельные портретные изображения современников, написанные с натуры, по памяти, по описаниям. В последние десятилетия XV в. художники стали все чаще изображать сцены мифологического характера. Такие изображения должны были украшать помещения палаццо. Сцены из современной жизни включались в религиозные или мифологические композиции. Сама по себе современность в ее бытовых проявлениях не слишком занимала художников, они облекали возвышенные, идеальные темы в привычные зримые образы. Мастера Возрождения не были реалистами в современном значении этого слова, они воссоздавали доступными им средствами очищенный от бытовизма мир Человека.

Следуя приемам линейной перспективы, художники создавали на плоскости иллюзию трехмерного пространства, заполненного фигурами и предметами, кажущимися объемными. Люди на картинах эпохи Возрождения представлены величественными и важными. Их позы и жесты полны серьезности и торжественности. Узкая улица или просторная площадь, нарядно обставленная комната или привольно раскинувшиеся холмы - все служит фоном для фигур людей.

В живописи итальянского Возрождения пейзаж или интерьер является, прежде всего, обрамлением для человеческих фигур; тонкая светотеневая моделировка создает впечатление материальности, но не грубовесомой, а изысканно-воздушной (не случайно Леонардо считал идеальным временем для работы середину дня в пасмурную погоду, когда освещение мягкое и рассеянное); низкий горизонт делает фигуры монументальными, как бы касающимися головами неба, а сдержанность их поз и жестов придает им торжественность и величавость. Персонажи не всегда красивы чертами лица, но всегда исполнены внутренней значительности и важности, чувства собственного достоинства и спокойствия.

Художники во всем и всегда избегают крайностей и случайностей. Вот как описал музейные впечатления о живописи итальянского Возрождения искусствовед: «Залы итальянского искусства XIV- XVI веков отличаются одной интересной особенностью - в них удивительно тихо при обилии посетителей и разнообразных экскурсий... Тишина наплывает от стен, от картин - величавая тишина высокого неба, мягких холмов, больших деревьев. И -больших людей... Люди больше неба. Мир, расстилающийся за ними, -с дорогами, развалинами, берегами рек, городами и рыцарскими замками, - мы видим будто бы с высоты полета. Он обширен, подробен и почтительно удален» .

В истории о выставке картонов, изготовленных Леонардо и Микеланджело для зала Совета (росписи так и не были закончены ни тем, ни другим), стоит обратить внимание на тот факт, что для флорентийцев казалось особенно важным увидеть именно картоны. Они особенно ценили рисунок, передающий форму, объем изображаемых предметов и тел, а также тот идейный замысел, который старался воплотить мастер. Цвет в живописи был для них, скорее, дополнением, подчеркивающим форму, созданную рисунком. И еще одно: судя по сохранившимся копиям, обе работы (они были посвящены двум сражениям, важным для истории города-государства Флоренции) должны были стать типичным проявлением возрожденческого подхода к искусству, где главным был человек. При всем различии картонов Леонардо и Микеланджело -сцепившиеся в единый клубок во время схватки за знамя конные воины у Леонардо («Битва при Ан- гиари») и бросающиеся к оружию солдаты, застигнутые противником во время купания в реке, у Микеланджело («Битва при Кашине»),- очевиден общий подход к подаче изображаемого, требующий выделить человеческую фигуру, подчинив ей окружающее пространство. Ведь важнее действующие лица, а не место действия.

Интересно проследить, как отражалось умонастроение эпохи в искусстве, сопоставив несколько работ, посвященных изображению одного и того же сюжета. Одним из излюбленных сюжетов времени была история святого Себастьяна, казненного римскими воинами за его приверженность христианству. Эта тема давала возможность показать героизм человеческой личности, способной пожертвовать жизнью за свои убеждения. Кроме того, сюжет позволял обратиться к изображению обнаженного тела, реализовать гуманистический идеал- гармоничное сочетание прекрасного внешнего облика и прекрасной человеческой души.

В середине XV в. было написано несколько работ на эту тему. Авторами являлись достаточно непохожие между собой мастера: Перуд- жино, Антонелло де Месина и другие. При взгляде на их картины поражает спокойствие, чувство внутреннего достоинства, которым проникнут образ прекрасного обнаженного юноши, стоящего около столба или дерева и мечтательно смотрящего в небо. За спиной его раскинулся мирный сельский пейзаж или уютная городская площадь. Только наличие стрел в теле молодого человека подсказывает зрителю о том, что перед нами сцена казни. Боли, трагизма, гибели не ощущается. Эти прекрасные юноши, объединенные судьбой мученика Себастьяна, сознают свою бессмертность, подобно тому, как ощущали свою неуязвимость, всесилие люди, жившие в Италии XV в.

На картине, написанной художником Андреа Мантенья, ощутим трагизм происходящего, его св. Себастьян чувствует, что умирает. И, наконец, в середине XVI в. Тициан Вечелио написал своего св. Себастьяна. На этом полотне нет подробно разработанного пейзажа. Место действия лишь намечено. Нет ни случайных фигур на заднем плане, ни воинов-палачей, целящихся в свою жертву, ничего, что может подсказать зрителю смысл ситуации, и вместе с тем присутствует ощущение трагического конца. Это не просто гибель человеческого существа, это гибель целого мира, сгорающего в багровых сполохах вселенской катастрофы.

Значение культуры итальянского Возрождения. Почва, породившая культуру итальянского Возрождения, была уничтожена в течение XVI в. Большая часть страны подверглась иноземным вторжениям, новый хозяйственный уклад был подорван перемещением основных торговых путей в Европе из Средиземноморья в Атлантику, пополан- ские республики попали под власть честолюбивых наемников-кон- дотьеров, а всплеск индивидуалистической энергии утратил внутреннее оправдание и постепенно заглох в условиях возрождения феодальных порядков (рефеодализации общества). Попытка создания нового общества, основанного на раскрепощении человеческой личности, на инициативе предпринимательства, прервалась в Италии на долгое время. Страна приходила в упадок.

Зато культурная традиция, созданная этим обществом, распространилась усилиями итальянских мастеров по всей Европе, стала эталоном для европейской культуры в целом, получила дальнейшую жизнь в том ее варианте, за которым закрепилось название «высокой», «ученой» культуры. Остались памятники культуры Возрождения - прекрасные здания, статуи, росписи стен, картины, стихи, мудрые сочинения гуманистов, остались традиции, ставшие на последующие три с половиной столетия (вплоть до конца XIX в.) определяющими для культуры тех народов, которые оказались под ее влиянием, а это влияние постепенно распространилось очень широко.

Особенно следует отметить и выделить значение изобразительного искусства итальянского Возрождения с его стремлением передать на плоскости стены или доски, листа бумаги, заключенного в раму холста иллюзии трехмерного пространства, заполненного иллюзорно объемными изображениями людей и предметов, - то, что можно назвать «окном Леонардо Данилова И.Е. Итальянский город XV века. Реальность, миф, образ. М., 2000.С. 22, 23. См.: Головин В.П. Мир художника раннего Возрождения. М.: Изд-во МГУ,2002. С. 125. Бояджиев Г. Итальянские тетради. М., 1968. С. 104.

Лазарев В.Н. Старые итальянские мастера. М., 1972. С. 362.

Богат Е. Письма из Эрмитажа // Аврора. 1975. № 9. С. 60.

«Рождаться опять или возрождаться» (renasci) − так переводится с латыни название эпохи мирового значения в развитии культуры. Итальянское Возрождение или Ренессанс (итал. Rinascimento) проложило мост между античностью, средневековьем и Новым временем.

Причина процветания искусства кроется в готовности лучших умов страны к прогрессивным переменам. Из пережитых человечеством переворотов на то время, только Возрождение принесло такое количество гениев. Хронологические рамки периода до сих пор вызывают споры среди историков.

После распада Восточной Римской империи («империи греков») под ударами крестоносцев в 1204 году и окончательной гибели в середине XV века, эмигранты из Византии прибыли в центр Средиземноморья. Они познакомили итальянцев с античными трактами личных библиотек и произведениями искусства.

Средневековая Европа не была знакома с культурой греко-римского мира, вызвавшей невиданный интерес. На поиски древних рукописей отправляются в дальние монастыри Франческо Петрарка (Francesco Petrarca), Джованни Боккачо (Giovanni Boccaccio), Поджо Браччолини (Poggio Bracciolini) и другие гуманисты.

1. Улица Корсо Эрколе (Korso Erkole I d’Este), сохранившая в первозданном виде все дворцы, построенные в эпоху Возрождения;
2. Замок герцогов д’Эсте (Castello Estense) – строительство началось в 1385 году;
3. Палаццо деи-Диаманти (Palazzo dei Diamanti) − единственный в Ферраре памятник эпохи Ренессанса, облицованный мрамором. «Дворец алмазов» построен архитектором Бьяджо Россетти (Biagio Rossetti) в 1493 − 1503 годах, украшен 8500 подобным алмазам камнями с искусно выполненной огранкой;
4. Университет Феррары (Universita di Ferrara) – один из древнейших вузов Европы образован в 1391 году по инициативе правящего семейства д’Эсте.

Венеция

Во второй половине XVI века республиканская принимает эстафету центра Возрождения.

Формируется венецианская школа живописи. До нашего времени сохранились работы Джорджоне (1478 − 1510) и другие шедевры Высокого Ренессанса. Тициан Вечеллио (1477 − 1576) получает признание современников. Знаменитые произведения размещены в Галерее Академии (Gallerie dell’Accademia). Здесь же представлены работы Джованни Беллини (Giovanni Bellini), Витторе Карпаччо (Vittore Carpaccio), Паоло Веронезе (Paolo Veronese), редкие полотна Антоне́лло да Месси́на (Antonello da Messina).

Искусствоведы советуют посетить церковь Сан-Джорджо Маджоре (San Giorgio Maggiore), в которой хранится смелая работа Тинторетто (Tintoretto).

Написанная специально для храма гигантская «Тайная вечеря» поражает переплетением божественного начала и земного бытия. Помещение, в котором расположена картина, имеет двойное освещение: обычное от подвешенных светильников и Вселенское, необъяснимым образом распространяемое вокруг голов Христа и его апостолов.

Периоды эпохи

Установить точные даты нескольких веков Ренессанса невозможно. Различия в общественной и политической жизни повлияли на развитие искусства в регионах. Доктор искусствоведения, профессор Виктор Никитич Лазарев утверждал: наука об итальянском Возрождении настолько сильно продвинулась вперед, что ряд акцентов приходится уточнять («Начало раннего Возрождения в итальянском искусстве»). Однако общие закономерности позволили определить 4 этапа итальянского Возрождения.

Проторенессанс

Культура Италии переживает небывалый подъём, который начинается в конце XIII века и захватывает XIV век. Подобного перехода от средневековья к новому времени не было в истории других европейских стран. Расцветает литература на родном языке. Появляются поэты нового стиля («сладостного»), на смену которым приходит Данте. Обезличенное ремесло цеховых живописцев вытесняют мастера, работающие индивидуально. В скульптуре закладываются основы для развития искусства Ренессанса.

В XIII веке в Пизе работает Никколо Пизано (Nikola Pisano). Мастер становится у истоков школы скульптуры, которая оказывает влияние на Италию до середины XIV века. Архитектура отстаёт в развитии, оставаясь в рамках средневековых традиций. Первые ростки появляются в пространственных решениях и нарядной декоративности зданий. Итальянскую культуру этого времени назвали эпохой Данте Алигьери (Dante Alighieri) и Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone).

Раннее Возрождение

Раннее Возрождение в Италии − это первая половина и середина XV века. В искусстве происходит резкий перелом. Очаг Ренессанса из Флоренции неравномерно распространяется по Италии. На севере страны ещё живы традиции готики. На юге работает (Filippo Brunelleschi), заявивший о себе постройками alfantica.

С середины третьего десятилетия реформатор флорентийской школы Мазаччо (Masaccio) осуществляет прорыв в живописи. Донателло закладывает основы индивидуального скульптурного портрета. В творчестве ваятеля «флорентийской школы» Нанни ди Банко (Nanni di Banco) появляются монументальные формы (фигуры четырёх святых в нише Орсанмикеле).

В этот период искусство обращается к научным знаниям. Художники и архитекторы заняты разработкой теории пропорций и линейной перспективы. Изучение анатомического строения тела человека используется для создания реалистических произведений.

Высокое

На рубеже XV и XVI столетий Возрождение вступает в 30-летний период исключительного развития художественного творчества в Италии, особенно в Риме. Главным меценатом становится Папа Юлий II (Iulius PP. II). Богатая история древнего города возвращает мастеров к античности. Тема прославления героических подвигов и долга становится модной.

Взлёт искусства связан с именами Леонардо да Винчи, Джорджоне, Рафаэля, Тициана, Микеланджело. С 1503 года начинается «золотая эпоха» зодчества. Донато Браманте (Donato (Donnino) di Pascuccio di Antonio detto il Bramante) закладывает основы архитектуры нового периода. в Ватикане (Basilica di San Pietro) становится классическим примером достижений архитектуры Высокого Возрождения.

Позднее

Сложный период позднего Возрождения начался с середины XVI века. Папа Павел III (Paulus PP III) главной задачей видит борьбу с инакомыслящими. Созванный Тридентский собор (13 декабря 1545 - 4 декабря 1563) начинает наступление на культуру Ренессанса. Церковь запрещает книги Петрарки, Данте, Боккаччо и других гуманистов. Папа осуществляет контроль над искусством. От художников требуют ортодоксальности и каноничности. Итальянские художники по-разному восприняли перемены. Крупные художники старшего поколения (Тициан, Микеланджело) сохраняют художественные традиции Возрождения.

Молодые художники (Веронезе, Бассано, Тинторетто) используют ренессансный опыт для создания нового течения «маньеризма». В конце XVI столетия начинает творческую деятельность основатель реализма в живописи, реформатор Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio).

Северное

Современные культурологи и искусствоведы выделяют пятый период гуманистического движения, вышедший за пределы Италии XV века. Северное Возрождение образовалось под мощным воздействием итальянского Ренессанса, но имеет свои особенности:

1. Происходит в период угасания Возрождения;
2. В культуре германоязычных стран отсутствует видимый интерес к античности.

Философия и литература

В противовес религиозным убеждениям Западной Европы философы Возрождения создают идейное движение − гуманизм. Петрарка, Данте, Боккаччо, другие мыслители ставят Человека с его земными и неземными потребностями в центр мироздания.

Никколо Макиавелли

Государственный деятель, мыслитель, дипломат Никколо Макиавелли (Niccolo di Bernardo dei Machiavelli) был значимой персоной в Тоскане. Его пьесы пользовались успехом у публики, а философские трактаты вызывали разногласия и критику. Известные работы − «Государь», «Рассуждения…», «Десятилетия». Взгляды Макиавелли (1469-1527) мешали новым властям проводить свою политику. Писателя дважды отправляли в отставку, арестовывали и даже пытали на дыбе.

После освобождения из тюрьмы он стал писать книги, которые вошли в историю философии периода Ренессанса. В 1559 году свободолюбивый философ попал в «чёрный» список иезуитов, а все сочинения отнесли в разряд запрещённых книг.

Данте Алигьери

Яркий представитель итальянского Проторенессанса − богослов, философ, поэт Данте Алигьери (1265 − 1321). Переплетение старых традиций и новых веяний периода сказалось на философских взглядах автора «Божественной комедии». Последний поэт средневековья первым заложил в произведениях основы гуманизма, создал итальянский литературный язык.

Роман «Новая жизнь» впервые описывает чувства обычного человека. В трактате «Пир» появляются предпосылки ренессансной теории стиля. Данте верит в безграничные возможности творческой личности и утверждает: счастье каждого человека заключается в земном существовании. Учение о земной и божественной природе человека отходит от средневековых взглядов и становится основой гуманизма.

Франческо Петрарка

Апофеозом жизни главы старшего поколения гуманистов Проторенессанса Италии стала коронация лавровым венком от Римской курии. Человек нового типа, Франческо Петрарка (1304−1374), начал эпоху Ренессанса в Италии и распространил идеи по всей Европе. С лучшим стихотворцем Рима в то время никто не мог соперничать. Всемирное признание, круг общения, знание философии приводят к научному осмыслению Ренессанса.
Достижения Петрарки:

1. Первым объяснил исторический принцип в понимании эпохи. Нашёл преемственную связь и отличия между античностью, средневековьем и Возрождением.
2. Проанализировал рукописи древних авторов, содержание которых не знали 10 веков.
3. Описал миропонимание гуманистов.
4. Написал «Сонеты», «Книгу песен», «Триумфы», «Африка». Автор трактатов, полемических сочинений, литературных произведений разработал основы для научного понимания Ренессанса.

Джованни Боккаччо

Итальянский гуманист был выдающимся учёным. Он знал астрономию, изучал греческую литературу, собирал и переписывал рукописи, основал кафедру греческого языка во Флоренции. Боккаччо (1313 − 1375) возглавил компанию по защите научных трудов в монастырских библиотеках и побуждал современников к изучению древней литературы.

Автор исторических произведений составил генеалогию языческих богов, описал 106 биографий знаменитых женщин, был поэтом и прозаиком. В историю Возрождения вошёл как гуманист, отвергающий аскетизм. Главное произведение − собрание ста повестей «Декамерон», посвящённых ироничному рассказу о жизни и нравах итальянского общества.

Дворцы и архитектура

Благодаря дворцам, построенным по заказу глав прославленных семейств итальянского Ренессанса, Тоскана приобрела строгий «флорентийский стиль». Появление двух палаццо – (Palazzo Medici Riccardi) и (Palazzo Strozzi) – связано с многолетней борьбой между богатейшими кланами банкиров.

Меценат демократического склада (Cosimo il vecchio) был покровителем художников, зодчих. В искусстве любил строгую простоту, не принимал роскошь. В 1444 году Медичи поручил архитектору Микелоццо ди Бартоломео (Michelozzo di Bartolomeo) построить для семьи дворец, не вызывающий зависти соотечественников.

По приказу заказчика первое здание стиля Раннего Ренессанса выложили плитняком, который применялся для отделки общественных сооружений. Дворец строили 20 лет. Здесь работали Донателло, Боттичелли, Микеланджело.

После возвращения во Флоренцию из вынужденного бегства, Филиппо Строцци решает построить палаццо, не уступающий по величию дворцу соперника. Давление заказчика на архитектора и инженера привело к тому, что сооружения оказались почти «близнецами». Дворец создаёт впечатление величия в сочетании с подчёркнутой простотой фасада.

Собор святого Петра

В 4 веке на месте захоронения апостола Петра был возведён . Папа Юлий II предложил перестроить базилику в 1506 году. В строительстве, которое продолжалось более 100 лет, приняло участие 20 выдающихся архитекторов. Среди них − Бернардо, Микеланджело, Рафаэль Санти, Джакомо и другие.

Донато Браманте (1444 − 1514) первым приступил к осуществлению задумки возвести собор в виде креста, увенчанного огромным куполом. После смерти архитектора строительство остановилось. Спустя 33 года работы продолжил Микеланджело. Автор чертежей нашёл неожиданное решение, создающее иллюзию пружинящего купола. Мастер не успел осуществить задуманное. Продолжил работу Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta). Поднятый на высоту 136 метров, купол стал самым высоким в мире. Внутренней отделкой занимался итальянский скульптор (Giovanni Lorenzo Bernini), который проработал в соборе 20 лет.

• Вам пригодится инструкция: собора святого Петра

Купол Флорентийского кафедрального собора

После возведения грандиозного купола Флорентийского (La Cattedrale di Santa Maria del Fiore) архитектор Брунеллески стал самым знаменитым зодчим Италии.

Первый крупный памятник Ренессанса воплотил новаторскую инженерную мысль, основанную на использовании специально изобретённых механизмов.

Средневековые мастера сомневались в возможности строительства сооружения весом 9 тысяч тонн, диаметром 42метра, на высоте 91 метр.

Загадку решил Брунеллески. Он предложил совету города модель собора и доказал, что построит купол с помощью инновационных способов инженерии. Строительство купола начали в 1420 году и закончили в 1436 году. Через три года ученик (Andrea del Verrocchio) Леонардо да Винчи достроил мраморный фонарь, увенчанный золотым шаром. Сооружение отделило строительные традиции средневековья от архитектуры эпохи Возрождения. Уникальный памятник стал символом Флоренции.

Скульптура

Новое мировоззрение вызвало революцию в скульптуре. Средневековье не считало произведения ваятелей отдельным видом творчества и воспринимало единым целым с архитектурой. Скульпторы отходят от принятых канонов и становятся самостоятельными авторами.

Донателло

В ряду гениев особое место занимает Донато ди Никколо ди Бетто Барди, более известный, как Донателло. Впервые мастер из Флоренции создаёт обнажённую скульптуру. Он обращается к библейским персонажам, придавая им черты греческих богов.

По заказу Медичи Донателло работает над образом Давида. Голая фигура свободного, расслабленного героя смущает Козимо.

Выполненная в стиле реализма смелая скульптура устанавливается на заднем дворе палаццо, подальше от современников. Для соблюдения баланса Донателло делает копии античных скульптур, которые меценат размещает во внутреннем портике дворца.

Работая над статуей христианской святой Марии Магдалины, скульптор идёт на смелый шаг. Он представляет мироносицу измождённой покаяниями старухой, прикрытой длинными волосами и дырявым рубищем.

Скульптор совмещает в творчестве классический и реалистический стили. По заказу городского совета он изготавливает статуи пророков с невыразительными лицами и фигурами, закрытыми плотными одеждами. Но в соборе Орсанмикеле (Orsanmichele, Or San Michele) устанавливает скульптуру святого Георгия.

Отступив от традиционного изображения с драконом и копьём, Донателло представляет совсем другой образ. Прекрасный и спокойный герой наслаждается собственной победой.

Изобразительное искусство

Предвестниками итальянского Ренессанса были Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone), Пьетро Каваллини (Pietro Cavallini), Симоне Мартини (Simone Martini). В основе творчества лежали традиции средневековья, совмещающие новые художественные приёмы. Самостоятельным жанром становится портрет. Мазаччо (Masaccio), Никколо Пиццоло (Niccolo Pìzzolo), (Sandro Botticelli) наделяют персонажи индивидуальными чертами.

Поступки героев имеют человеческую мотивацию. В эпоху Высокого Возрождения искусство достигает вершины расцвета.

Леонардо Да Винчи

Пять веков исследователи творчества (1452 − 1519) пытаются найти ответ на вопрос: кто он, гениальная личность во всём? Сверхъестественные способности Мастера привели к неожиданной гипотезе.

Леонардо да Винчи − посланник высших цивилизаций, прародитель будущего человечества.

Новатор в живописи применил масляные краски, вписал фигуры в пейзаж, сделал «живыми» портреты. «Мадонна в скалах» − первая картина в истории живописи, где персонажи изображены внутри пейзажа. «Дама с горностаем» стоит в три четверти, а не в профиль, и слушает невидимого собеседника.

На апостолы отличаются друг от друга жестами и эмоциями. До Леонардо никогда индивидуальность персонажей не была так ярко прописана.

Изобретатель метода сфумато (sfumato) растушевал линии, осуществил переход света к тени и оживил полотна. До сих пор посетители Лувра теряют сознание при виде «Моны Лизы», облик которой выходит за границы рамки картины. Да Винчи теоретически обосновал необходимость художнической практики и оставил потомкам Витрувианского человека как эталон канонических пропорций.

Леонардо не учился в университетах, но совершил открытия в 50-ти видах знаний. Через 500 лет часть из них подтвердит официальная наука.

Микеланджело Буонарроти

Творчество второго из титанов итальянского искусства считается Кульминацией Высокого Ренессанса. За долгую жизнь (1475 − 1564) воплотил в творчестве все идеалы эпохи. В ранних работах проявились характерные черты стиля мастера: монументальные образы, пластика, возвеличивание красоты человека (рельеф «Битва кентавров»).

Скульптуры Микеланджело украсили Ватикан, Флоренцию, Рим. Работа , считается вершиной мировой скульптуры.

Появление вызвало восторг современников. Работа воплотила идеи гражданской доблести и красоты человека.

Цикл фресок считаются самой монументальной работой автора. Сложнейшую задачу живописец выполнил самостоятельно в рекордные сроки.

Во втором десятилетии XVI века Микеланджело работает над гробницей Юлия II. Выполненная скульптура «Умирающий раб» изображает всё, что пришлось пережить пленнику: нестерпимую боль и освобождение от мук с приходом смерти. Реализм образа вызвал слухи в обществе. Считали, что натурщика замучили, чтобы передать страдания несчастного. Поздний период творчества отражает трагическое отношение к крушению идеалов Возрождения. Тема героизма сменяется образом погибающего человека.

Рафаэль Санти

– выдающийся, архитектор, график считается третьей хрестоматийной личностью, начавшей революцию в искусстве Ренессанса. Он прожил 37 лет, но оставил человечеству бесценное наследие культурных достижений Ренессанса.

В 19 лет Рафаэль Санти (1483 − 1520) пишет полную гармонии и душевной красоты «Мадонну Конестабиле».

После переезда во Флоренцию Рафаэль создаёт около 20 Мадонн, индивидуальные образы которых наделены необыкновенной теплотой любящей матери.

В 1508 году Санти становится официальным живописцем Ватикана. Росписи дворца − (Stanze di Raffaello) − приносят славу и выдвигают художника в тройку самых крупных мастеров монументального искусства.

Одновременно с картинами религиозной тематики Санти рисует портреты. Многогранный талант живописца повлиял на развитие архитектуры. Главный архитектор кафедрального собора святого Петра составляет новый план строительства и продолжает задуманное Браманте.

Зодчий воздвигает церкви и капеллы в Риме, строит палаццо. Отличительная особенность стиля архитектора заключается в стремлении связать назначение здания с размерами и фасадами соседних построек. Каждый дворец имел индивидуальный нарядный облик.

Тициан Вечеллио

Жизнеутверждающее искусство крупнейшего представителя венецианской школы Тициана Вечеллио относится к Возрождению высокого и позднего периодов.

Титулованный при жизни первый художник Венеции имел собственный стиль и видение нового искусства. С 1510 года в течение 20 лет живописец создаёт пафосные монументальные полотна (росписи церкви в Венеции, «Вознесение Марии»), картины религиозной и мифологической направленности («Венера Урбинская», «Вознесение Богоматери»).

Славу художнику принесли портреты современников, в которых показаны противоречивые характеры персонажей. Виртуозные работы создавались с помощью нового приёма, присущего только Тициану. Живописец использовал тонкие тональные оттенки красок, выбирал характерную позу или жест изображаемого героя («Портрет Федерико Гонзага», «Красавица», «Ипполито Медичи»). Последние полотна на религиозную тематику считаются вершиной живописи («Оплакивание Христа», «Кающаяся Магдалина»). Развитие мирового искусства во многом определило творчество живописца эпохи Ренессанса.

Музыка

В XIV веке в Италии наступает эпоха перемен в музыке. Путь развития искусства от средневековья до Позднего Ренессанса был периодом развития строгого стиля − полифонии. Вершиной развития одухотворённой музыки считается творчество композитора Джованни Пьерлуиджи да Палестри́на Giovanni Pierluigi da Palestrina).

Концертная жизнь Ренессанса обогащается новыми жанрами: оперой, сольной песней, лиричными музыкальными пьесами на 3-4 голоса (фротолла). Толчком для возникновения итальянской оперы стала идея Винченцо Галилея объединить античную драму с музыкой. Первая опера − «Эвридика» (автор музыки Якопо Пери).

Композиторы Возрождения начинают ориентироваться на современную танцевальную культуру, появляются новые жанры в инструментальной музыке. Популярными становятся школы исполнения на лютне и вёрджинеле . Орган в начале эпохи был основным инструментом музыкантов. Постепенно концертные выступления обогащаются семейством струнных. Мастера по изготовлению смычковых инструментов разделяются на две противоборствующие группы. Приверженцы аристократического стиля пропагандируют виолу.

Любители народной музыки отдают предпочтение скрипке. В XV веке появляются разновидности клавишных инструментов − клавесин, чембало, клавикорд.

Театр

Италия − родина театра эпохи Возрождения. Увлечение античностью и произведениями греческих авторов повлияло на появление комедий и трагедий с приставкой ««учёная».

В это же время на улицах городов представления дают бродячие актёры с цирковыми трюками, комичными плясками, весёлыми песнями. В середине XVI века формируется театр масок. В основе дель Арте (commedia dell’arte) лежала импровизация на написанный короткий сюжет. Каждый персонаж пьесы − это заострённый шарж на конкретный тип социальной личности. Появление театра масок меняет дух спектаклей. Маска-образ показывает господ, слуг, купцов, банкиров.

Совмещение опыта народного театра с «учёной» драмой сформировало новый вид театрального искусства. Комедия «Мандрагора» считается лучшей показательной пьесой того времени (автор − Никколо Макиавелли). Новый вид театрального искусства быстро стал любимым зрелищем народа.

1. Историк и художник (Giorgio Vasari) в 1550 году термином rinascita назвал прорыв в искусстве, а не возвращение к истокам античности.
2. Во время поисков реликвий античности Боккаччо посетил монастырь Монтекассино (Montecassino). В библиотеке он обнаружил древние рукописи Гомера и Платона с выдранными листами. Оказалось, что монахи соскабливали старинный текст с пергамента, изготавливали амулеты и продавали.
3. Безупречную мелодию обнаружили в «Тайной вечере». Она появилась после того, как компьютерный техник нарисовали нотный стан вдоль монументальной росписи. Руки ангелов и хлеб на столе составляют гармоничную музыку.
4. Реакционные тенденции в период Позднего Ренессанса коснулись творчества Микеланджело. Указом Папы Павла IV предписывалось «одеть» обнажённые фигуры «Страшного суда».
5. Во время последней реставрации фресок установлено, что Микеланджело часто рисовал без помощи кисти, только пальцами.
6. В 1994 году на аукционе Christie’s Билл Гейтс приобрёл манускрипт Леонардо да Винчи за 30,8 млн. долларов. Рукопись, написанная между 1504-1508 годами, содержит научные записи и рисунки, исследующие природные явления. Бизнесмен и филантроп временно передал «Лестерский кодекс» флорентийской (Galleria degli Uffizi) для выставки, посвящённой 500-летию годовщины смерти одного из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения.

Основные культурные достижения эпохи Возрождения

1. Наследие итальянского Возрождения изменило мир, открыло новую эру в развитии искусства. Памятники культуры стали историческими ценностями.
2. Возникло и получило развитие целенаправленное коллекционирование.
3. В период Возрождения художественная культура выделилась в профессиональный вид деятельности.
4. Идеи гуманизма воплотились в работах мастеров, создавших образ нового, гармонически развитого человека.
5. Художники решили проблему восприятия иллюзий, открыли возможности изображения трёхмерного мира, изобрели новые формы творчества.
6. Скульптура становится самостоятельным видом искусства.
7. Воздвигаются памятники архитектуры, закладываются основы профессионального театра.
8. Ренессанс открывает оперу, сольную песню, новые жанры в инструментальной музыке.
9. Эпоха Возрождения рождает универсальное созвездие Титанов, обогативших историю культуры бесценными произведениями в живописи, архитектуре, скульптуре, музыке.
10. Современные ценности и нравственные принципы невозможно представить без гуманистической этики Ренессанса.

↘️🇮🇹 ПОЛЕЗНЫЕ СТАТЬИ И САЙТЫ 🇮🇹↙️ ПОДЕЛИСЬ С ДРУЗЬЯМИ