Реферат по учебной дисциплине "Культурология"
на тему: "Музыка эпохи Возрождения".
План
1. Введение.
2. Инструменты эпохи Возрождения.
3. Школы и композиторы эпохи Ренессанса.
5. Заключение.
6. Список литературы.
1. Введение.
Музыкальное искусство эпохи Возрождения - это, прежде всего, новаторское искусство. В первую очередь, этот новаторский характер определяется прорывом светской песенной и танцевальной культуры. В каждой стране песенные и танцевальные жанры базировались на народных истоках. Будь то испанская вильянсика, английская баллада, итальянская фроттола, французский шансон или немецкая лид - все они были направлены на то, чтобы передать сложный внутренний мир человеческой личности, рассказать людям о радостях жизни. В этих песнях можно почувствовать всю специфику ощущения человека Возрождения.
Торжеством светской музыкальной культуры стал мадригал - песня, исполнявшаяся на итальянском языке. Именно язык подчёркивал отход этого жанра от церковной музыки, которая исполнялась на латинском языке. Эволюция мадригала являет собой интересный процесс, который из подобия простой пастушьей песни превратился в полноценное музыкальное произведение, в нем присутствовала и вокальная, и инструментальная линия. Особого внимания заслуживает текст к мадригалам, авторами которых являлись выдающиеся поэты эпохи Возрождения, в том числе, и Ф. Петрарка. Не было развитой в музыкальном плане страны в Европе, где не писались бы мадригалы.
Второй чертой специфики музыкальной культуры данного периода можно назвать расцвет полифонии. Композиторы, писавшие полифонические произведения, способствовали эволюции крупнейшего ренессансного жанра - мессы. Итогом этого прогресса стала месса, имеющая строго продуманную циклическую форму. На смену частей в мессе влиял церковный календарь: месса имела обязательный духовный смысл, связанный с тем или иным событием. Но каковым бы ни был церковный календарь, месса состояла из обязательных частей.
Третья черта - ощутимо увеличившееся значение инструментальной музыки, несмотря на то, что доминирующая роль принадлежала вокальным жанрам. Теперь инструментальная музыка стала профессиональной и имела определённую направленность на тот или иной инструмент (группу инструментов). Композиторы писали сочинения для лютни, клавишных инструментов, виолы и её разновидностей.
Четвёртая черта - появление и утверждение национальных композиторских школ. Каждая из них имела свою специфику, выдвинула ряд выдающихся представителей, имела неповторимые особенности, связанные с народным музыкальным искусством страны.
Пятая черта - стремительная эволюция теории музыки. Учёные стремились разработать понятия и законы важнейших музыкальных элементов - мелодии, гармонии, полифонии. Итак, эпоха Возрождения, будучи поворотным этапом в развитии европейской культуры, оказалась и для музыки временем коренных перемен.
2. Инструменты эпохи Возрождения .
Развитие жанров в эпоху Возрождения способствовало и расширению инструментария. В крупных странах Европы - Италии, Голландии, Англии, Испании, Франции спешно открывались мастерские по производству музыкальных инструментов, и дела у них шли очень хорошо.
Королём музыкальных инструментов долгое время был орган, который доминировал и в концертной, и в духовной сфере. Но с течением времени ситуация стала меняться, и на аванс сцену вышли струнные и струнные щипковые инструменты. Это виола (прародительница современной скрипки и альта) и лютня - инструмент, позаимствованный из мусульманской культуры. Для этих инструментов писалось рекордное количество произведений. Лютня являлась прекрасным аккомпанирующим инструментом для вокального исполнительства.
Популярными являлись и другие инструменты. Среди деревянных духовых инструментов были бомбарда и шалмей. Бомбарда - басовый инструмент, предвосхитивший современный фагот. Характеризуется грубым тембром, не располагающим к художественной выразительности (в отличие от фагота).
Шалмей отличался крайне громким звуком и очень широким диапазоном, чем не мог похвастаться бомбарда. Без шалмея нельзя было представить себе церемониальных мероприятий или танцев. В последующую эпоху барокко шалмей оказался надолго забытым.
Группа струнных инструментов, помимо вышеупомянутой виолы, включала в себя: виола да гамба, виола да браччо и другие разновидности этого инструмента.
Игра на виоле да гамба подразумевала под собой поддержку ногами, отсюда и проистекает её название (ит. gamba - нога). Многие композиторы эпохи Возрождения писали свои произведения с расчётом на неё как на сольный инструмент. Соответственно, виола да браччо - инструмент, который держат в руках. Обе виолы широко использовались и как сольные, и как инструменты, участвующие в ансамблях и оркестрах.
Широко распространёнными являлись клавишные инструменты: клавесин (относится и к струнным), клавикорд, спинет (также принадлежит к группе клавишных струнных), вёрджинел.
Клавесин обладает очень приятным и специфичным тембром, но его существенным недостатком является невозможность динамического изменения звука. Этот инструмент оказался более реализованным в эпоху барокко, нежели в ренессансную эпоху.
Спинет является разновидностью клавесина. Его родина, как и многих других музыкальных инструментов - Италия. Этот инструмент был скорее домашним, чем концертным. Многие богатые дамы имели у себя дома спинет и пели под его аккомпанемент, либо музицировали на нём.
Относится к разновидности клавесина и вёрджинел. В названии этого инструмента кроется ключ к его особенностям звучания. Происходящее от лат. Virginia (Дева), название намекало на его чистый и ангельский звук.
Клавикорд, будучи одним из самых давних музыкальных инструментов в истории музыки, функционировал и в эпоху Возрождения. Главной особенностью клавикорда можно назвать возможность извлечения на нём вибрато. Клавикорд был в почёте, как у профессиональных музыкантов, так и любителей. Музыку, исполняемую на клавишных инструментах, называли клавирной, и большой вклад в её развитие внесли англичане.
Таким образом, круг инструментов был достаточно богат и разнообразен, что говорило о полноценном жанровом развитии музыки и композиторского искусства. Следует также отметить, что у каждого инструмента были свои виртуозы-исполнители.
3. Школы и композиторы эпохи Ренессанса.
Существовало несколько крупных композиторских школ эпохи Возрождения, которые формировались в наиболее развитых странах. Это шесть основных школ: Итальянская, Нидерландская, Английская, Французская, Немецкая и Испанская. Лидировала среди них Нидерландская школа. Она примечательна тем, что в ней сложилась система профессионального музыкального обучения. Будущих композиторов обучали в метризах - школы при католических храмах. Нидерландская музыка во многом обязана метризам, т.к. выпускники этих заведений стали выдающимися композиторами.
Композиторы этой школы тяготели к ряду жанров. В первую очередь, это месса (многочастная полифоническая), песни и мотеты. Предпочтение отдавалось многоголосным песням. Мотеты сочинялись для ансамблей. Обращались они и к таким жанрам, как шансон и мадригал - своеобразный символ победы светской музыки над духовной.
Заслугой Нидерландской школы является обобщение музыкального наследия, касающегося многоголосного хорового пения. Кроме того, здесь были выработаны и установлены классические жанры, упомянутые выше, установлены законы полифонии.
Нидерландская школа может гордиться многими композиторами. Среди них Й. Окегем, Г. Дюфаи, Ж. Депре, Я. Обрехт, Я.П. Свелинг и другие. Каждый из них не только писал великолепную музыку, но и внёс свой вклад в развитие теории музыкального искусства. Г. Дюфаи положил начало национальной полифонии; Я. Обрехт обогатил музыку народными мелодиями; Я.П. Свелинг создал школу органной игры.
Итальянская школа также справедливо считалась очень сильной и в то же время многоплановой, т.к. состояла из ряда национальных школ, среди которых выделяются две: римская и венецианская.
Главой римской школы являлся Дж. П. Палестрина, занимавший должность в Сикстинской капелле. Его деятельность определила духовную направленность музыки, им написанную. Месса оказывается главным жанром, к которому он обращается. Впрочем, сочинял он произведения и в других распространённых жанрах того времени. Дж. П. Палестрина сумел отстоять многоголосие в церковной музыке, от которого хотели отказаться, желая заменить его унисонным пением (григорианский хорал). Другими яркими композиторами этой школы были Ф. Анерио, Дж. Яннаккони и другие. Римская школа была ориентирована на инструментальную церковную музыку.
Венецианская школа сформировалась благодаря деятельности А. Вилларта - нидерландского композитора. В неё входили также такие композиторы, как К. Монтеверди, К. Меруло, Дж. Бассано. Эти и другие представители охотно занимались не только инструментальной, но и вокальной музыкой. Склонные к экспериментам, они создали новый музыкальный стиль - кончертато. Композиторская школа Венеции подготовила почву для важнейшего этапа в музыке - барокко.
Английская композиторская школа базировалась на вокальной полифонии, к чему располагали музыкальные традиции страны. Англия стала первой страной, где появились бакалавры искусств. В эпоху Возрождения ряд композиторов начал противопоставлять церковному вокальному искусству светское музыкальное искусство. Одним из самых любимых композиторских жанров был мадригал. Отметим, что музыкальное искусство развивалось в Англии эпохи Возрождения не столь многообразно и ярко, как в других странах Европы.
Французская школа - одна из самых своеобразных. Здесь искусство песни развивалось по своим законам и получило название «chanson». Разумеется, его нельзя истолковывать в современном смысле. Тогда это было многоголосное произведение, не связанное с церковью и библейскими темами. Но уже тогда в шансоне были ощутимы связь с народной музыкой и ритмами танца.
Особенно ярко в этом жанре проявил себя композитор К. Жанекен, написавший большое количество произведений в этом жанре. Обращался он и к другим жанрам - мессам, мотетам и т.д.
Профессиональные кадры в Германии в эпоху Возрождения ковались в капеллах, которые обычно существовали при соборах и дворе; а также из творческих объединений, которые складывались среди бюргеров. Немецкие композиторы проявили себя, как талантливые полифонисты и среди них было немало крупных мастеров, тем не менее, они не могли догнать ни Нидерланды, ни Италию в этом отношении. Слава немецкой школы была ещё впереди.
Замечательным явлением немецкого музыкального искусства стал мейстерзанг, сменивший миннезанг. Так называлась деятельность профессиональных поэтов-певцов, которые произрастали из бюргерской среды. Тем не менее, несмотря на то, что они были профессионалами, эстетическим ориентиром для них служило творчество их предшественников - миннезингеров.
В Испании музыкальное искусство даже в период Ренессанса не смогло освободиться от диктаторства католической церкви. Все видные композиторы Испании находились на церковной службе, и их произведения, даже полифонические, были скованы сложившимися традициями. В то же время они не могли не воспринять новшества, привнесённые Нидерландами и Италией, поэтому попытки выйти за рамки в творчестве крупных композиторов всё равно ощущаются.
В ренессансной Испании были развиты такие жанры, как духовная полифония, песенный жанр (вильянсикос), мотеты. Испанская музыка отличалась своеобразной мелодикой, и вильянсикос - яркий тому пример. В целом же, каждая из школ, несмотря на примерно общие тенденции в развитии, имела свою национальную окраску.
4. Музыканты и их произведения в эпоху Возрождения.
Мотет, мадригал и месса были тремя самыми важными жанрами в период Ренессанса. Поэтому имена наиболее крупных музыкантов связаны именно с ними. В итальянском музыкальном искусстве громко звучит имя Джованни Пьерлуиджи да Палестрины. Всю жизнь проработавший на поприще церковной музыки, он своим творчеством способствовал утверждению такого стиля, как a capella, распространённого и сейчас. Среди известнейших произведений Дж. Палестрино - «Месса папы Марчелло». Несмотря на свою сложность, это сочинение наполнено ясностью, чистотой, стройностью, что, собственно, и является основными чертами стиля композитора.
Другой итальянец - Джезуальдо ди Веноза - также чрезвычайно плодовитый композитор. Число написанных им мадригалов составило шесть книг. Автор стремился при помощи музыки исследовать непростой внутренний мир человека, отразить его чувства. Очень многие мадригалы Дж. ди Венозы носят трагический характер. Выразительность и утончённость - вот основные черты музыки этого композитора.
Орландо ди Лассо (Нидерланды) - ещё один величайший представитель эпохи Возрождения. Он написал множество произведений, но одной из самых ярких его удач является мадригал «Эхо», в котором имитируются акустические эффекты. В своей музыке О. ди Лассо сумел передать танцевальные, песенные и даже бытовые особенности своей эпохи.
Ярчайшим представителем английской музыки был Джон Данстейбл, который внёс огромный вклад в развитие национальной полифонии. Он является автором ряда месс, мотетов и песен, ставших популярными. Не все произведения, написанные им, сохранились, но те, которые остались, свидетельствуют о нём как об изобретательном и плодовитом композиторе.
Английская вокальная музыка может гордиться именами Томаса Морли и Джона Дауленда. Творчество последнего приводило в восторг самого У. Шекспира. Предполагается, что именно Дж. Дауленд является автором музыки к пьесам великого драматурга. Композитор сочинял музыку для лютни и голоса; предпочитал трагическое направление в творчестве, но, тем не менее, одна его юмористическая песня «Прекрасные уловки леди» сделалась очень популярной.
Т. Морли (его учеником был знаменитый Уильям Бёрд) всем своим творчеством способствовал продвижению и популяризации мадригалов итальянских композиторов. Было вполне естественным, что он и сам сочинял музыку в этом жанре. Одна из самых знаменитых песен - «Возлюбленный и его девушка - подкупает зрителя своей простотой и искренностью.
Славу испанской музыке принёс Кристобаль де Моралес. В его творчестве полноценно соединились национальные испанские традиции и достижения лучших композиторов Италии и Нидерландов. На основе этого синтеза он создал множество месс и мотетов.
Принадлежит к числу видных испанских композиторов и Томас Луис де Виктория, который не только сочинял музыку, но владел также искусством пения и игрой на органе. Он писал полифонические произведения духовной направленности.
Среди множества французских мастеров выделяется имя Клемана Жанекена, который поднял на должный уровень шансон. Его песни - это широкое разнообразие тем, мелодий, музыкальных мыслей, а также звуковых имитаций. Название каждой песни он стремился передать через музыку.
Если говорить о немецкой музыке, то здесь в первую очередь выделяется органист и композитор Генрих Шютц. Он был первым среди композиторов Германии, кто явился автором оперы. Это было сочинение на мифологический сюжет; опера называлась «Дафна». Г. Шютц написал и оперу-балет, в основе которой тоже лежал древнегреческий сюжет - «Орфей и Эвридика». Его перу принадлежит множество других произведений в более мелких жанрах.
Велика роль в развитии немецкой музыки христианского богослова Мартина Лютера, способствующего реформе в этой области. В связи с его желанием привлечь к службе как можно больше прихожан, он сформировал новые требования к вокальной духовной музыке. Так на свет родился протестантский хорал, ставший ведущим жанром в музыкальном искусстве Германии эпохи Ренессанса (здесь, конечно, не имеются в виду светские жанры).
Таким образом, музыкальное наследие эпохи Возрождения чрезвычайно богато, как событиями, жанрами, инструментами, произведениями, так и именами.
5. Заключение.
Итак, всё вышесказанное позволяет сделать ряд выводов. Наиболее сильными странами в музыкальном плане оказались Нидерланды (в начале) и Италия (в конце). Именно там зарождались традиции, влиявшие на музыкальный процесс в других странах.
Расширились музыкальные границы. Это касалось, как самих музыкантов, которые перемещались по Европе и могли жить и работать в разных странах, в разных, порой контрастных жанрах, так и самой музыки. Она перестала быть исключительно церковной (речь идёт о профессиональном искусстве), поскольку народное искусство живо во все времена.
Выйдя за пределы духовной сферы, музыка проникла в бытовую жизнь, стала доступной широким слоям общества. Её язык стал доступен людям. Вместе с тем, музыка стала искусством, в котором чувствовалась индивидуальность её создателей.
Как и в античные времена, музыка стала неотъемлемой частью праздников и торжественных мероприятий, которые вновь завоевали своё место в досуге европейцев после мрачных времён Средневековья.
Общество эпохи Ренессанса заполнило свою жизнь чередой разнообразных праздников, на которых веселились, пели и танцевали, разыгрывали театральные представления. И везде музыка была непременным и незаменимым атрибутом.
Конечно, нельзя утверждать, что музыка стала исключительно светской. Это было бы в корне неверно. По-прежнему, церковной музыке уделялось самое пристальное внимание. Композиторы писали грандиозные многоголосные вокально-инструментальные произведения, в которых человеческие голоса поддерживались партиями духовых инструментов. И хотя в некоторых странах (например, в Германии) шла тенденция к упрощению церковной музыки, в большинстве своём духовная музыка осталась величественной и сложной.
В эпоху Ренессанса музыкальная культура подверглась значительному обновлению. Это касалось и инструментария, и новых завоеваний в теоретических дисциплинах, и развития нотопечатания.
Но самое главное достижение эпохи Ренессанса во всех сферах деятельности - это утверждение человеческой личности, интерес к нему, раскрытие его богатого внутреннего мира всеми доступными художественными средствами.
6. Список литературы.
1. Алексеев А.Д. История фортепианного искусства. В двух частях/А.Д. Алексеев. - М.: Музыка, 1988. - 415 с.
2. Евдокимова Ю.К., Симакова Н.А. Музыка эпохи Возрождения. Cantus prius factus и работа с ним/Ю.К. Евдокимова, Н.А. Симакова. - М.: Музыка, 1982. - 240 с.
3. Ливанова Т.Н. История западноевропейской музыки до 1789 года: В 2 кн. Изд. 2-е, перераб. Кн. 1: От античности к XVIII веку/Т.Н. Ливанова. - М.: Музыка, 1986. - 378 с.
4. Розеншильд К.К. История зарубежной музыки/К.К. Розеншильд. - М.: Музыка, 1978. - 445 с.
Вопрос о музыкальной стороне Ренессанса является довольно непростым. В музыке того времени сложнее определить новые, принципиально иные, элементы и тенденции по сравнению со Средневековьем, чем в других сферах искусства – в живописи, скульптуре, архитектуре, художественном ремесле и так далее. Дело в том, что музыка как в Средние века, так и на протяжении Возрождения сохраняла свой разнообразный характер. Существовало чёткое разделение на церковно-духовную музыку и светские композиции, песенные и танцевальные. Тем не менее, музыка эпохи Возрождения 
имеет свой оригинальный характер, хотя и тесно связанный с предыдущими достижениями.
Музыкальная культура эпохи Возрождения
Особенностью музыки Ренессанса, к которой относят музыкальную эпоху XV-XVI веков, является сочетание различных национальных школ, которые при этом имели общую тенденцию развития. Специалисты выделяют первые элементы, характерные для эпохи настроения, в итальянском направлении музыки. Причём на родине Возрождения «новая музыка» начала появляться ещё в конце XIV столетия. Наиболее ярко черты возрожденческого стиля проявились в нидерландской музыкальной школе, начиная с середины XV века. Особенностью нидерландской музыки было повышенное внимание к вокальным композициям при соответствующем инструментальном сопровождении. Причём вокальные многоголосные композиции были свойственны как для церковной музыки нидерландской школы, так и для её светского направления.
Характерно, что нидерландская школа оказала серьёзное влияние на остальные европейские музыкальные традиции эпохи Возрождения.
Так, уже в XVI веке она распространилась во Франции, Германии, Англии. Причём вокальные светские композиции в нидерландском стиле исполнялись на разных языках: например, историки музыки усматривают истоки традиционного французского шансона именно в этих песнях. Для всей европейской музыки Ренессанса присущи две, казалось бы, разнонаправленные тенденции. Одна из них вела к явной индивидуализации композиций: в светских произведениях всё больше прослеживается авторское начало, появляется больше личной лирики, переживаний и эмоций конкретного композитора.
Другая же тенденция отражалась во всё большей систематизации музыкальной теории. Произведения, как церковные, так и мирские, становились всё более сложными, музыкальный полифонизм совершенствовался и развивался. В первую очередь в церковной музыке составлялись чёткие правила формообразования, гармонических последовательностей, голосоведения и тому подобного.
Теоретики или композиторы эпохи возрождения?
С таким сложным характером развития музыки в эпоху Возрождения связано то обстоятельство, что в настоящее время ведутся споры, считать ли ведущих музыкальных деятелей того времени композиторами, теоретиками или учёными. Тогда чёткого «разделения труда» не было, так что музыканты сочетали в себе различные функции. Так, в большей степени теоретиком был швейцарец Глареан, живший и работавший в первой половине XVI века. Он внёс значительный вклад в музыкальную теорию, создав базу для введения таких понятий, как мажор и минор. При этом он рассматривал музыку как источник наслаждения, то есть выступал за её светский характер, фактически отбрасывая развитие музыки в религиозном аспекте Средних веков. Кроме того, Глареан видел музыку только в неразрывной связи с поэзией, поэтому большое внимание уделял песенным жанрам.
Итальянец Джозеффо Царлино, творческая активность которого пришлась на вторую четверть – конец XVI века, во многом развивал и дополнял представленные выше теоретические разработки. В частности, уже сформулированные понятия мажора и минора он впервые предложил ассоциировать с эмоциональным настроением человека, ассоциируя минор с меланхолией и грустью, а мажор с радостью и возвышенными чувствами. Помимо этого Царлино продолжал античную традицию интерпретации музыки: для него музыка была ощутимым выражением той гармонии, в которой должно существовать мироздание. Следовательно, музыка, по его мнению, была высшим проявлением творческого гения и главнейшим из искусств.
Откуда появлялась музыка эпохи Возрождения
Теория теорией, но на практике музыка немыслима без музыкальных инструментов – конечно, с их помощью воплощалось в жизнь и музыкальное искусство Ренессанса. Главным инструментом, который «перекочевал» в эпоху Возрождения из предыдущего, средневекового, музыкального периода, был орган. Этот клавишно-духовой инструмент активно использовался в церковной музыке, а учитывая важнейшее место духовных композиций в музыке Возрождения, значение органа сохранялось. Хотя в целом «удельный вес» этого инструмента, пожалуй, сократился – на первые роли вышли струнные смычковые и щипковые инструменты. Впрочем, орган положил начало отдельному направлению клавишных инструментов, обладавших более высоким и светским звучанием. Наиболее распространённым из них был клавесин.
У струнных смычковых инструментов сложилось целое отдельное семейство – виолы. Виолы представляли собой инструменты, по форме и функциям напоминающие современные скрипичные (скрипка, альт, виолончель). Межу виолами и скрипичным семейством, скорее всего, существуют родственные связи, однако виолы имеют характерные особенности. У них гораздо более выраженный индивидуальный «голос», имеющий бархатистый оттенок. Виолы имеют равное количество основных и резонирующих струн, из-за чего очень прихотливы и сложны в настройке. Поэтому виолы почти всегда инструмент солирующий, добиться их гармоничного использования в оркестре удаётся редко.
Что касается щипковых струнных инструментов, то среди них главное место в эпоху Возрождения занимала лютня, появившаяся в Европе примерно в XV веке. Лютня имела восточное происхождение и обладала специфическим устройством. Инструмент, звуки из которого можно было извлекать как пальцами, так и при помощи специальной пластины (аналог современного медиатора), очень быстро приобрёл популярность в Старом Свете.
Александр Бабицкий
ФЕДЕРАЛЬНОЕ АГЕНТСТВО ПО ОБРАЗОВАНИЮ
ГОУ ВПО «Марийский государственный университет»
Факультет начальных классов
Специальность: 050708
«Педагогика и методика начального обучения»
Кафедра: «Педагогики начального образования»
Контрольная работа
«Музыка эпохи Возрождения»
Йошкар-Ола 2010
Эпоха Возрождения (Ренессанса) является временем расцвета всех видов искусств и обращения их деятелей к античным традициям и формам.
Ренессанс имеет неравномерные историко-хронологические границы в разных странах Европы. В Италии он наступает в XIV веке, в Нидерландах начинается в XV столетии, а во Франции, Германии и Англии его признаки наиболее отчетливо проявляются в XVI веке. Вместе с тем развитие связей между различными творческими школами, обмен опытом между музыкантами, переезжавшими из страны в страну, работавшими в разных капеллах, становится знамением времени и позволяет говорить о тенденциях, общих для всей эпохи.
Художественная культура Ренессанса - это личностное начало с опорой на науку. Необычайно сложное мастерство полифонистов XV–XVI веков, их виртуозная техника уживались вместе с ярким искусством бытовых танцев, изысканностью светских жанров. Все большее выражение в произведениях получает лирико-драматизм.
Итак, как мы видим, период Ренессанса-сложный период в истории развития музыкального искусства, поэтому представляется разумным рассмотреть его более подробно, уделяя при этом должное внимание отдельным личностям.
Музыка - единственный всемирный язык, его не надо переводить, на нем душа говорит с душою.
Авербах Бертольд.
Музыкой эпохи Возрождения или музыкой Ренессанса, называют период в развитии европейской музыки приблизительно между 1400 и 1600 годами. В Италии начало новой эпохи наступило для музыкального искусства в XIV веке. Нидерландская школа сложилась и достигла первых вершин в XV, после чего ее развитие все ширилось, а влияние так или иначе захватывало и мастеров иных национальных школ. Признаки Возрождения отчетливо проявились во Франции в XVI веке, хотя ее творческие достижения были велики и бесспорны еще в предыдущие столетия.
К XVI веку относится подъем искусства в Германии, Англии и некоторых других странах, входящих в орбиту Возрождения. И все же со временем новое творческое движение стало определяющим для Западной Европы в целом и по-своему отозвалось в странах Восточной Европы.
Музыке Возрождения оказались совершенно чужды грубые и резкие звуки. Законы гармонии составили ее главную суть.
Ведущее положение по-прежнему занимала духовная музыка , звучащая во время церковного богослужения. В эпоху Возрождения она сохранила основные темы средневековой музыки: хвалу Господу и Творцу мира, святость и чистоту религиозного чувства. Главная цель такой музыки, как говорил один из ее теоретиков, - «услаждать Бога».
Основу музыкальной культуры составляли мессы, мотеты, гимны и псалмы.
Месса - музыкальное произведение, которое представляет собой собрание частей католической литургии латинского обряда, тексты которой положены на музыку для одноголосного или многоголосного пения, в сопровождении музыкальных инструментов или без, для музыкального сопровождения торжественного богослужения в Римско-католической церкви и протестантских церквях высокого направления, например, в Церкви Швеции.
Мессы, представляющие собой музыкальную ценность, также исполняются вне богослужения на концертах, более того многие мессы позднейшего времени специально сочинялись либо для исполнения в концертном зале, либо по случаю какого-либо торжества.
Церковная месса, восходящая к традиционным мелодиям григорианского хорала, наиболее ярко выражала суть музыкальной культуры. Как и в Средние века, месса состояла из пяти частей, но теперь она стала более величественной и масштабной. Мир уже не казался человеку столь малым и обозримым. Обычная жизнь с ее земными радостями уже перестала считаться греховной.
Моте́т (фр. motet от mot - слово) - вокальное многоголосное произведение полифонического склада, один из центральных жанров в музыке западноевропейского Средневековья и Возрождения.
Гимн (др.-греч. ὕμνος) - торжественная песнь, восхваляющая и прославляющая кого-либо или что-либо (первоначально - божество).
Псало́м (греч. ψαλμός «хвалебная песнь»), р.п. псалма́, мн. псалмы́ (греч. ψαλμοί) - гимны иудейской (ивр. תהילים) и христианской религиозной поэзии и молитвы (из Ветхого Завета).
Они составляют Псалтырь, 19-ю книгу Ветхого Завета. Авторство псалмов традиционно приписывается царю Давиду (около 1000 до н. э.) и нескольким другим авторам, среди которых Авраам, Моисей и другие легендарные личности.
Всего в Псалтырь входит 150 псалмов, подразделяющихся на молитвы, хвалы, песни и учения.
Псалмы оказали огромное влияние на фольклор и послужили источником многих пословиц. В иудаизме псалмы исполнялись в виде песнопений гимнического характера под аккомпанемент. При каждом псалме, как правило, указывались способ исполнения и «модель» (в григорианском хорале называемая словом интонация), то есть соответствующий напев. Псалтырь заняла важное место в христианстве. Псалмы исполнялись во время богослужений, домашних молитв, перед боем и при передвижении строем. Первоначально в церкви они пелись всей общиной. Псалмы исполнялись а капелла, лишь в домашней обстановке разрешалось применение инструментов. Тип исполнения был речитативно-псалмодическим. Помимо целых псалмов, использовались и отдельные, наиболее выразительные стихи из них. На этой основе возникли самостоятельные песнопения - антифон, градуал, тракт и аллилуйя.
Постепенно в сочинениях церковных композиторы начинают проникать светские веяния. В многоголосную ткань церковных песнопений смело вводят темы народных песен вовсе не религиозного содержания. Но теперь это не противоречило общему духу и настроениям эпохи. Напротив, в музыке удивительным образом соединялось божественное и человеческое.
Наивысшего расцвета духовная музыка достигла в XV в. в Нидерландах. Здесь музыка почиталась больше других видов искусства. Нидерландские и фламандские композиторы первыми разработали новые правила полифонического (многоголосного) исполнения – классический «строгий стиль ». Важнейшим композиционным приемом нидерландских мастеров стала имитация – повторение одной и той же мелодии в разных голосах. Ведущим голосом стал тенор, которому поручалась главная повторяющаяся мелодия – cantus firmus («неизменный напев»). Ниже тенора звучал бас, а выше – альт. Самый верхний, то есть возвышающийся над всеми, голос получил название сопрано.
С помощью математических расчетов нидерландским и фламандским композиторам удалось вычислить формулу сочетаний музыкальных интервалов. Главной целью сочинительства становится создание стройной, симметричной и грандиозной, внутренне завершенной звуковой конструкции. Один из ярчайших представителей этой школы Йоханнес Окегем (ок. 1425-1497) на основе математических вычислений сочинил мотет на 36 голосов!
В творчестве Окегема представлены все жанры, характерные для нидерландской школы: месса, мотет и шансон. Важнейшим жанром для него оказывается месса, он проявил себя как выдающийся полифонист. Музыка Окегема очень динамична, мелодическая линия движется в широком диапазоне, имеет широкую амплитуду. Вместе с тем для Окегема характерны плавность интонации, чистейшая диатоника, старинное ладовое мышление. Поэтому музыку Окегема часто характеризуют как «направленную в бесконечность», «парящую» в несколько отрешённой образной среде. Она меньше связана с текстом, богата распевами, импровизационна, экспрессивна.
Сохранилось очень мало произведений Окегема:
· около 14 месс (11 полностью):
· реквием Missa pro Defunctis (первый многоголосный реквием в истории мировой музыкальной литературы);
· 9-13 (по разным данным) мотетов:
· свыше 20 шансон
Существует множество произведений, принадлежность которых Окегему ставится под сомнение, среди них известный мотет «Deo gratias» для 36 голосов. Некоторые анонимные шансон приписываются Окегему на основании схожести стиля.
Тринадцать месс Окегема сохранились в рукописи XV-го века, известной под названием «Chigi codex».
Среди месс преобладают четырёхголосные, есть две пятиголосные и одна восьмиголосная. В качестве тем месс Окегем использует народные («L’homme armé»), свои собственные («Ma maistresse») мелодии или мелодии других авторов (например, Беншуа в «De plus en plus»). Есть мессы и без заимствованных тем («Quinti toni», «Sine nomine», «Cujusvis toni»).
Мотеты и шансон
Мотеты и шансон Окегема непосредственно примыкают к его мессам и отличаются от них главным образом своими масштабами. Среди мотетов есть пышные, праздничные произведения, а также более строгие духовные хоровые сочинения.
Наиболее известен праздничный благодарственный мотет «Deo gratias», написанный для четырёх девятиголосных составов и потому считающийся 36-голосный. В действительности он состоит из четырёх девятиголосных канонов (на четыре разные темы), которые следуют один за другим с небольшими наложениями начала следующего на заключение предыдущего. В местах наложения звучат 18 голосов, реального 36-голосия в мотете нет.
Не меньший интерес представляет творчество нидерландского композитора Орландо Лассо (ок. 1532-1594), создавшего более двух тысяч произведений культового и светского характера.
Лассо - самый плодовитый композитор своего времени; из-за огромных объёмов наследия художественная значимость его сочинений (многие из которых были заказными) до конца ещё не оценена.
Работал исключительно в вокальных жанрах, в том числе написал более 60 месс, реквием, 4 цикла страстей (по всем евангелистам), оффиций Страстной недели (особенно значимы респонсории утрени Великого четверга, Великой пятницы и Великой субботы), более 100 магнификатов, гимны, фобурдоны, около 150 франц. шансон (его шансон «Susanne un jour», парафраза библейской истории о Сусанне, была одной из самых популярных пьес в XVI веке), итальянские (вилланеллы, морески, канцоны) и немецкие песни (больше 140 Lieder), около 250 мадригалов.
Лассо отличает детальнейшая разработка текстов на разных языках, как богослужебных (в т.ч. текстов Священного Писания), так и свободно сочинённых. Серьёзность и драматизм концепции, протяжённые объемы отличают сочинение «Слёзы Св. Петра» (цикл 7-голосных духовных мадригалов на стихи Луиджи Транзилло, издан в 1595 году) и «Покаянные псалмы Давида» (рукопись 1571 года в формате in folio украшена иллюстрациями Г. Милиха, предоставляющими ценный иконографический материал о жизни, в т.ч. музыкальных развлечениях, баварского двора).
Вместе с тем, в светской музыке Лассо не был чужд юмора. Например, в шансон «Раздаётся на пирах питие в трёх лицах» (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), пересказывается старинный анекдот из жизни вагантов; в знаменитой песне «Matona mia cara» немецкий солдат поёт любовную серенаду, коверкая итальянские слова; в гимне «Ut queant laxis» имитируется незадачливое сольфеджирование. Ряд ярких коротких пьес Лассо написан на весьма легкомысленные стихи, например, шансон «Глядела в замке дама с интересом / На мраморной статуи естество» (En un chasteau ma dame...), а некоторые песни (особенно морески) содержат обсценную лексику.
Светская музыка Возрождения была представлена различными жанрами: мадригалами, песнями, канцонами. Музыка, перестав быть «служанкой церкви», теперь стала звучать не на латинском, а на родном языке. Наиболее популярным жанром светской музыки стали мадригалы (итал. Madrigal - песнь на родном языке) – многоголосые хоровые сочинения, написанные на текст лирического стихотворения любовного содержания. Чаще всего для этой цели использовались стихотворения прославленных мастеров: Данте, Франческо Петрарки и Торквато Тассо. Мадригалы исполнялись не профессиональными певцами, а целым ансамблем любителей, где каждую партию вел один певец. Основное настроение мадригала – печаль, тоска и грусть, но встречались и радостные, оживленные сочинения.
Совеменный исследователь музыкальной культуры Д.К. Кирнарская отмечает:
«Мадригал перевернул с ног на голову всю музыкальную систему эпохи Возрождения: разрушилась ровная и гармоничная мелодическая пластика мессы… исчез и неизменный cantus firmus, фундамент музыкального целого… привычные методы развития «строгого письма»… уступили место эмоциональным и мелодическим контрастам эпизодов, каждый из которых максимально выразительно пытался донести заключенную в тексте поэтическую мысль. Мадригал окончательно подорвал слабеющие силы «строгого стиля».
Не менее популярным жанром светской музыки была песня в сопровождении музыкальных инструментов. В отличие от музыки, звучащей в церкви, песни были довольно простыми в исполнении. Их рифмованный текст отчетливо членился на 4-6 – строчные строфы. В песнях, как и в мадригалах, большое значение приобретал текст. При исполнении поэтические строки не должны были затеряться в многоголосном пении. Особой известностью пользовались песни французского композитора Клемана Жанекена (ок.1485-1558). Клеман Жанекен написал около 250 шансон, большей частью для 4 голосов, на стихи Пьера Ронсара, Клемана Маро, М. де Сен-Желе, анонимных поэтов. В отношении ещё 40 шансон авторство Жанекена современная наука оспаривает (что не уменьшает, впрочем, качества самой этой оспариваемой музыки). Главная отличительная черта его светской многоголосной музыки - программность и изобразительность. Перед мысленным взором слушателя проходят картины сражения («Битва при Мариньяно», «Битва при Ренти», «Битва при Меце»), сцены охоты («Пение птиц», «Пение соловья», «Жаворонок»), бытовые сценки («Женская болтовня»). Атмосферу будничной жизни Парижа Жанекен ярко передаёт в шансон «Крики Парижа», где слышны возгласы уличных торговцев («Молоко!» - «Пирожки!» - «Артишоки!» - «Рыба!» - «Спички!» - «Голуби!» - «Старые башмаки!» - «Вино!»). При всей изобретательности в фактуре и ритмике музыка Жанекена в области гармонии и контрапункта остаётся весьма традиционной.
В эпоху Возрождения было положено начало профессиональному композиторскому творчеству . Ярким представителем этого нового веяния несомненно является Палестрина (1525-1594). Его наследие составляет множество произведений духовной и светской музыки: 93 мессы, 326 гимнов и мотетов. Он является автором двух томов светских мадригалов на слова Петрарки. Долгое время он работал руководителем хора в соборе Святого Петра в Риме. Созданную им церковную музыку отличают чистота и возвышенность чувств. Светская музыка композитора проникнута необыкновенной одухотворенностью и гармонией.
Эпохе Возрождения мы обязаны формированием инструментальной музыки как самостоятельного вида искусства. В это время появляется ряд инструментальных пьес, вариаций, прелюдий, фантазий, рондо, токкат. Среди музыкальных инструментов особой популярностью пользуются орган, клавесин, виола, различные виды флейт, а в конце XVIв. – скрипка.
Завершается эпоха Возрождения возникновением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории и оперы. Если раньше центром музыкальной культуры был храм, то с этого времени музыка зазвучала в оперном театре. А произошло это так.
В итальянском городе Флоренция в конце XVIв. стали собираться талантливые поэты, актеры, ученые и музыканты. Никто из них тогда не помышлял о каком-либо открытии. И все-таки именно им суждено было совершить настоящий переворот в театральном и музыкальном искусстве. Возобновляя постановки произведений древнегреческих драматургов, они стали сочинять собственную музыку, соответствующую, по их представлениям, характеру античной драмы.
Члены камераты (так называлось это общество) тщательно продумывали музыкальное сопровождение монологов и диалогов мифологических персонажей. От актеров требовалось исполнение разговорных партий речетативом (декламацией, речью нараспев). И хотя слово продолжало играть ведущую роль по отношению к музыке, был сделан первый шаг к их сближению и гармоническому слиянию. Подобное исполнение позволяло в большей степени передавать богатство внутреннего мира человека, его личные переживания и чувства. На основе таких вокальных партий возникли арии – законченные эпизоды в музыкальном спектакле, в том числе и в опере.
Оперный театр быстро завоевал любовь и стал популярным не только в Италии, но и в других странах Европы.
Список использованной литературы
1) Энциклопедический словарь юного музыканта / Сост. В.В. Медушевский, О.О. Очаковская. – М.: Педагогика, 1985.
2) Мировая художественная культура. От истоков до XVII века: учеб. для 10 кл. общеобразоват. учреждений гуманитарного профиля / Г.И. Данилова. – 2-е изд., стереотип. – М.: Дрофа, 2005.
XV столетие оказалось решающим для развития музыки как в художественном смысле, так и в эволюции техники исполнения. Возникший культурный конфликт между христианской церковью и светским миром предопределил последующее бурное развитие музыкальных направлений, не связанных с церковными обрядами и службами.
Общество того времени несколько «устало» от однотипных, пусть и математически правильных средневековых канонов и нуждалось в создании более легкой, мирской музыки. Творческий поиск нескольких поколений музыкантов и композиторов привел к развитию множества новых музыкальных жанров, танца и театра.
Первые идеи реформации полифонии возникли в начале XV века и принадлежали бургундской, английской, фландрийской, а также итальянской музыкальным школам. Джон Данстейбл, представитель английской школы, изложил основы техники «фобурдон» (дословно, фальшивый бас). В многоголосных произведениях нотировался лишь средний голос, а верхние и нижние голоса добавлялись в процессе исполнения.
Дальнейшее развитие этой техники нашло отражение в трудах Гийома Дюфаи (1400-1474), который не только систематизировал циклические мессы, но и добавил в них элементы светской музыки. За ним последовали Джоан Оккегем и Якоб Обрехт, а самым известным музыкантом того времени стал Жоскен Депре (1440-1521).
Мастера итальянской школы, среди которых Джованни Палестрина (1525-1594), Томазо де Викториа (1548-1611), также немало потрудились над приданием полифонии более легкого и высокого стиля, а появившиеся новые тексты стремились уравнять в итальянском музыкальном искусстве музыку и слово.
Эпоха Возрождения. Мадригал
Одним из самых распространенных жанров светской музыки эпохи Возрождения был мадригал, дословно обозначающий песню на родном (материнском) языке. Основой нового музыкального жанра стали итальянские пастушеские песни.
Первоначально, в XIV веке, мадригалы сочинялись для двух-трех голосов под аккомпанемент музыкального инструмента, повторявшего мелодию верхнего голоса. Мадригалы часто звучали на светских праздниках, свадьбах. К середине XVI мадригалы исполняют уже на пять голосов, усиливаются взаимосвязи между партиями, музыка жанра становится более экспрессивной.
Наряду со «светскостью», весельем, мадригал впитал в себя и многовековые традиции христианской музыки. Именно такое сочетание использовали видные мадригалисты того времени Сиприано де Роре и Джузеппе Палестрина. В конце XVI столетия мадригал все больше подвергается влиянию affetti: любовное удовольствие, нотки меланхолии и покорности судьбе.
Крупнейшими мастерами жанра стали Лука Маренцио (1553-1599), Джезуальдо да Веноза (1561-1613) и . Созданные ними многочисленные сборники мадригалов, удивительный мелодизм, разнообразие ритмических форм и многочисленные новаторские музыкальные решения сыграли важнейшую роль в развитии музыки эпохи Возрождения.
Интермедия. Рождение оперы
Дальнейшее развитие музыкального искусства предопределило возникновение интермедии. Расцвет этого жанра пришелся на первую половину XVI века, когда несколько интермедий Бартоломео Тромбончино прозвучали на свадьбе Альфонсо д’Эсте и Лукреции Борджиа, представительницы великого итальянского клана.
Впоследствии интермедии начали звучать при крупнейших аристократических европейских дворах. Музыка интермедий практически не сохранилась, но собранные свидетельства говорят нам о необычайном размахе при постановках предшественницы оперы: некоторые оркестры, выступавшие на свадьбах крупных вельмож, насчитывали более двадцати струнных, духовых и ударных музыкальных инструментов. Слух современников интермедии радовали виолы да гамба, лютни, флейты пикколо, свирели, лиры, гобой и контрабас.
Новаторские идеи композиторов эпохи Возрождения, а также появление новых музыкальных инструментов обусловили коренное изменение музыкального искусства – появление оперы. Первые шаги в этом направлении осуществили философы, музыканты и поэты, объединенные в своеобразной культурной академии – Флорентийской Камерате.
Активнейшее участие в создании нового жанра музыкального искусства приняли граф Джованни дель Вернио (1534-1612), автор нескольких трактатов об истории и теории музыки, композиторы Джакопо Пери (1561-1633), Винченцо Галилеи (1520-1591), отец знаменитого астронома, а также Джулио Каччини, Лука Маренцио и Клаудио Монтеверди.
Первыми произведениями, созданными на основе музыкальных концепций Флорентийской Камераты, стали поставленные в 1597-1600 годах оперы «Дафна» и «Эвридика» композиторов Пери и Каччини, а наиболее ярко принципы Камераты воплотились в операх Клаудио Монтеверди «Орфей», «Возвращение Улисса» и «Коронация Поппеи».
Эпоха Возрождения. Клавирная музыка
Изобретение во второй половине XV века системы специальных знаков для клавишных инструментов и лютни (табулатуры), появление сборников для органа и лютни послужило фундаментом развития инструментальной музыки эпохи Возрождения.
Старейший фрагмент сочинения для органа, найденный историками, датируется 1425 годом (неизвестного автора из Силезского монастыря Саган). В 1448 году появились первые сочинения для органа, в которых использовалась педаль (пять прелюдий-преамбул Адама Илеборга). Наиболее известным исполнителем органной музыки XV века считается немецкий музыкант Конрад Пауман (1410-1473). Его перу принадлежит сборник «Buxheimer Orgelbuch», который насчитывает 250 произведений для органа собственного сочинения и других музыкальных переложений.
Испанские музыканты и композиторы также составили значительную часть музыкального наследия эпохи Возрождения. Опубликованный в 1557 году Луисом Энестросом «Новый музыкальный размер для клавишных, виолы и арфы», включил множество песен, фантазий, танцев и гимнов известных испанских композиторов. Ярко выделяется и творчество Антонио де Кабесона, одного из самых знаменитых музыкантов Европы. Его произведения, собранные в «Сочинениях для клавишных, виолы и арфы» (1578), стали известны далеко за пределами Испании.
Эпоха Возрождения. Музыка для лютни и виолы
Музыкальное искусство XVI века характеризуется широким распространением в европейской музыке новых музыкальных инструментов – лютни и виолы. Эти инструменты были идеальны как для аккомпанемента, так и для солирования в определенных моментах музыкальных произведений. Первым сборником, содержащим не только полифонические произведения, но и ранние образцы лютневой музыки, стал труд итальянского издателя Оттавиано Петруччи «Intabulatura de lauto», датированный 1507 годом.
Лютня располагала несколькими системами настройки и табулатуры. Многие композиторы и музыкальные теоретики, среди которых Ханс Гёрле, Хуан Бермудо, Винченцо Галилей, расходились во мнениях касательно оптимального количества ладов. Но, несмотря на разногласия, все специалисты сходились в главном: лютня, как и клавишные, давала возможность исполнять многоголосные произведения без использования других инструментов.
Наибольшее распространение лютня получила в Италии, Франции, Германии, а впоследствии в Англии. Среди знаменитых композиторов, сочинявших лютневую музыку, нельзя не отметить Виченсо Капирола, Петруччи, Маттхойса Вайселля, Матиаса Реймана, Джона Доуленда и Томаса Морлея.
Среди испанских музыкантов лютня не получила большой популярности. Исполнители предпочитали виолу, которая была похожа на лютню, но имела своеобразный, похожий на современную гитару, корпус. Известны два вида виолы да гамба: «ручная виола» и «ножная виола». Наиболее известными мастерами, сочинявшими для «ручной виолы», стали Луис де Милан, Алонсо Мударра, Энрикес де Вальдеррабано, также были широко известны произведения Луиса де Энестросы и Томаса де Санта Мария.
Эпоха Возрождения. Революция музыкальной печати
Изобретение Иоанном Гутенбергом новой техники печати, состоявшееся в XV веке, отразилось во всех сферах культурной жизни Европы. Не осталось в стороне и музыкальное искусство. Уже во второй половине XV столетия в Голландии и Германии появляются первые типографии, специализирующиеся на музыкальных изданиях. Процесс создания книг, посвященных музыке, был достаточно трудоемким. Каждая страница печаталась трижды: первая печать – для нотного стана, вторая печать – , а третья – для текста и номеров страниц.
Первыми печатными сборниками музыки считаются «Collectorium super Magnificat», созданный Герсоном из Эсслингена в 1473 году, а также «Missale Romanum», напечатанный в 1476 году в Римской мастерской Ульриха Хана.
Первоначально центрами музыкальных изданий стали культурно развитые итальянские города Венеция, Милан, Флоренция и Неаполь, где местные богатые аристократы всячески поддерживали издательства. Самыми известными итальянскими печатниками были Оттавиано Петруччи, Андреа Антико, а впоследствии Антонио Гардано.
Наиболее известный парижский печатник эпохи Возрождения – Пьер Аттэнгнат (1494-1551), музыкант, посвятивший жизнь изданию песен, церковных месс и песнопений. Самое популярное издание Аттэнгната – сборник «Chansons nouvelles», изданный в 1527 году. Бурное развитие печати музыкальных изданий стало возможным благодаря деятельности и других великих печатников: Жака Можерне (Лион), Тильмана Сусато (Амберес), Томаса Таллиса и Вильяма Берда (Лондон).
Возрождение, или Ренессанс, - период в истории культуры Западной и Центральной Европы, охватывающий примерно XIV-XVI вв. Свое название этот период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей культуры нового времени. Композиторы и музыкальные теоретики - Й. Тинкторис, Дж. Царлино и другие - изучали древнегреческие музыкальные трактаты; в произведениях Жоскена Депре, которого сравнивали с Микеланджело, по словам современников, «возродилось утерянное совершенство музыки древних греков»: появившаяся в конце XVI- начале XVII в. опера ориентировалась на законы античной драмы.
Занятия теорией музыки. С гравюры XVI в.
Дж. П. Палестрина.
Развитие культуры Возрождения связано с подъемом всех сторон жизни общества. Родилось новое мировоззрение - гуманизм (от латинского humanus - «человечный»). Раскрепощение творческих сил привело к бурному развитию науки, торговли, ремесел, в экономике складывались новые, капиталистические отношения. Изобретение книгопечатания способствовало распространению образования. Великие географические открытия и гелиоцентрическая система мира Н. Коперника изменили представления о Земле и Вселенной.
Небывалого расцвета достигли изобразительное искусство, архитектура, литература. Новое мироощущение отразилось в музыке и преобразило ее облик. Она постепенно отходит от норм средневекового канона, индивидуализируется стиль, впервые появляется само понятие «композитор». Изменяется фактура произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более (известен, например, 36-голосный канон, приписываемый крупнейшему представителю нидерландской школы Й. Окегему). В гармонии господствуют консонирующие созвучия, употребление диссонансов строго ограничивается специальными правилами (см. Консонанс и диссонанс). Складываются мажорный и минорный лады и тактовая система ритмики, характерные для более поздней музыки.
Все эти новые средства использовались композиторами для передачи особого строя чувств человека эпохи Возрождения - возвышенного, гармоничного, спокойного и величественного. Более тесной становится связь текста и музыки, музыка начинает передавать настроение, или, как тогда говорили, аффекты текста, нередко особыми музыкальными средствами иллюстрируются отдельные слова, такие, как «жизнь», «смерть», «любовь» и др.
Музыка эпохи Возрождения развивалась в двух направлениях - церковном и светском. Основные жанры церковной музыки - месса и мотет - многоголосные полифонические произведения для хора без сопровождения или в сопровождении инструментального ансамбля (см. Хоровая музыка, Полифония). Из инструментов предпочтение отдавалось органу.
Развитию светской музыки способствовал рост любительского музицирования. Музыка звучала всюду: на улицах, в домах горожан, во дворцах знатных вельмож. Появились первые концертирующие исполнители-виртуозы на лютне, клавесине, органе, виоле, различных видах продольных флейт. В полифонических песнях (мадригале - в Италии, шансон - во Франции) композиторы рассказывали о любви, обо всем, что встречается в жизни. Вот названия некоторых песен: «Охота на оленя», «Эхо», «Битва при Мариньяно».
В XV-XVI вв. возрастает значение искусства танца, появляются многочисленные трактаты и практические руководства по хореографии, сборники танцевальной музыки, в которые включаются популярные танцы того времени - бас-данс, бранль, павана, гальярда.
В эпоху Возрождения формируются национальные музыкальные школы. Самая крупная из них - нидерландская (франко-фламандская) полифоническая школа. Ее представители - Г. Дюфаи, К. Жанекен, Й. Окегем, Я. Обрехт, Жоскен Депре, О. Лассо. Среди других национальных школ - итальянская (Дж. П. Палестрина), испанская (Т. Л. де Виктория), английская (У. Берд), немецкая (Л. Зенфль).
Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории, оперы, подлинный расцвет которых наступает в последующем столетии (см. Западноевропейская музыка XVII-XX вв.).
Музыка эпохи Возрождения
1.Музыка звучала повсюду: на улицах и площадях, в домах горожан, во дворцах знатных вельмож и королей. Музыка, наряду с грамматикой, риторикой и поэзией, входила в так называемые «науки человеческие».
Ведущее положение по-прежнему занимала духовная музыка, звучащая во время церковного богослужения.
Постепенно в сочинения церковных композиторов начинают проникать светские веяния . В многоголосную ткань церковных песнопений смело вводят темы народных песен вовсе не религиозного содержания. Но теперь это не противоречило общему духу и настроениям эпохи. Напротив, в музыке удивительным образом соединялось божественное и человеческое.
2. Наивысшего расцвета духовная музыка достигла в XV в. в Нидерландах.
Здесь музыка почиталась больше других видов искусства. Нидерландские и фламандские композиторы первыми разработали новые правила полифонического (многоголосного) исполнения - классический «строгий стиль».
Важнейшим композиционным приемом нидерландских мастеров стала имитация - повторение одной и той же мелодии в разных голосах. Ведущим голосом стал тенор, которому поручалась главная повторяющаяся мелодия.
3. В эпоху Возрождения было положено начало профессиональному композиторскому творчеству
Музыка нидерландца Орландо Лассо (1532-1594), соединяет импровизационность и безупречную логику.
В излюбленный жанр мотета он внес множество новаторских приемов.
Ему принадлежит попытка освоить жанр пассионов. Лассо создал Пассионы ко всем четырем Евангелиям. В них отсутствовало сольное пение, а хор из пяти голосов открывал путь к жанру оперного искусства. Одним из музыкальных шедевров композитора стала песня «Эхо .
4. Джованни Пьерлуиджи Палестрина (1525-1594)
Его называют последним великим полифонистом. Работал в соборе св.Петра в Риме и был официальным папским композитором. Его искусство лишено чувственных страстей, полно гармонии и благолепия.
Является ярчайшим представителем классической музыкальной школы Италии.
Его наследие составляет множество произведений духовной и светской музыки: 93 мессы, 326 гимнов и мотетов.
5. В Германии были актуальны произведения духовной музыки на родном языке. Сам Мартин Лютер писал хоралы, предназначенные для исполнения всею религиозной общиной. Их простые мелодии обрели популярность в народе, и профессиональные композиторы в дальнейшем делали их многоголосные обработки. (И.С.Бах)
Также были популярны жанры полифонической миниатюры:
кондукт, мотет.
В них могли вводиться тексты на родном языке.
Хоровое пение было самым популярным видом музицирования.
6. Стали появляться светские хоровые жанры:
Баллат а (танцевальная песня),
Шансон (полифоническая песня)
и итальянский мадригал .
7. Наиболее популярным жанром светской музыки стали мадригалы (итал. madrigаlе - песнь на родном языке) - многоголосные хоровые сочинения, написанные на текст лирического стихотворения любовного содержания.
Чаще всего для этой цели использовались стихотворения прославленных мастеров: Данте, Франческо Петрарки и Торквато Тассо. Мадригалы исполнялись не профессиональными певцами, а целым ансамблем любителей, где каждую партию вел один певец. Основное настроение мадригала - печаль, тоска и грусть, но встречались и радостные, оживленные сочинения.
Мадригал прожил с 1520-1620-е годы. Замысел мадригала был революционным для эпохи Возрождения, т.к. ставил задачу претворения в музыке поэтического текста. Поэтому мадригал можно условно назвать романсом 16 века.
8. Не менее популярным жанром светской музыки была песня в сопровождении музыкальных инструментов. В отличие от музыки, звучащей в церкви, песни были довольно простыми в исполнении. Их рифмованный текст отчетливо членился на 4-6-строчные строфы. В песнях, как и в мадригалах, большое значение приобретал текст. При исполнении поэтические строки не должны были затеряться в многоголосном пении.
Особой известностью пользовались песни французского композитора Клемана Жанекена (1485-1558), который прославился умением воспроизводить в музыке голоса живой природы.
9. Во второй половине 16 века начинается бурное развитие инструментализма . Разрастаются семейства струнных и духовых инструментов, расширяется их диапазон, распространяется светское и домашнее музицирование
Появляются новые инструментальные жанры:
прелюдия (перед игрой) – вступительная пьеса
ричеркар (изысканная пьеса) – полифоническое письмо,
канцона (песня без слов) – предшественница фуги.
10 . Возникает потребность в публичном исполнении музыки.
Формируется концерт.
Впервые появляется в Лондоне – платный и в Венеции – субсидированный городским магистратом.
Завершается эпоха Возрождения возникновением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории и оперы.
Если раньше центром музыкальной культуры был храм, то с этого времени музыка зазвучала в оперном театре.
Развитию музыки способствовало изобретение нотопечатания .
