Анатолий Дмитриевич Криволап (укр. Анатолій Дмитрович Криволап; р. 1946) — украинский художник, мастер нефигуративной живописи.
Родился 11 сентября 1946 года в Яготине. Первым учебником по живописи Анатолия стала выцветшая довоенная книжечка с уроками рисования, которую он нашёл в библиотеке в Яготине.
В 1976 году окончил факультет живописи КГХИ.
Первый собиратель работ Криволапа — польский коллекционер Ришард Врублевский.
С 1992 по 1995 год Анатолий Криволап активно участвовал в деятельности «Живописного заповедника», известной в истории современного украинского искусства арт-группы. В 2000-х годах перебрался из Киева в село Засупоевка под Яготином, где живёт и работает и в настоящее время.
Анатолий Криволап считается самым «дорогим» современным художником Украины — в октябре 2011 года на торгах аукциона Phillips de Pury & Co в Лондоне его работа «Конь. Ночь» была продана за $124 343, а картина «Конь. Вечер» 28 июня 2013 года ушла с молотка на торгах Contemporary Art Day Phillips за 122,5 тысяч фунтов стерлингов ($186 200).
9 февраля 2012 года был объявлен список победителей Шевченковской премии 2012. Анатолий Криволап победил в номинации «изобразительное искусство» (за цикл из 50 работ «Украинский мотив»)
Анатолий Криволап художник-абстракционист, который прошел сложный путь от фигуратива через фовизм к собственному стилю. Творчество Криволапа развивается в рамках модернистской традиции восприятия мира через цвет. Как истинный модернист, Анатолий Криволап видит себя в авангарде украинского искусства. И если авангардисты начала прошлого века эпатировали новой экспрессией сияющих цветов общество, привыкшее к традиционной фигуративной живописи, то в начале этого века борьба продолжается, но только уже не с закоснелой традицией, а с новыми деструктивными тенденциями массового общества и глобализма.
За бокалом шардоне самый модный и дорогой украинский художник рассказывает о том, как формируются цены на его живопись и на что он не жалеет денег
Со второго этажа киевского ресторана Монако открывается превосходный вид на Подол с главными его достопримечательностями: урочище Гончары-Кожемяки, Андреевская церковь, прямо перед окнами — Пейзажная аллея.
Ради этой панорамы в Монако часто заглядывает Анатолий Криволап, самый успешный художник Украины. Стоимость его картин бьет национальные рекорды: в среднем полотна продаются по $70 тыс. Статус “самого дорогого” превратил работы Криволапа в обязательный предмет декора приемных, кабинетов и гостиных многих успешных соотечественников, а его имя — в бренд.
Именно в Монако главная звезда современного украинского изобразительного искусства решает пообедать с НВ. Однако Криволап зря предвкушал удовольствие любоваться за трапезой видом: НВ по незнанию забронировало столик на первом этаже ресторана, где царит полумрак и окна плотно зашторены.
Пять вопросов Анатолию Криволапу:
— Ваше самое большое достижение?
— Мне удалось 20 лет поиска себя пройти без истерики, которая часто переходит в алкоголь, наркотики. Это была интересная работа, но психологически было очень тяжело, и я не сорвался. Я себя не сжег, не озлобился. Я просто выдержал. Перенес достойно, по‑мужски.
— Ваш самый большой провал?
— Я бы не хотел, чтобы он был впереди.
— На чем передвигаетесь по городу?
— Porsche Cayenne 2015 года.
— Последняя прочитанная книга, которая произвела впечатление?
— Еврей — это профессия Валерия Примоста.
— Кому бы вы не подали руки?
— Предателю во всех его проявлениях.
— Это не уют, а убогость,— раздосадован Криволап, усаживаясь за столик. Сохраняя внешнюю обходительность, знаменитость своего недовольства не скрывает, замечая, что вид для него — самое важное, он никогда бы не “cел у стенки”.
Низкие цены унижают. Не только художника, но и коллекционера
Конфликтную тему сменяет появление на столе меню. Криволап сразу предупреждает, что, вопреки редакционной политике (НВ угощает тех, с кем обедает во время интервью), платить будет он: “Это мое правило”.
Мне остается только подчиниться.
— Давайте я возьму по традиции фуа-гра,— через несколько минут определяется художник и признается, что это его любимое блюдо, которое он перепробовал во многих ресторанах Украины. По его мнению, лучшее фуа-гра подают в Ужгороде, в ресторане отеля Old Continent. “Оно там с ежевичным соусом,— говорит Криволап.— Фантастика”. И тут же уточняет: для Украины. Однажды он заказал этот символ гастрономического шика в одном из старинных мишленовских ресторанов Эльзаса, и с тех пор все, что называют фуа-гра в Украине, художнику напоминает “свиные шкварки”.
Впрочем, в Монако фуа-гра не оказалось.
— Тогда давайте вот эту штуку,— обращается Криволап к официанту, ткнув в меню на запеченные баклажаны с моцареллой.
— Может, вам к ним еще и филе телятины? — предлагает официант.
— Дело в том, что я не обедаю, как правило. Ем только утром и вечером,— будто оправдывается Криволап.— Вот вечером я бы вам показал класс.
Впрочем, от телятины не отказывается и, не глядя в меню, заказывает вино — два бокала шардоне, как потом оказалось, по 500 грн каждый.
Сегодня Криволап живет на широкую ногу. С 2010 по 2015 год с отечественных и международных аукционов ушли 18 его полотен на общую сумму почти в $800 тыс.
Художник должен быть бедным, голодным и вести разгульный образ жизни - всё это не о живописце Анатолии Криволапе . «Просто бывают художники по жизни. У них есть поза, привлекающая внимание одежда, особое выражение лица. Ты смотришь и видишь: это художник, но они - артисты больше, чем художники. И это тоже классно, среди них могут быть хорошие мастера, но это другой стиль», - размышляет один из самых востребованных и самый дорогой отечественный современный живописец.
Стиль самого Криволапа - джинсовые шорты и рубаха, так он встречает гостей в своём доме в селе Засупоевка, недалеко от Яготина. Там 66-летний художник живёт и работает уже много лет, в Киев выбирается не так уж и часто и только по особым поводам.
Поиски гармонии
«Как проходят мои будни? По-будничному», - шутит Криволап. Его день начинается в девять утра, после чая или кофе - несколько часов работы. «Если нет настроения идти в мастерскую, тогда сажусь в машину и катаюсь по окрестностям, наблюдаю», - рассказывает живописец. Он испытывает слабость к спортивным авто, но на сельских дорогах предпочитает массивный джип. Иногда машину заменяет велосипед и заплыв в озере Супой, на берегу которого стоит дом Криволапа. Затем - полноценный рабочий день, художник может простоять за холстом и восемь часов подряд. Вечером - отдых в гамаке, тут Криволап наблюдает за закатом солнца, за тем, как меняют цвет облака, за восходом луны. Потом всё увиденное переносит на полотно.
«Когда начинаешь картину, она тянет, как магнит. Поработал, потом часок отдохнул, поплавал - и снова в мастерскую, посмотрел, подправил. И так всё время, пока не доведёшь её до ума», - объясняет свой творческий метод Криволап. Иногда картина получается ещё на стадии наброска, причём выходит даже лучше, чем было задумано. А иногда возвращаться к полотну приходится годами. «Если говорить конкретно, то от двух часов до тринадцати лет, - уточняет художник. - Это ведь работа с условными цветами, которые должны передавать и освещение, и пространство, и моё личное состояние».
Обязательный пункт в расписании рабочего дня художника - вечерняя проверка проделанного за день. «Когда темнеет, я включаю свет и смотрю. Если мне не нравится, как выглядит картина при искусственном освещении, я её переделываю. Утром снова смотрю, что получилось. При дневном и искусственном освещении цвета воспринимаются по-разному, но гармония должна сохраняться всегда. Ведь и все музеи работают с искусственным освещением, и мы дома большую часть времени проводим при нём», - объясняет Криволап. Если гармонию не сохранять, картина будет выглядеть тёмной, а цвета не будут передавать то настроение, или «состояние», как его называет художник, которое в произведение закладывал автор.
Ни тогда, когда Криволап писал абстракции, ни до этого, ни после отзывами на свою работу, позитивными или негативными, художник не интересовался. «Как только я определился с собственным стилем, меня постоянно кто-то не воспринимал, - говорит он. - Недавно на выставке ко мне подошёл Святослав Вакарчук, сказал: «Очень хочу вашу работу, нравится, но не могу, она меня истощает, забирает силы». И это нормально, восприятие всегда личное».
Со своим фирменным стилем - экспрессивными пейзажами, написанными яркими красками на масштабных полотнах, - Криволап определился в начале 1990-х. До этого он успел поэкспериментировать с разными направлениями, среди его работ есть и классические натюрморты, и портреты ню, затем полтора десятка лет художник писал абстрактные картины. «И когда я почувствовал, что рука работает, а внутри всё стоит, понял, что делаю формальные вещи, стало не по себе», - вспоминает художник. За десятки лет художественной карьеры у Криволапа было несколько серьёзных творческих кризисов, тогда он бросал всё и в одиночестве переосмысливал свою работу. Чтобы переждать последний кризис, Криволап купил дачу. «Сначала присматривался, потом стал писать этюды, - рассказывает художник. - Пейзажи я писал всегда, но раньше они у меня были разминкой перед абстракцией. А тут я увидел, как восходит луна, заметил, какого она цвета, как меняется природа, её состояние. Этого никогда не почувствуешь в городе». Увлечение пейзажами у Криволапа продолжается до сих пор. Сейчас он размышляет над тем, как перенести на полотно радугу, и планирует писать больше осенних ландшафтов, ему интересен их сложный цвет и минимализм.
Рубрика ТЕМА НОМЕРА
Мы приехали к художнику в жаркий летний день и сразу почувствовали контраст с раскаленной суетой большого города. Сто километров от Киева, волшебный пейзаж, кружение птиц над озером, уютная гостиная и неспешное течение интересной беседы... Это та экосистема, в которой рождаются работы Криволапа, и именно здесь становятся понятными главные мотивы новейших серий художника. Вот это окно, из которого он наблюдает закат над озером, вот эти домики, скот и другие элементы сельской пасторали, возникающие на его полотнах последних лет.
Криволап получил академическое образование, но долго занимался исключительно абстрактным искусством. Несколько лет назад художник начал активно вводить в свои произведения реалистические элементы, а сегодня, умело балансируя на грани абстракции, он создает медитативные пейзажи в узнаваемой горячей цветовой гамме.
Анатолий Криволап. Фото: Максим Белоусов
Смелое применение активных, часто открытых цветов — один из «фирменных» приемов Анатолия Криволапа. Его чувство цвета близко к народному — те же самые дерзкие сочетания мы встречаем на традиционной украинской одежде, декоре платков и в прикладном искусстве. В мастерской художника наряду с десятками готовых и незавершенных работ разных лет лежат несколько ряднин: в контрастных разноцветных полосах этих творений сельского гения — сила, которая так нужна современному художнику, чтобы не потеряться в гуще многочисленных заимствованных «-измов». Модернизм, абстракционизм и т. д. — современный художник не может вырваться за рамки «брендирования», крайне необходимого в мире, перенасыщенном информацией. Но за рамками привычных маркировок лежит понятие генетического кода — и именно этот код нашел свое яркое выражение в творчестве Анатолия Криволапа.
На заходе солнца
Он один из самых успешных украинских художников, у него огромное количество поклонников и коллекционеров, собирающих художника «вглубь». Работы Криволапа продаются по рекордным ценам на ведущих мировых аукционах и арт-ярмарках, выставляются во всех престижных украинских музеях. А в художнике поражает его скромность — не только в быту, где он далек от «новорусской» тяги к чрезмерному роскошеству, но и в творчестве. Анатолий Криволап не относится к творцам, которые параллельно с основным видом деятельности активно делают себе пиар. Его редко встретишь на светских тусовках. Даже на творческих мероприятиях он бывает не часто. Далеко позади буйное начало 90-х, когда художник вместе с другими мастерами отечественного нефигуратива — Тиберием Сильваши, Александром Животковым, Николаем Бабаком, Николаем Кривенко и Марком Гейко входил в объединение модернистского направления «Живописный заповедник», спорил о путях развития современного искусства и т. п. Сейчас Криволап продолжает дружить с выходцами из «Заповедника», однако в творчестве избрал индивидуальный путь. Но интерес к проблематике эволюции искусства и нынешнему отечественному арт-процессу у художника не угасает. В марта 2011 года Криволап опубликовал на веб-сайте журнала ART UKRAINE свой манифест, где кратко выразил неудовлетворение нынешним состоянием актуального искусства. Эта публикация стала одной из самых посещаемых статей нашей онлайн-версии и явно вызвала широкий общественный интерес. Итак, предлагаем вам продолжение нашего диалога с живым классиком.
Март
— Сегодня вас по праву называют классиком украинского изобразительного искусства. Но с чего началось ваше увлечение живописью?
— Наверное, это вышло случайно. Я родился в Яготине, это была послевоенная эпоха, ни дорог, ни радио, ни телевидения. Когда поступала осень, в пять уже наступала ночь, делать нечего, а мы, дети, еще не спали. И я начал рисовать. Всегда думал, что рисовал лет с десяти, но потом мама рассказала, что я вырисовывал лошадок с раннего детства. И так увлекся, что другое было мне неинтересно.
— Вы начинали все же с фигуративной живописи, школу посещали в советское время, учились в училище, впоследствии в худинституте. Когда же появился интерес к абстракции?
— Это довольно длинная история. Где-то в 20 лет я впервые услышал, что в мировом искусстве существует такое направление, как абстракция, и какая-то картинка из каталога меня просто прожгла. До того я себе планировал, что буду утонченным колористом вроде Серова. В институте я специально попросился к Пузыркову, то был единственный действительно академический педагог. То есть я все делал, чтобы избежать увлечения абстрактным искусством. Но от себя никуда не денешься.
Вечернее поле
— А когда вы начали заниматься нефигуративной живописью?
— Можно сказать, что параллельно я занимался ею все время.
Мое серьезное знакомство с искусством состоялось в Риге, в 1965-67 годах, когда я служил в армии, однако имел возможность ходить на выставки. В Прибалтике не было такой цензуры, как в Украине, там можно было увидеть все — включая абстракцию. Поэтому, вернувшись в Киев, я учился с прицелом на эксперименты с цветом. Но даже когда я выполнял академическую работу, был недоволен сделанным, вплоть до бешенства, — я не знал, в чем причина, но понимал, что делаю что-то не то.
На поиск себя ушло почти 20 лет. Я работал, как в лаборатории, вел дневники, экспериментировал. Была серьезная проблема — гармонизировать яркие цвета, и я пытался ее решить. В живописи существует немало законов, например, главный закон академии: «Больше грязи — больше связи», потом все можно гармонизировать за счет белил. Но взять чистые краски, кричащие, и сделать так, чтобы они идеально совпадали — для этого нужно было найти какие-то нестандартные подходы. Меня всегда завораживали яркие цвета, но гармонизировать их я сначала не мог. И я понял, что нужно приложить усилия, чтобы справиться с такой задачей.
Заход солнца на озере
— Это трудный путь, видимо, требовал от вас недюжинной храбрости...
— Не думаю, что это храбрость, просто я не имел выбора. Я всегда знал, что творческая работа — это полет, а у меня, пока я не нашел свой путь, полета не было. Важность цвета интуитивно чувствует народное искусство, в частности украинское, в котором очень часто сочетаются открытые яркие цвета. Меня всегда удивляло, что при этом разнообразии цветов в народном искусстве палитра отечественных мастеров-академистов старой школы всегда была такой бедной.
— Несмотря на такую ощутимую связь с народной традицией, вы один из пионеров современного искусства в Украине; объединение «Живописный заповедник», в который вы входили, было в начале 90-х флагманом актуального искусства, которое пришло на замену соцреализма. Как случилось, что вы стали именно на этот путь?
— Я никогда с него не сходил, никогда не был советским художником. Я окончил институт, за два года отработал норму для Союза художников, а по тем временам это был редкий случай, чтобы за такой срок сделать три республиканские выставки. Я мог вступить в молодежную секцию Союза художников, но не пошел туда.
Озеро. Утро
— А чем вы занимались все это время?
— Экспериментировал. Живописный материал выводил на какие-то искания и новые шаги. В моем творчестве не происходило революций, это была просто эволюция.
— Интерес к нефигуративному искусства был скорее присущ модернистской эпохе, а затем мировое искусство пошло дальше. Когда вы активно занимались абстракцией, в Европе были уже совсем другие, постмодернистские ориентиры. Пережили ли вы после краха СССР травму всезнайства, характерную для отечественной гуманитарной интеллигенции?
— Я считаю, что искусство — эгоистично, и каждый должен прожить свою судьбу, как она есть. Я всегда был настолько погружен в собственные отношения с цветом, что даже не особенно интересовался всеми этими течениями. Посмотрите, сколько раз хоронили живопись, но она жива. И пока есть краски, пока есть люди, рожденные с даром общения через краски, до тех пор будет и живопись. Даже наши отечественные художники, которые в 90-е быстренько бросили кисти, чтобы поиграть с фото и видео, впоследствии вернулись в живописи.
Возле озера
— А вам были интересны эксперименты с новейшими медиа?
— Я лет двадцать очень внимательно присматривался к новым медиа, ходил на выставки, но это искусство меня не трогало и не трогает. Думаю, что художники делятся на группы: у одних очень богатая фантазия, они обычно «выдумывают миры», пишут сложные композиционные фигуры, кто-то, наверное, более способен к актерству, самопиару, другие видят какие технологически интересные вещи, а еще кто-то горазд на приколы. А если у человека лучший язык, которым он владеет от природы, — живопись, то нет смысла порывать с ней. Другое дело, что, действительно, новое время требует новой формы.
— Вы активный культурный турист: часто ездите за границу, бываете на ведущих художественных выставках?
— Умеренный. Я просто не имею такой необходимости. Считаю, это в молодости важно получить максимальный объем информации, а дальше путь идет к себе.
Озеро. Восход месяца
— Недавно вы стали самым дорогим художником Украины, ваши работы есть и в Национальном художественном музее, и в других ведущих собраниях, то есть творческая карьера сложилась. Вы себя чувствуете метром?
— Я человек, который всегда сомневается, поэтому такого ощущения нет. А относительно того, что я дорогой… Я был самым дорогим изначально, то есть еще с 1990-го года. С тех пор я цены все время только поднимал. У меня был контракт в Германии, моя работа еще в 1992-м году была продана за 11 тысяч марок (87 х 105). Когда я приехал в Киев, здесь все отдавали работы по 200 долларов, а мои произведения уже стоили тысячи.
— А сегодня где вас покупают больше — вы работаете на отечественного или западного коллекционера?
— Первые 15 лет у меня вообще не было клиентов в Украине, а в последние 5 лет практически все мои коллекционеры из Украины.
Вечерний берег
— Вас не утомляет присутствие на всех мероприятиях, где участвуют ваши работы?
— Я никогда не присутствовал даже на открытии собственных выставок. Это для меня пытка — пережить открытие. Собственно, моя позиция была всегда такая: художника должны знать по работам, а не в лицо.
— Насколько быстро вы работаете? Успеваете удовлетворить спрос на вас? Например, для многих художников, выходящих на глобальный рынок, это очень значимая проблема, потому что их скорость продуцирования не совпадает с бешеным спросом на них, и очередь за их творчеством может выстраиваться на несколько лет.
— Я думаю, это вопрос технологии. В таких случаях, как правило, создается искусственная ситуация, ажиотаж. Но это не значит, что у художника нет работ. Я знаю такие случаи, что художнику запрещали писать, чтобы он стоил дороже.
Что касается меня — иногда полотна стоят годами, а иногда за час может появиться большое полотно. Это не зависит ни от моего желания, ни от необходимости, ни от чего — это чистый случай.
Украинский мотив. Хата
— Вы следите за событиями в современном украинском искусстве, за его развитием, за последующими поколениями?
— Конечно. Но я больше в роли наблюдателя и в ожидании.
— То есть вы все еще не нашли своих единомышленников среди молодых коллег?
— Я бы очень хотел, но пока не видел. Современное искусство обладает чрезвычайно широким спектром, и в этом спектре пока я не видел каких-то решений интересных. А о выставках — актуальное искусство все же должно быть очень четко привязано к жизни, а когда такой привязки нет, то это больше похоже на игру.
Полонина Карпат
— Актуальна ли для вас коллективная модель художественной рефлексии и осмысления реальности?
— Нет, эти времена позади. В человеческом плане у меня немало хороших отношений, но в творческом... В начале 90-х был период, когда нас, художников круга «Живописного заповедника», творческое общение очень обогащало. Но потом мы разошлись, каждый пошел своей тропкой. Это нормально.
— Западная художественная система устроена таким образом, что художник, достигая определенной степени успешности, определенного возраста, начинает учить следующее поколение. А вы где-то преподаете?
— Я пробовал преподавать. Я даже подготовил несколько художников, и по цветовым решениям их легко узнать. Получилось какое-то клонирования. А потом я вообще почувствовал, что сам начинаю делать не то, что хотел бы, и понял, что эти эксперименты надо прикрыть.
Вечер на озере
— Но кто-то же должен учить людей!
— Должны учить посредственные художники... Они дают основу, базу, а дальше человек должен следовать сам. Проще, конечно, взять и перенять чужое видение, но так хорошим художником не станешь. Поэтому я не вижу смысла учить. Сильные выживут сами и найдут свой язык. Художественный язык — это код. Художник кодирует образами, поэт — словами, но кодируются чувства и мысли, не идеи. Мне очень смешно, когда в искусстве говорят об идеях. Идея может быть в науке, философии, ибо там есть открытие. Я не знаю среди художников ни одного философа.
— Насколько вам интересна история искусства, с кем из художников вы можете вести диалог сквозь время или сквозь пространство?
— Это стандартная ситуация всех художников: все проходят практически через всю историю искусства для того, чтобы прийти к себе. На каждом этапе у меня был какой-то свой образец, с которым я мог бы вести разговор.
— Какими мыслями, ощущениями вы живете сегодня, чем дышит ваше искусство?
— Я вернулся к такому аутсайдеру в искусстве, как пейзаж. Пейзаж, который сделал, собственно, и революцию, и эволюцию всего искусства, — с начала ХХ века был практически выброшен за его пределы. Я всегда для поддержки, для расписки писал этюды, пейзажи — и недавно понял, что мне это стало интересно как большой проект.
— Давно ли произошло это возвращение?
— Я пишу пейзажи всю жизнь. Когда делал абстракции, то параллельно делал и пейзажи, даже в 90-е годы. Потом увидел, что выше хатки, украинского мотива я планку не подниму, поэтому пошел в абстракцию, которая открыла совершенно иные горизонты, новые ощущения. Но когда я переехал жить сюда, в Засупоевку, мне захотелось чего-то действительно украинского, может, даже гоголевского. И я осмысленно вернулся в пейзажной живописи.
— Ваш пейзаж граничит с абстракцией, иногда не можешь угадать, это абстракция или фигуратив.
— Да, я остаюсь верным абстракции, потому что считаю, что на данный момент абстракция — самое интересное, что человечество создало в искусстве.
— Отличительная черта ваших произведений — очень активный, своеобразный фиолетовый цвет, на грани красно-сине-лилового... Это просто дань красоте заката или проявление некоего специфического внутреннего состояния?
— Это внутреннее состояние. Ведь я не рисую собственно пейзаж, а создаю эмоциональное пространство.
— Что значит для вас этот цвет?
— Это, наверное, вневременность. Я как-то с детства не чувствую времени, никогда не воспринимал реальность такой, какая она есть, видел все через собственные чувства.
— А вы не боитесь не поспеть за временем? Упустить какой-то важный аспект настоящего?
— Мне направление contemporary напоминает марафон — съезжаются люди со всего мира, бегут, но это все временная штука, сегодня марафон в Сиднее, завтра в Германии. Посмотрите, как быстро меняются все эти направления. Искусство — это такой корабль, огромный и тихий, который плывет строго по своему курсу, а вокруг снуют катера, шлюпки. В искусстве надо жить собственными чувствами, мыслями и собственным миром, иначе ты будешь просто участвовать в каком нелепом марафоне. Кому это интересно — он бежит. Мне так жить неинтересно.
— А что остается, когда останавливается время?
— Для одного каталога я написал, что тишина — это встреча вечности с обыденностью, думаю, что эта фраза может быть вам ответом. В принципе, такое же солнце, такая же зелень существовали на Земле и две, и три тысячи лет назад, и художники тогда что-то делали, но видели все всегда одно и то же. Все в мире стабильно, а есть просто смена интересов, восприятия и отношения. Каждый должен находить свой путь.
— У вас такой интровертный взгляд на искусство. Не вызвано ли это влиянием религии? Вы верующий человек?
— Я не слишком углублялся в эти вопросы, такие вещи чувствуются на интуитивном уровне. Я всю жизнь работаю с красками, и то, что с ними делается, действительно может сделать из неверующего человека верующего. Когда начинал, я был очень самоуверенным, думал, что легко сделаю так, как я хочу. Но сколько ни делал, ничего не получалось. Это продолжалось очень долго, пока меня интуитивно не перемкнуло. И во время работы там, где нужно было взять серым, я начал брать желтым, либо синим, либо красным, — а потом удивлялся, как такое может быть. Я научу колориту, гармонии даже медведя, но это еще не значит родить художника... Я просто труба — сквозь меня что-то идет, и я это воплощаю. И это состояние, наверное, самое счастливое, но такие моменты в творческой жизни, к сожалению, нечасты.
— Вы поселились в замечательном месте, на природе, занимаетесь любимым делом. А что еще вас интересует, чем вы живете, кроме живописи? Интересуетесь ли вы, например, политикой?
— Как обычный человек я все вижу, но, несмотря на свой бешеный темперамент, не позволяю себе сильно въезжать в такие вещи, иначе просто не смогу нормально работать. Я считаю, что качественно делать свою работу — это лучшая политическая позиция.
— «Мир ловил меня, но не поймал», как писал Сковорода?..
— В определенной степени да. Я прожил жизнь только с работой, и весь интерес всегда был в ней. Все, что вне ее, — это, пожалуй, процентов 10% моей жизни. Я даже не заметил, как дети выросли, как я прожил это время.
— Ваши потомки пошли в художники?
— Дочь. Сын у меня машинист, как мой отец, ведь я из семьи железнодорожника. Дочь с детства начала рисовать, обладает чрезвычайным колористическим даром, то, что я брал работой, экспериментами, опытами, она имеет от природы. Хорошо это или плохо — время покажет. Потому что именно препятствия делают свое доброе дело, в том плане, что человек или отступается, или, наоборот, становится сильным и вырабатывает характер, необходимый для художника, позиции и все остальное.
Опубликовать репродукции работ Криволапа в газете невозможно. Полиграфия не передаст игры цвета, которая уже очаровала поклонников искусства во всем мире и сделала их автора самым продаваемым украинским художником. 29 мая на аукционе Sotheby’s в Лондоне его пейзаж "Ночь" был продан за $83 700. Покупатель - англичанин, его имя не называют.
А в прошлом году за его "Луну над рекой" и "Степь" заплатили 48 и 98 тысяч долларов соответственно. А за работу "Конь. Ночь" - ее считают самой мистической у художника - в Нью-Йорке не пожалели 124 тысячи долларов.
В чем секрет успеха? Арт-дилер Игорь Абрамович считает, что это - душа, которая скрыта в картинах Криволапа.
- "Новый украинский пейзаж", как окрестили творчество Криволапа, завораживает! Прежде всего яркими насыщенными красками, где даже занесенный в "холодные" густо синий цвет кажется невероятно теплым. К такой манере письма автор пришел не сразу, поскольку в молодости получил классическое образование. Но стал искать себя, переживая, как все творческие люди, этапы разочарования, за которым следовали взлеты. Пережить один из самых тяжелых моментов в жизни Криволапу помогло тихое село Засупоевка в Киевской области, которое с 2000 года стало для него источником вдохновения. В своей мастерской в этом селе Криволап и сейчас проводит все свободное время. На светские тусовки он не ходит, с прессой не общается. Правда, для "КП" сделал исключение.
Самый трудный период я пережил с 1976 до 1989-й, - рассказал нам художник. - Годы поиска и переосмысления... После все складывалось относительно хорошо. Аукционы - это хорошо, но в нынешнем году я стал лауреатом Национальной премии им. Шевченко. Эти последние годы стали для меня наиболее успешными.
Анатолий Дмитриевич, в ваших картинах доминирует синий, фиолетовый, ярко оранжевый цвет. Почему вы выбрали именно такую гамму?
Это скорее не я выбрал цвет. А цвет выбрал меня. Но если серьезно, это интуитивно...
Имя самого дорогого художника Украины что означает для вас: признание, славу, материальное благополучие?
Думаю, для каждого творческого человека главное - это самореализация. Все остальное второстепенно.
На что тратите деньги, вырученные от продаж?
Большинство моих картин, которые выставляются на аукционах, в том числе украинских, написаны мною, но не принадлежат мне. Как и гонорары. (Художник намекает на то, что картины, за которые заплатили крупные суммы, были выставлены на торги не им, а перекупщиком. - Прим. ред.) Работа художника материально - дорогостоящее занятие. Покупка холстов, красок и оплата мастерской. Семья… Продажа картин на самом деле носит нестабильный, периодический характер.
Есть картина, которую вы еще не успели создать?
Известно, что художник переживает "роман" с каждой картиной. А когда он заканчивается, всегда надеешься, что новая будет полнее, интереснее. Иначе дальнейшая работа просто не имела бы смысла.
В тему
В мае этого года на Sotheby"s продали за 119,9 миллиона долларов картину норвежского художника Эдварда Мунка "Крик". Это самая большая сумма, которую когда-либо платили за произведение искусства на аукционных торгах.
Кстати
ТОП-5 самых дорогих художников Украины
Александр РОЙТБУРД. В июне 2009 года на лондонском аукционе его картина "Прощай, Караваджо!" была продана за $97 000.
Василий ЦАГОЛОВ. Летом в Лондоне 2009 года его работа из цикла "Офисная любовь-2" ушла в руки западного коллекционера за $53 600.
Олег ТИСТОЛ. На торгах Phillips de Pury & Co "Море" Тистола из проекта "ЮБК" купили за $28 750.
Александр КЛИМЕНКО. Летом 2011 года его "Индия. Гоа" стала самым дорогим украинским лотом аукциона Phillips de Pury & Co и была продана за $25 000.
Игорь ГУСЕВ. На том же аукционе картина "Возвращение Элвиса" из коллекции "Космо" была продана за $16 000.
Для сравнения, в 2008 году на том же лондонском аукционе Phillips de Pury & Co картину "Жук" российского художника Ильи Кабакова продали за 6 миллионов долларов.
