Как художник Врубель сформировался стремительно. В искусство он пришел уже взрослым, образованным человеком. Михаил Врубель не имел ни учеников, ни последователей, составивших школу. еще при жизни снискал себе успех, но к этому времени художник был уже безнадежно болен, и почести не были ему нужны. За ним на долгое время укрепилось представление как о человеке странном и неуравновешенном. Врубелю важно было жить творчеством, а не творить искусство. Он удивлял своих друзей нелепыми — с их точки зрения — выходками: мог в состоянии неуравновешенности записать прекрасную картину, над которой долго и упорно работал до этого, ничего не значащим изображением цирковой наездницы; в порыве гнева он разрывал прекрасные акварельные листы, выбрасывал великолепные наброски. Он ценил не столько результат, сколько сам творческий труд, процесс, момент художественного озарения. Широко образованный, знавший несколько европейских языков, всегда аккуратно и даже щегольски одетый, вежливый и тактичный, хотя иногда и способный взглянуть на собеседника свысока, Врубель при этом почти всю жизнь бедствовал, иногда оставаясь с пятью копейками в кармане или с трудом перебиваясь малым вознаграждением, получаемым за уроки рисования. Он болезненно ощущал несправедливость, но специально не искал успеха, его не интересовали художнические дела, он даже не ходил на выставки. Но при этом уязвленное самолюбие заставляло его подчас бросать обидные слова в лицо своим друзьям-художникам, которые прощали своего друга, истолковывая его слова как причуды больного гения. Из жизни своей Врубель сам творил легенду. Это черта, исконно присущая романтической личности. Он жаждал свершений, сильных впечатлений, больших событий. Внутренняя жизнь, полная конфликтов, потрясений, словно сотрясала его внешнюю жизнь. Круги, расходившиеся от его внутреннего напряжения, достигали не только всех обыденных обстоятельств бытия, но проникали в плоть каждого произведения. Рукой художника как бы водила его внутренняя боль, его душевная борьба. Движение руки становилось прямым выражением душевного движения.
В самом характере искусства Врубеля, в системе его художественного мышления можно найти многочисленные проявления романтической концепции художественного творчества. Врубель был едва ли не первым среди деятелей русской художественной культуры, кто начал движение к символизму. В конце XIX в. художественная культура России переживала период формирования нового стиля (в России он получил название «модерн»). Язык живописи в этом стиле приобрел ярко выраженные черты декоративности‚ твердую линейно-структурную основу и кроме этого подчинил свои открытия не только изображению, но и преображению натуры. В России Врубеля можно считать родоначальником этого стиля.
Вместе с Врубелем в русском искусстве утверждался новый тип художника — художника-универсала. Врубель писал картины и большие панно, расписывал стены храма и делал витражи, создавал иллюстрации и книжные знаки, занимался театральной декорацией и прикладным искусством, скульптурой и архитектурой, даже делал в Талашкине (имении княгини Тенишевой) эскизы гребешков и росписи на балалайках.
Голова демона (раскрашенный гипс) (1890)
Голва ливийского льва (горельеф маска) (1892)
Садко (эскиз блюда, майолика) (1899)
Михаил Александрович Врубель (1856-1910 гг.) родился в семье военного и провел свое детство в разных городах — в Омске, Астрахани, Петербурге, Саратове, Одессе. Окончив сначала классическую гимназию, 5 лет он проучился на юридическом факультете Петербургского университета и лишь потом — в 1880 г. — поступил в Академию художеств. В доакадемические годы в нем уже пробудился интерес к искусству, выявившись в некоторых рисунках, свидетельствующих о необычности его таланта. В Академии счастье улыбнулось Врубелю — он попал в поле зрения П.П.Чистякова, воспитавшего чуть ли не всех лучших живописцев последней трети XIX в. Между тем Врубелю не удалось окончить Академию. Он был призван А.В.Праховым, историком искусств и археологом, руководившим в то время росписью Владимирского собора‚ к деятельности в Киеве в качестве художника-монументалиста.
Пять лет (1884-1889 гг.) Врубель провел в Киеве, изредка выезжая оттуда, в частности в Италию. В Киеве Врубель ярко проявляет себя в монументальной и станковой живописи и в графике. Уже тогда складывается его образная и живописная система, уже тогда он открывает в себе тягу к символическим категориям, а в искусстве своем заковывает принцип нового стиля.
В академические годы творчество художника естественно разделилось на две линии — одна вела к академическим традиционным образам (например, «Пирующие римляне»), а другая стимулировала самостоятельное творчество: он рисовал акварелью портреты знакомых, писал акварельную композицию в собственной мастерской (он делил ее со своими друзьями Серовым и Дервизом). Затем начал писать картину, которую не закончил («Гамлет и Офелия») и к сюжету которой вернулся через пять лет.
Автопортрет (1882)
Пирующие римляне (1883)
Гамлет и Офелия (1884)
Больших успехов эти опыты не принесли. Зато в те годы вырабатывалась художническая позиция Врубеля. Вместе с друзьями он испытал сначала влияние Репина, пользовался его советами. Но его творческий темперамент не позволил ему остаться в рамках творческих установок, характерных для старших передвижников. В серьезной, вдумчивой работе акварелью над портретами и композициями Врубель искал то, что называл «любовной беседой с натурой». Эта позиция раскрыла перед художником новый путь.
Реальные плоды этот новый путь начал давать во время работы в Кирилловской церкви в Киеве, где Врубелю надлежало подновить старые фреоновые росписи XII в. и местами создать новые композиции; художник один на один встретился с огромными поверхностями стен и потолков. Он воспроизвел главную сцену своей росписи «Сошествие Святого Духа» на своде хор без картонов, по маленькому эскизу, действуя как старый мастер, неведомо откуда обретая уверенность и силу ренессансного художника. Врубеля волновал в то время византийский стиль; он видел его главную черту в соблюдении плоскости, на которой нанесено изображение, поэтому придавал особое значение рисунку, ритму складок, общей орнаментации поверхности. Он стремился проникнуть в существо старого стиля, но вместе с тем осовременивал своих героев. Лучше всего художник сумел интерпретировать средневековое наследие в сцене «Надгробный плач», где главным образным средством стали мягкие ритмы и плавные линии.
Богоматерь с младенцем. Кирилловская церковь. Киев (1885)
Сошествие Святого Духа
Вслед за первым монументальным опытом должен был последовать второй. В Киеве заканчивалось строительство большого Владимирского собора, который должен был быть расписан. Для этих росписей приглашаются уже опытные мастера — Виктор Васнецов и художники академического направления братья Сведомские и Нотарбинский. Врубель по предложению Прахова тоже начал работать над эскизами. Но они получились такими необычными, что испугали заказчиков. Единственное, что из эскизов Врубеля было осуществлено, это проекты его орнаментов, составленные из элементов органического мира цветов, листьев, птиц, женских ликов. Врубелевские орнаменты чрезвычайно типичны для стиля модерн — гнутые линии, переплетающиеся стебли растений, рассыпанные блестки павлиньих перьев.
Воскресение. Эскиз росписи Владимирского собора. Киев
Сам Врубель с большим вниманием относился к своим орнаментам, но гораздо большие надежды он возлагал на сюжетные композиции. Более всего он работал над двумя сюжетами — «Надгробный плач» и «Воскресение» (1887). Эскиз «Надгробный плач», выполненном черной акварелью, фиксирующий замершее, остановившееся движение Богоматери над телом Христа, очищенный от деталей, конкретных примет пространства и времени, этот эскиз воплощает вечную тему смерти. Трагическое чувство освобождается от перенапряжения. Фигуры словно парят в безвоздушном пространстве. Их бесплотность подчеркнута холодным светом, преображающим сцену.
Надгробный плач
Надгробный плач (вариант)
Интерес к мистическому свету, преображающему реальность, проявился во всем творчестве Врубеля 80-х гг. В Киеве складывается вся художественная система Врубеля. В графических автопортретах того времени, в рисунках, запечатлевающих обыденные сцены реальной жизни, свет действует как средство драматизации художественного образа. Иногда, как кажется, он имеет реальный источник, иногда, льется неведомо откуда, произвольно выхватывая предметы или части фигур.
Портрет старушки Кнорре за вязанием (1883)
Натюрморт. Ткани (1884)
Сальери всыпает яд в бокал Моцарта (1884)
Тогда же у Врубеля складываются и другие средства преображения реальности. Он тяготеет к орнаментальной структуре своих произведений, что проявляется как в живописи, так и в графике. Одной из первых полноценных и завершенных живописных работ Врубеля стала «Девочка на фоне персидского ковра» (1886). Ради красоты орнаментального начала Врубель прибегает к постановочности сцены. Моделью художника была выбрана дочь владельца антикварной лавки. Врубеля привлекла пестрота ковра, яркость платья, сама обстановка антикварной лавки с ее магической притягательностью старинных вещей.
Девочка на фоне персидского ковра (1886)
По-своему складывается орнаментализм в графике. Врубель сразу же начал рисовать своеобразно. В его задачу входило не только изображение предмета или фигуры, но и организация плоскости листа, сведение этих элементов в определенную структуру. Главным достижением этой структуры становилось ритмическое повторение определенных графических элементов — параллельных штрихов, заштрихованных плоскостей, запятых. Орнамент при этом не вступал в противоречие с предметным изображением.
В 80-е гг. Врубелю не так часто приходилось работать над картинами, выполненными масляными красками, то есть в той технике, в которой ему предстояло создать в будущем большинство своих шедевров. Но уже, тогда у него зародились замыслы будущих программных живописных произведений, уже тогда эти замыслы формировались мучительно и сложно. Он работает над образом Христа, многие годы вынашивает образ Демона, берется за картину о нем, пишет и неоднократно ее переделывает. Наконец, в конце десятилетия возвращается к «Гамлету и Офелии», делая при этом Гамлета родным братом своего пока еще не состоявшегося Демона. С такими мыслями он входит в самое значительное десятилетие своего творчества — в 90-е гг.
Гамлет и Офелия (1888)
С 1889 по 1902 гг. врубелевское творчество переживает высший расцвет, пору своей зрелости. Именно это время было отпущено судьбой для того, чтобы развернулся полностью талант художника. В 1902 г. пришла болезнь, и Врубель от активного творчества должен был отойти, хотя некоторые его графические работы достигали высокого совершенства. Именно в 90-е гг. проявился универсализм художника. Тогда же реализовалась тема Демона, почти всю жизнь сопровождавшая Врубеля.
Первый «Демон» был закончен в 1890 г. Он стал центральным произведением художника, собрав в себе все то, что уже было сделано прежде, и наметив пути вперед. Врубель позиционирует своего героя как выразителя демонического начала и вместе с тем подчеркивает сложность своего Демона -дух, соединяющий в себе мужской и женский облик. Врубелевский демонизм - это демонизм в смягченной форме, вне крайностей индивидуализма, с оттенком того всеобщего страдания за людей, которое красной нитью проходит через всю русскую культуру XIX в. В этой картине Врубель выступает как символист. Содержание его символа невозможно определить с исчерпывающей точностью. Он чрезвычайно сложен и многогранен. Его нельзя свести к каким-то определенным категориям — томлению или жажде красоты, к тоске или отверженности. Образ не может быть исчерпан, он остается открытым. «Демон» дает зрителю возможность теряться в догадках, расширяя в своем представлении содержание образа до беспредельности.
Демон сидящий (1890)
Это исчезновение конкретной единичности идеи, привязанности к определенному жизненному факту определяет установку художника на условный образ и художественный язык. Врубель отказывается от непосредственного восприятия натуры, от фиксации движения окружающего мира — он ищет нечто постоянное, не подверженное мгновенному изменению. Демон замер в позе ожидания и созерцания. Это состояние неподвижности может продлиться долго. Оно как бы входит в замысел художника, избавляет его от описания конкретных условий пространства и времени. Врубель не изображает, а создает, строит, конструирует. Он помещает фигуру в пространстве таким образом, что в картине создается равновесие между фигурой и окружением, между передним планом и глубиной. Мощный, словно вырубленный из твердого материала торс Демона располагается посередине. Он отделяет друг от друга равные части — огромные неземные цветы, занимающие справа всю плоскость картины, и небесное пространство, открывающееся слева — для Врубеля все части мира однородны. Художник работает широким мазком, часто он предпочитает мастихин кисти: мазок превращается в цветовую плоскость, цветовые пятна, ложащиеся на поверхность, уподобляются мозаичным камням. Общий красочный строй соответствует не реальному состоянию природы, а состоянию человеческой души: серые, лиловые, синие выражают меланхолию, душевное томление.
Голова демона
Голова демона на фоне гор
Демон и ангел с душой Тамары
Демон летящий
Демон летящий
Демон смотрящий
Демон у ворот монастыря
Демон у стен монастыря
Демон, смотрящий в долину
Демон, смотрящий на танец Тамары
Свидание Тамары и Демона
Тамара в гробу
Тамара и демон
Вслед за первым живописным «Демоном» в 1891-1892 гг. появилась серия рисунков к произведениям Лермонтова, и в частности к поэме «Демон». Лучшими рисунками к поэме оказались листы «Несется конь быстрее лани» и один из вариантов «Тамара в гробу». В последнем собралась вся нежность художника к человеческому существу, его сострадание. В первом рисунке, выполненном акварелью, всеми средствами подчеркнут стремительный бег коня с мертвым всадником в седле. Бегущие друг за другом: пятна акварели, граненые формы фигур, разрезающих воздух, вихрь мазков, — таков язык Врубеля в этом рисунке.
Иллюстрация «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь» (1890-е)
Иллюстрация «Григорий Печорин на диване» (Роман М.Ю.Лермонтова «Герой нашего времени»)
Иллюстрация к поэме М.Ю.Лермонтова «Измаил-Бей»
Иллюстрация «Дуэль Печорина с Грушницким» (Роман М.Ю.Лермонтова «Герой нашего времени»)
Иллюстрация к стихотворению М.Ю.Лермонтова «Журналист, читатель и писатель»
Иллюстрация к стихотворению М.Ю.Лермонтова «Русалка» (» Русалка плыла по реке голубой, озаряема полной луной…»)
«Демон поверженный» (1902) — последнее законченное полотно Врубеля — завершает его «демониану». Герой художника гибнет — не в бессмысленной и холодной борьбе с жизнью и смертью, а в борьбе неравной. Это не борьба добра и зла. Это борьба с судьбой, угнетающей личность, в конце концов убивающей ее. Герой сопротивляется до конца. Образ его смерти — и реквием, и своеобразный гимн сопротивлению. В этом гимне что-то торжественное, возвышающее. Сам Врубель называл свою картину иконой. В «Демоне поверженном» вполне определенно выявлен тот принцип стиля модерн, который можно охарактеризовать как орнаментальность. Взор зрителя движется по поверхности картины (а не в глубину), постигая ритм повторяющихся линий и пятен, что типично для целого ряда картин и панно художника: для «Венеции» (1893), в которой мотив великолепного шествия дает повод для сопоставления на плоскости голов, фигур, роскошных одеяний, для «Богатыря» (1898), где растительные формы, фигуры богатыря и коня сплетаются в клубящемся ритме, для панно, посвященных Фаусту (1896), где ритмы организованы остроугольными формами, колючими и иглообразными, для ряда графических произведений. В «Демоне поверженном» соединяется реальное и фантастическое, реальность преодолевается деформацией фигуры. Поверженный герой изогнут, поломан; его тело утопает в фантастических перьях, напоминающих скорее бутафорию, чем живое проявление природы. Рядом с этим условным миром разломанной красоты в картине присутствуют совершенно реальные детали пейзажа — горные вершины писались художником по фотографии.
Демон поверженный (1902)
Демон летящий (1899)
Венеция (Декоративное панно) (1893)
Богатырь (Декоративное панно) (1898)
Полет Фауста и Мефистофеля (1896)
Гадалка (1895)
В иных случаях натурное начало преобладает, тогда фантастическое художник выискивает в самом объекте - например в пророчице, разгадывающей будущее людей («Гадалка» (1895). Но образный строй все равно остается метафорическим. Как паутиной времени, покрыт этот холст серовато-лиловым флером, сквозь который, как драгоценные камни, пробиваются сияющие внутренним светом предметы.
Панно «Испания» (1894), казалось бы, приближает нас к бытовой ситуации. Но художник не растворяет образы в бытовизме. Напротив он напрягает их. Этому напряжению соответствует и композиционная логика картины, в которой живописная плоскость борется со стремительным движением в глубину, выраженным преувеличенным сокращением предметов первого плана.
Испания (1894)
Врубелевские произведения озарены чем-то необычайным — даже тогда, когда художник не выбирает своим предметом заведомо возвышенные мотивы и ситуации. Картина «К ночи» (1900) может служить в этом отношении прекрасным примером. Художник обращается к сцене ночного, которая в сельской является обыденностью. Из этой сцены он извлекает нечто таинственное, почти мистическое. Горят прекрасные цветы чертополоха. Они зажигают ночной пейзаж причудливыми отблесками. Настороженно и тревожно переступают с ноги на ногу кони, пасущиеся неподалеку. Врубель одушевляет природу, он наделяет волей цветы, сообщая им способность чувствовать, воздействовать на людей своей завораживающей магией.
К ночи (1900)
Цветы были излюбленным объектом художника: он пристально вглядывался в сложную конструкцию цветка, создавая свои карандашные этюды. Цветы часто фигурируют и в картинах мастера. Иногда это «цветы зла», иногда образы неподвластной человеку стихии. В картине «Сирень» (1900) зритель особенно остро ощущает стихию цветения, рост куста, запах, идущий от цветов, дурманящий и терпкий. Загадочная фигура девушки, слоimg style=div style=laquo;Демоне поверженномp style= border=вно сросшейся с кустом сирени, усиливает идею слияния одушевленного и неодушевленного, переплетения форм того и другого. Из этих переплетений рождаются у Врубеля персонажи, весьма типичные для европейского символизма и модерна, — полулюди-полуживотные, полулюди-полурастения: «Царевна-Лебедь» (1900), пришедшая на холст из оперы Римскогtext-align: center;div style= 0text-align: center;о-Корсакова, две молодые женщины, словно вырастающие из спирали «Жемчужина» (1904), «Богатырь» с его огромным конем, растущим из земли, как травы и кусты. Все здесь подвержено метаморфозам. Одна из центральных картин, в которых эта тенденция проявилась особенно последовательно — «Пан» (1899). Превращая античного пана в русского лешего, Врубель изображает его с цевницей в руке, как бы вырастающего из земли, торчащего, как замшелый пень. Глаза его светятся, как звезды, уравновешивая своим сиянием свет, льющийся от месяца, половина серпа которого уже зашла за горизонт.
Царевна-Лебедь (1900)
Жемчужина (1904)
Даже в портрете Врубель подвергает модель разного рода уподоблениям. Портрет жены Н.И.Забелы-Врубель (1898), казалось бы, целиком построен на передаче первого впечатления от натуры. Он написан легко, пленэрно. Но, создавая образ женщины, полный обаяния и красоты, живописец и здесь уподобляет ее фигуру и голову какому-то цветку, распускающему свои пышные лепестки навстречу солнечному свету.
Портрет артистки Н. И. Забелы-Врубель, жены художника, в летнем туалете Empire, исполненном по замыслу художника (1898)
Чаще всего, создавая портрет, Врубель подходил к модели с уже заранее сложившейся идеей, вкладывал в эту модель собственные черты. Это чувствуется в портретах 1897 г. — К.Д.Арцыбушева, С.И.Мамонтова. В характере последнего художник подчеркнул демонизм, мятущуюся страсть. Интересно живописно-пластическое решение, с помощью которого художник воплотил свои идеи. Он словно сжал пространством фигуру Мамонтова, пригвоздил ее к плоскости. Намеренно выделив белое пятно манишки, художник «поставил» его на острие треугольника, тем самым заставив шататься и придав композиции неустойчивый, динамический характер. Чередование света и тени еще более усилило эту динамику. Рядом с портретом Мамонтова можно поставить последнее произведение Врубеля - графическое изображение Валерия Брюсова (1906), нарисованное углем и сангиной. Созданный художником образ ярко выражает представление мастера о поэте как о пророке и носителе истины. В портрете достигнута необычайная конструктивность рисунка.
Портрет К.Д.Арцыбушева (1897)
Портрет Саввы Мамонтова (1897)
Портрет Т.С. Любатович в роли Кармен (1895)
Царевна Волхова (Н.И. Забела) (1897)
Дама в лиловом. Портрет Н.И. Забелы Врубель (1900-е)
С 1903 г. Врубель занимается только графикой: в больницах невозможно было писать красками, а краткие промежутки между лечениями также не способствовали этим занятиям. Поздние рисунки относятся к разным жанрам. Через окно лечебницы художник рисовал пейзажи. Больные, санитары позировали ему, и тогда возникали портреты-зарисовки. Иногда получались целые сцены — играющие в шахматы, беседующие. Часто художник изображал окружающие предметы, и тогда возникали натюрморты: графин, стакан, простыня, платок и т.д. Врубель видит простые предметы как некую одушевленную плоть вещей. При этом не прибегает ни к деформации предметного мира, метафора возникает сама собой. При взгляде на смятую простыню или висящее платье, формы которого прослежены с невероятной тщательностью, возникают ассоциации, смысл которых выходит далеко за пределы самого предмета. Чувствуется желание художника постичь сокровенную суть самых простых вещей, узнать их первородное естество.
Кровать (1903-1904)
Кампанулы (1904-1905)
В это же время в графике создаются и образы иного характера: Врубель обращается к теме пророка. Начинается это с попытки сделать иллюстрации к «Пророку» А.С.Пушкина еще в 90-х гг. Затем эта тема как бы отчленяется, приобретая самостоятельность. «Пророк» заменяет «Демона».
Одна из вершин творчества Врубеля — его поздние графические автопортреты, выполненные в 1904-1905 гг. Когда не было моделей, он рисовал себя. В этих рисунках была заключена целая программа. Автопортреты не лишены известной доли самолюбования. Но если внимательно приглядеться, можно заметить, что в каждом автопортрете содержится немой вопрос или упрек, недоумение перед лицом неразрешимых жизненных проблем, боль, скрытое отчаяние или мужественное смирение. Все эти чувства скрыты некоей формой отчуждения. Но стоит лишь проникнуть сквозь него в глубину, как перед глазами раскроется потрясающий документ трудной судьбы и трагического конца. В поздних рисунках Врубеля рядом с конструктивными элементами выступают некоторые признаки экспрессионизма.
Хождение по водам (Эскиз стенной живописи) (1891)
Венеция. Мост Вздохов (1894)
Принцесса Греза (Декоративное панно) (1896)
Шестикрылый серафим (1904)
Как истинный художник «нового стиля» Врубель постоянно стремился к воплощению красоты. Он возвышал повседневность — в обыденности привычного он не находил мотивов для своего творчества. Отсюда отрицание бытового жанра, к которому почти никогда не обращался художник, интерес к Демону и Пророку, Фаусту и Гамлету. Среди «моделей» художника мы находим прекрасные, извечно ценные предметы — ковры, раковины, великолепные платья, редкие цветы — азалии или компанулы. Культ красоты был своего рода религией для многих людей того поколения. Художник-творец упивался этой красотой, поднимаясь к вершинам творческого экстаза. И падения с этих вершин были сопряжены с отчаянием, тоской и меланхолией. Жизнь художника проходила между этими двумя крайностями. Красота нередко оказывалась эфемерной; падение отрезвляло, но от этой трезвости хотелось воспарить еще выше. В конце жизни Врубель упрекал себя за то, что где-то преступал нравственную границу. Но сам по себе этот укор был свидетелем истинной нравственности художника.
М ихаил Врубель увлекся рисованием еще в детстве. По настоянию отца он должен был стать юристом, однако позже оставил это поприще, чтобы поступить в Академию художеств. Михаил Врубель писал иконы и фрески, работал с мозаикой и рисовал эскизы театральных костюмов, создавал декорации и огромные живописные полотна. Он стал автором «демонического цикла» - серии работ из картин, иллюстраций и скульптуры с главным героем Демоном.
«Действительный студент» Михаил Врубель
Михаил Врубель родился 17 марта 1856 года в Омске. Его отец Александр Врубель служил военным юристом. Мать была дочерью астраханского губернатора, известного картографа и адмирала Григория Басаргина.
Михаил Врубель. Автопортрет. 1904-1905. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Михаил Врубель. Свидание Анны Карениной с сыном. 1878. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Михаил Врубель. Автопортрет. 1885. Киевский национальный музей русского искусства, Киев, Украина
В 1859 году мать будущего художника умерла от чахотки. Через четыре года Александр Врубель женился снова: его второй супругой стала петербурженка Елизавета Вессель. У детей сложились добрые отношения с мачехой: она занялась их воспитанием, развитием и даже укреплением здоровья: от рождения Михаил Врубель был слабым и болезненным, даже ходить начал только в три года. Уже взрослым он с иронией вспоминал «диеты сырого мяса и рыбьих жиров».
Занимались детьми и родственники Елизаветы Вессель. Ее сестра Александра учила их музыке, а брат Николай, педагог, опробовал на детях новые методики - развивающие игры. К десяти годам Михаил Врубель увлекался музыкой, театральным искусством и рисованием.
Однако по настоянию отца он поступил на юридический факультет Петербургского университета. Все расходы за проживание и учебу взял на себя Николай Вессель. В студенческие годы Врубель увлекался философией и театром, создавал иллюстрации к литературным произведениям. Одна из самых известных работ того времени - графическая иллюстрация «Свидание Анны Карениной с сыном», выполненная черной тушью на коричневой бумаге. Учеба на юридическом факультете не особенно привлекала Врубеля: он два года учился на втором курсе и не смог защитить дипломную работу, из-за чего получил низшую ученую степень - действительный студент.
Иконописец и реставратор
В университетские годы будущий художник подрабатывал гувернерством и репетиторством. Так он попал в семью сахарозаводчиков Папмелей: стал репетитором их сына, с которым вместе учился.
«У Папмелей он [Врубель] жил, как родной: зимою ездил с ними в оперу, летом переселялся со всеми на дачу в Петергоф. Папмели ни в чем себе не отказывали, и все у них было не похоже на строгий и скромный уклад в семье самого Врубеля; дом был полной чашей, даже в излишне буквальном смысле».
Александр Иванов , художник
Папмели поддерживали увлечение Михаила Врубеля рисованием. Его познакомили со студентами Академии художеств , вскоре Врубель стал посещать там вечерние классы и в 1880 году поступил в Академию. Будущий художник попал в мастерскую Павла Чистякова , а параллельно занимался в акварельной мастерской Ильи Репина . Он изучал основы рисунка и живописи, осваивал акварель и особую методику Чистякова: выстраивать на холсте объем, подобно архитектору.
Михаил Врубель. Святой Кирилл. Иконостас. 1885. Кирилловская церковь, Киев, Украина. Фотография: artchive.ru
Михаил Врубель. Святой Афанасий. Иконостас. 1885. Кирилловская церковь, Киев, Украина. Фотография: artchive.ru
Михаил Врубель. Богоматерь с младенцем. Иконостас. 1885. Кирилловская церковь, Киев, Украина. Фотография: artchive.ru
Михаил Врубель. Христос Спаситель. Иконостас.1885. Кирилловская церковь, Киев, Украина. Фотография: artchive.ru
Осенью 1883 года Павел Чистяков порекомендовал Врубеля историку искусства Адриану Прахову - он искал художника для реставрации старинной Кирилловской церкви в Киеве. После окончания учебного года Врубель переехал в Киев. Он создавал эскизы для реставрации старых фресок, сам расписывал стены церкви и даже написал четыре иконы.
В 1885 году художник уехал в Италию - знакомиться с византийской и позднеримской живописью. В Равенне и Венеции он изучал средневековые витражи и мозаики в итальянских церквях. Во время путешествия Михаил Врубель много работал: делал эскизы, рисовал акварели, за одну ночь создал стофигурную композицию «Орфей в аду».
В Венеции Врубель познакомился с Дмитрием Менделеевым, который был женат на ученице Павла Чистякова. Ученый посоветовал художнику писать иконы не на холсте, а на цинковых пластинах, чтобы уберечь их от влаги. За следующие полтора месяца Врубель создал три такие иконы - «Святой Кирилл», «Святой Афанасий» и «Христос Спаситель».
После возвращения из Италии Врубель ненадолго съездил в Одессу, а потом вновь перебрался в Киев. Он писал картины на заказ, участвовал в реставрации Владимирского собора, давал уроки рисования. Тогда же появились первые наброски, связанные с его будущей легендарной темой Демона.
«Дивная патетическая симфония» Врубеля
В 1889 году Врубель переехал в Москву. В эти годы он вместе с известными художниками - Ильей Репиным, Иваном Айвазовским , Иваном Шишкиным - работал над иллюстрациями к Собранию сочинений Михаила Лермонтова . Среди них были рисунки к поэме «Демон» . А параллельно художник писал большое полотно «Демон сидящий». Позже художник создал целый «демонический цикл», состоящий из рисунков, скульптуры и живописных полотен.
«…Я пишу Демона, то есть не то чтобы монументального Демона, которого я напишу еще со временем, а «демоническое» - полуобнаженная, крылатая, молодая уныло-задумчивая фигура сидит, обняв колена, на фоне заката и смотрит на цветущую поляну, с которой ей протягиваются ветви, гнущиеся под цветами».
Михаил Врубель
В этот период стал вырабатываться особый стиль художника: полотна он писал филигранными угловатыми мазками, напоминавшими мозаику.
Вскоре Врубель переехал из Москвы в Абрамцево - имение Саввы Мамонтова . Он стал участником абрамцевского кружка, оформлял сказочные оперы Николая Римского-Корсакова . В имении Мамонтова художник возглавил майоликовую мастерскую, создавал гипсовые скульптуры и декоративные панно на заказ, несколько раз ездил в Италию - сначала с самим Мамонтовым, затем с его сыном Сергеем.
Михаил Врубель. Царевна-Лебедь. 1900. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Михаил Врубель. Демон сидящий. 1890. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Михаил Врубель. Пан. 1899. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В начале 1896 года Михаил Врубель познакомился со своей будущей женой - оперной певицей Надеждой Забелой. Он сделал предложение едва ли не в тот же день, и Забела согласилась.
«Я во время перерыва (помню, стояла за кулисой) была поражена и даже несколько шокирована тем, что какой-то господин подбежал ко мне и, целуя мою руку, воскликнул: «Прелестный голос!» Стоявшая здесь T. С. Любатович поспешила мне представить: «Наш художник Михаил Александрович Врубель», и в сторону мне сказала: «Человек очень экспансивный, но вполне порядочный».
Надежда Забела
К моменту женитьбы у Врубеля практически не было денег, и он стал создавать на заказ театральные костюмы и декорации. В то же время художник писал картины на сказочно-мифологические сюжеты - «Царевна-Лебедь», «Пан», «Богатырь».
"Перед тем, что Врубель Михаил Александрович и ему подобные приоткрывают перед человечеством раз в столетие, - я умею лишь трепетать. Тех миров, которые видели они, мы не видим...". А.А. Блок. Из речи на похоронах М.А. Врубеля 16 апреля 1910 года.
Трагическая судьба Михаила Александровича Врубеля вот уже многие десятилетия после его кончины бросает особый отсвет на произведения художника, признанного одним из величайших мастеров русского искусства. Его картины, акварели, керамика, декоративное панно, сверкающие чистой краской, как драгоценные камни, притягивают взгляд, заставляют размышлять вновь и вновь о нем. Связь личности Врубеля с эпохой, в которую он жил, оказалась более сложной, чем у многих его современников. Художнику пришлось запечатлеть в символических образах своих произведений противоречия, борения, трагедию и духовные поиски своего времени. Он пропустил их через собственную душу - и душа надорвалась в непосильной тяжести.
Выдающийся живописец с мировым именем родился в городе Омске в 1856 году. Врубелю было три года, когда его матери не стало. В какой-то мере ее заменила Анна Александровна, его старшая сестра, которая стала ему близким другом, сыграла в жизни брата немалую роль, опекала его и была главной поддержкой в последние годы. К ней обращены наиболее доверительные письма М.А. Врубеля.
Семья Врубель жила то в Петербурге, то в провинции - частые переезды были связаны в военной карьерой отца. Рисовать Михаил Врубель начал где-то в возрасте пяти лет и периодически брал уроки рисунка. Уже в ранней юности столкнувшись с провинциальной обывательской средой, равнодушной ко всему, кроме карт и сплетен, Михаил Александрович ищет в искусстве убежища от пошлости. Еще не ощутив себя художником, он уже был "на стороне" светлого творческого мира, где царили великие мастера Ренессанса - Рафаэль , Леонардо да Винчи .
После окончания гимназии он по желанию отца поступил в юридический факультет Петербургского университета, не чувствуя интереса к этой профессии. Тем не менее окончил университет и это стало основой его глубокой образованности, которую отмечали все знавшие его и которая была в общем-то редкой в художнической среде той эпохи. Только в 24 года Михаил Врубель окончательно определил свою жизнь и с осени 1880 года он учится в Академии художеств.
В поисках собственного творческого пути опорой для Врубеля стало классическое искусство. Молодой художник видел свою задачу в выработке собственной манеры и технике письма. В Академии зарождается его интерес к акварели - техники одновременно и тонкой, и мощной, способной решать сложные художественные задачи. Одним из лучших педагогов Академии, профессор П.П. Чистяков, первым осознал необычный, мощный художественный дар своего ученика и угадал его стремление к монументальным формам живописи. В 1884 году по его рекомендации Чистякова Врубель направляется в Киев для принятия участия в реставрации древней Кирилловской церкви с фресками XII века и в создании росписей Владимирского собора. Несколько лет работы в Киеве стали временем художественного становления Врубеля , определили всю его дальнейшую судьбу.
Этот один самых загадочных живописцев относится к такому типу творцов своего времени, которых С.П. Дягилев назвал "жаждущие красоты поколение ". Работы, написанные в 1886 году в Киеве - "", "", - говорят о восхищении художника красотой мира.
Во врубелевских работах во всю мощную силу зазвучал громадный декоративный дар - для него любое изображение человека или предмета на холсте, бумаге было еще и узором, орнаментом форм. Именно поэтому так велико было увлечение Врубеля этюдами драгоценных тканей. Образ яркого ковра, на котором в роскошных узорах и красках появляются работы реального мира, - это основная суть и идея многих его живописных панно и картин. Наряду с тканями воплощение декоративной формы Врубель ищет в цветах: в Киеве им рождены волшебные акварели с изображением ирисов, орхидей, азалий, подчеркнуло живых, как будто продолжающих цвести и распускаться на листе бумаги.
Из созданного в киевский период к особому месту можно отнести иконостас Кирилловской церкви, для написания икон которого Врубель отправился в Венецию. Здесь его вдохновляли древние памятники искусства, фрески и византийские мозаики, картины старых мастеров - и сама насущная жизнь итальянского города: люди, улочки, музыка, люди, каналы. К Италии с этого момента зародила в нем самую большую и вечную любовь. Врубель не уставал вспоминать о ней даже в самом конце своей жизни, сломленной тяжелой болезнью. Иконы Кирилловской церкви, прежде всего "", несут в себе сугубо врубелевское , личностное соединение образов византийской древности с драматическим мышлением эпохи рубежа XIX - XX веков.
Трагические глаза Богоматери (прототипом которой стал портрет реальной женщины - З.Л. Праховой ) как особый знак души будет постоянно возникать в других врубелевских образах. Эти глаза можно увидеть в образе Демона .
Обращение к теме Демона произошло здесь же, в Киеве, под влиянием поэзии Лермонтова и оперы А.Г. Рубинштейна, которая произвела на Врубеля большое впечатление. Образ Демона в творческом мировоззрении художника стал ключевым, вместившим самые разные грани его искусства. Художник утверждал, что "Демона не понимают - путают с чертом и дьяволом, ... а "Демон" значит "душа" и олицетворяет собой вечную борьбу мятущегося человеческого духа, идущего примирения обуревавших его страстей, познания жизни и не находящего ответа на свои сомнения ни на земле, ни на небе ". Здесь в словах заключена философская программа многочисленных произведений Врубеля, посвященных образу Демона.
Получив отказ от участия в росписи Владимирского собора, для Врубеля это было первым глубоким и серьезным ударом. Созданные им эскизы - "", "Ангел с кадилом и со свечой " - показались комиссии слишком неканоничными.
Их эмоциональная напряженность, драматизм и сама манера живописи Врубеля были вызывающе ярко индивидуальны. В 1889 году живописец покидает Киев и приезжает жить в Москву. В Москве он встречается со старым другом В.А. Серовым , представлен К.А. Коровину, поселяется у него в мастерской, нуждается, голодает. В своих воспоминаниях многие, в том числе К.А. Коровин , писали о бескорыстии Врубеля, умении довольствоваться малым и равнодушии к деньгам. В этом проявлялось его стремление во что бы то ни стало сохранить свою свободу, свободу художника и человека.
Коровин познакомил Врубеля с С.И. Мамонтовым, ставший его покровителем и другом.
В Москве в доме Мамонтова на Садово - Спасской Врубель жил, трудился над "Демоном (сидящим) " (1890). После киевского "затворничества" художник попадает в довольно бурную московскую художественную жизнь. Он работает на декорациями для театров, над костюмами в Частной опере С.И. Мамонтова. Многократно выезжает в Италию совместно с Мамонтовым, живет и трудится в Абрамцеве. Здесь он интересуется керамикой, ставшая одним из его значительных творческих проявлений. Одной из первых московских работ, отчетливо проявившей отличие искусства Врубеля от привычных художественных норм, были иллюстрированное им юбилейное издание работ М.Ю. Лермонтова (1891). Декоративно изысканные и сложные образы поэмы "Демон " были негативно отвергнуты образованным и эстетически нравственным обществом. По словам Коровина, "все рассердились ".
По-новому осознает Врубель и современный тип декоративной живописи, переходя от ее монументальных религиозных форм к декоративным романтическим панно - "Венеция " (1893), "" (1894), триптихи для загородных домов А.В. и С.Т. Морозовых.
Но и на этом пути он встречает непонимание. Особенно тяжелой для Врубеля была история с созданием по заказу Мамонтова двух больших панно для художественного отдела в Нижнем Новгороде Всероссийской выставки 1896 года. Эскизы врубелевских панно "Микула Селянинович " и "Принцесса Греза " были не только отвергнуты, но и осмеяны в прессе. В ответ на это Мамонтов выстроил для их показа отдельный павильон. Панно, несмотря на этот драматический эпизод, заставили заговорить о Врубеле.
Как и многие люди этой эпохи, Врубель наслаждался яркими эстетическими впечатлениями в музыке. Но он отличался еще и загадочной восприимчивостью к пению и музыке. Его сестра вспоминала, как будучи ребенком он мог стоять часами "прикованным" к роялю, наслаждаясь игрой. Многие темы его работ рождались под впечатлением музыки, с нею связана и женитьба Врубеля.
На одной из оперетт его настолько впечатлил голос артистки Частной оперы Забела Надежды Ивановны, что он влюбился в него, совсем не видя ее саму на затемненной сцене. Впоследствии, в 1896 году, оперная артистка стала женой художника и любимой его моделью. "Другие певицы поют как птицы, а Надя поет как человек ", - говорил Врубель о голосе жены.
Для него она была еще и воплощением музыкальных образов любимого композитора и друга - Н.А. Римского - Корсакова, в операх которого часто была первой исполнительницей женских партий. В роли царевны Волховы в опере "" запечатлена жена художника в акварели 1898 года. Врубель около 90 раз слушал жену в этой опере.
По нескольку раз он мог наслаждаться игрой оркестра, в особенности МОРЕ , и ему это не надоедало, что удивляло его жену. Каждый раз художник находил все новые прелести и видел фантастические тона.
Немало великолепных театральных декораций, графических листов, скульптурных произведений было создано под влиянием музыкальных образов. К их числу относится и серия майоликовых скульптур на темы опер "" и "Снегурочка ". Сказочный облик Весны, Купавы, Леля, Садко, играющего на гуслях, царя Берендея, воплощен в текущих формах керамики, покрытой сверкающими глазурями.
Благодаря Римскому - Корсакову Врубель начинает особенно тонко чувствовать национальную ноту в искусстве. Образы русского фольклора становятся важной поэтической темой его творчества - появляется панно "" (1898), "" (1900).
Символизм - художественное направление начала XX века - получает отражение во многих картинах художника. "", "", "" не являются пейзажами, хотя художник запечатлел изображения природных сюжетов. Образы этих творений - символы таинственной, загадочной, скрытой от людской жизни природы.
Символическим смыслом в живописи Врубеля наделены и женские образы. Будь то смутно различимый облик "феи" сирени, сказочные царевны или портреты жены, поэтическая кисть художника делает их образами вечной, возвышенной, романтической красоты.
Символические картины вели к окончательному Демону - "Демону поверженному " (1902), самому непонятному для зрителя тех лет.
Врубель писал его лихорадочно, многократно переписывая, продолжая работать даже на выставке и в доме нового владельца картины. Он словно хотел донести что-то важное, окончательное, предчувствуя свою судьбу. Ощущение катастрофы, крушения жизни, безмерного страдания и гибели пронизывало зрителей перед этой картиной. Именно с весны 1902 года стали долгими и мрачными годами душевной болезни. На художника сильно подействовал отказ Третьяковской галереи в приобретении "Демона поверженного " (картину приобрел В.В. фон Мекк, и лишь после смерти Врубеля она поступила в галерею). Врубель ощущал "Демона" как итог, как глубоко выстраданное знание и был оскорблен непониманием.
1903 год стал для художника трагическим. Умер его маленький сын Савва, что привело к сильнейшему толчку развития болезни.
Этот трагический момент времени большую часть жизни художник проводит в клиниках. В редкие промежутки он возвращается к работе - пишет портрет, графические натюрморты, одну из красивейших своих шедевров - пастель "Жемчужина
В процессе творения работы над ним художник потерял зрение. Последние годы прошли во тьме. Во время ужасной и печальной болезни Н.И. Забела - Врубель пела ему старые арии и новые, только что подготовленные. По ее словам - "здесь он иногда хоть на миг забывал о своем несчастье ". Ф.А. Усольцев, Врач - психиатр художника, внимательно и заботливо лечивший Врубеля, утверждал в воспоминаниях, который были написаны сразу после кончины художника, что "его творчество не только вполне нормально, но так могуче и прочно, что даже ужасная болезнь не могла его разрушить".
Одним из тяжелейших уроков жизни для Врубеля было столкновение с нравственной и эмоциональной глухотой, с обывательскими взглядами на искусство. Его не понимали. Хуже того - его не хотели понять. "Лучше бороться с произволом, чем со стадной тупостью ", с горечью он писал однажды. Коровин, глубоко переживавший за друга, писал, что "вся жизнь художника, человека со смелой и нежной душой" была окружена "кислой болотиной мелкого, гнусного и подлого смешка".
Бумага, акварель, белила, бронза, карандаш.
Имя: Михаил Врубель (Mikhail Vrubel)
Возраст: 54 года
Деятельность: художник
Семейное положение: был женат
Михаил Врубель: биография
Яркий представитель художественной элиты рубежа XIX–XX веков Михаил Врубель был уверен, что творчество подобно направляющему человека магическому кристаллу, который в зависимости от личных устремлений и пристрастий может привести заблудшего в лабиринтах искусства путника либо в рай, либо в ад. Не нарушая общепринятых канонов композиций, творец умел со всей силой своего дарования проникать за грань земного бытия, зарисовывать недоступные глазу простых обывателей картины и представлять их на суд любителей живописи.
Детство и юность
Михаил Александрович Врубель родился 5 марта 1856 года в расположенном на слиянии рек Иртыш и Омь городе Омске. Отец художника Александр Михайлович – в прошлом строевой офицер, участник Крымской войны и боевых действий на Кавказе, военный юрист. Мать Анна Григорьевна – родственница декабриста Басаргина – родила 4 детей и умерла, когда Михаилу едва исполнилось три года. Через два года отец женился вторично на пианистке Елизавете Христиановне Вессель. Благодаря этой добрейшей души женщине любовь и понимание музыки остались в художнике на всю жизнь.
В связи со спецификой работы главы семейства Врубели часто переезжали из города в город. В 1865 году семья переехала в Поволжье, где подполковник Врубель принял командование губернским гарнизоном. Именно в Саратове Михаил увидел привезенную в город копию фрески итальянского скульптора и художника «Страшный суд», которую он, к удивлению отца и мачехи, после просмотра сумел воспроизвести со всеми характерными подробностями.
Склонность сына к искусству радовала Александра Михайловича, но не вносила никаких изменений в планы, которые глава семейства имел в отношении наследника. Профессиональная деятельность Михаила была предопределена с самого его рождения. Творчески одаренный мальчишка не испытывал восторга от перспективы стать юристом, но идти наперекор отцу не решился.
В 1874 году Врубель поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Северная столица действовала на Михаила гипнотически: город-архитектурный музей, в котором каждый дом, каждый закоулок имели свою историю, пленил деятельного юношу. Он жил у родственников на Галерной улице в 47-м доме, а по соседству (в 53 доме) за полвека до него останавливался литературный пророк .
Самостоятельная жизнь вне рамок и запретов отца воодушевляла Михаила. Молодой человек мог, не опасаясь праведного гнева главы семейства, гулять допоздна с сокурсниками и друзьями, дискутируя на тему подлинной музыки. В студенческие годы Врубель познакомился с композитором Модестом Петровичем Мусоргским. Этот выдающийся деятель искусства заполнил своими мыслями, убеждениями и композициями до конца не сформировавшийся духовный мир Михаила. Под впечатлением от того, как Модест разбивал рояль, исполняя речитативом «Блоху», Михаил зримо представил образы Фауста и Мефистофеля, которые в дальнейшем художник перенес на холст.
Молодой Михаил Врубель с сестрой В этот же период к Врубелю пришло осознание того, что годы, которые в искусстве чрезвычайно важны, он тратит на чуждую ему дисциплину. Служение в качестве военного юриста при всех перспективах карьеры вытеснялось из сознания тонко чувствовавшего мир юноши безграничной любовью к живописи. Не видящий себя в дальнейшем адвокатом парень втайне от родственников начал посещать лекции Павла Петровича Чистякова. В январе 1880 года Михаил окончил университет, а уже осенью был официально зачислен в Академию художеств.
Решение сына, презревшего семейную традицию и избравшего свой собственный жизненный путь, повергло Александра Михайловича в шок. Отношения между родственниками безвозвратно испортились.
В 1882 году успевший разочароваться в рутинной методике преподавания Михаил оказался в мастерской Чистякова, и от мыслей о том, что учителя прививают студентам любовь к сухим штампам и схематизациям живой природы, не осталось и следа. Став наставником Врубеля, Павел Петрович открыл в воспитаннике новые, доселе никак не проявлявшие себя грани, пополнив тем самым свою преподавательскую копилку, в которой на тот момент уже находились , и , еще одним талантливым учеником. Работы, написанные Врубелем во время обучения, приобрели статус академического эталона и по сей день хранятся в фонде академии.
Живопись
Первой победой трудолюбивого ученика стало получение малой серебряной медали за академический рисунок «Обручение Марии с Иосифом». Подсветка сепией позволила добиться тончайшей градации в передачи света и тени, создав тем самым живую, просветленную атмосферу особой одухотворенности, которую испытывали изображенные на полотне люди. Знака отличия удостоилась и работа «Пирующие римляне», на которой были изображены молодые повесы, иронично посмеивающиеся над захмелевшим Патрицием.
Осенью 1883 года профессор Прахов по рекомендации Чистякова пригласил Врубеля в Киев для работы над реставрацией Кирилловской церкви XII века. В городе, увенчанном головами древних храмов, и началась самостоятельная художественная жизнь Михаила. В ноябре 1884 года Адриан Викторович отправил хорошо зарекомендовавшего себя художника в Венецию. Красоты самого романтичного города Италии не произвели на Михаила впечатления. Врубель проводил много времени в соборах и музеях, впитывая в себя опыт великих деятелей эпохи Возрождения.
Проведя в Венеции полгода, в апреле 1885-го Врубель вернулся в Киев и под впечатлением от путешествия создал четыре иконы: «Св. Кирилл», «Богоматерь c Младенцем», «Св. Афанасий» и «Христос Спаситель». Михаил соединил воедино мистику и аскезу византийской абстракции с жизненной полнотой образов Ренессанса и наполнил застывшие типажи 12 апостолов, изображенных им на своде, плотью и кровью. Примечательно, что лица святых художник писал по памяти со своих знакомых. Среди многообразия реставрационных работ, помимо «Сошествия Святого Духа на апостолов», выделялись фрески «Вход Господень в Иерусалим» и «Оплакивание».
Какой бы важной и духовно наполненной ни была работа в Кирилловской церкви, Михаилу было тесно в рамках канонизированных задач. Его темперамент и страсть живописца требовали выхода накопившейся цветовой энергии. В 1886 году свет увидели портрет с натуры «Девочка на фоне персидского ковра» и картина «Восточная сказка». Произведения дышали жизнью, полностью отражая пристрастие Врубеля к тонким нюансам цвета и прорисовке деталей.
В 1887 году Прахов привлек Врубеля к росписи Владимирского собора. Михаил Александрович создал не менее шести вариантов «Надгробного плача» (сохранились четыре). Данный сюжет отсутствует в Евангелии и не характерен для православной иконописи, но встречается в искусстве итальянского Ренессанса. Примечательно, что самостоятельные работы Врубеля, в которых он впервые явил миру образ демона, были отвергнуты. Более того, иконописные дерзания вызвали недоумение у Адриана Викторовича, и в 1889 году он отстранил художника от работы.
Не принятые церковными служителями творения Михаил везет в Москву. Картина «Демон сидящий», на которой изображен падший ангел с израненной человеческой душой, стала символом наступающей эпохи. Этой работой Михаил Александрович разрушил застывший в непроницаемом консерватизме живописный уклад, став объектом для нападок и порицаний.
В московский период Врубель пишет портреты С.И. Мамонтова и К.Д. Арцыбушева, создает декоративные панно «Венеция» и «Принцесса Греза», а также иллюстрирует поэму «Демон» («Тамара и демон», «Голова пророка», «Демон у ворот монастыря», «Свидание Тамары и Демона»).
Участие Врубеля в выставочной деятельности «Мира искусства» и ряде международных выставок принесло художнику европейскую известность. Среди поздних его шедевров особенно выделялись картина «Царевна-Лебедь», изображавшая пушкинскую героиню, а также «Сирень», «Жемчужина», «Демон поверженный», «Пантомима», «Шестикрылый серафим», «Пан» и «Гадалка». Последней работой мастера стал портрет поэта-символиста , который из-за прогрессирующей болезни творца так и не был закончен.
Личная жизнь
Первым серьезным увлечением Врубеля оказалась жена Прахова Эмилия Львовна. Как утверждают биографы, именно ее лицо изображено на написанной после возвращения из Венеции иконе «Богоматерь c Младенцем». Порочную тягу к супруге своего покровителя Михаилу удалось побороть.
Следующая амурная заинтересованность переросла в свадьбу. С первой и единственной женой Надеждой Ивановной Забелой художника познакомил московский друг Савва Мамонтов. На момент знакомства художника знал лишь узкий круг ценителей живописи, а Надежда уже была примадонной Частной русской оперы. Певица своими голосом и красотой вдохновила Врубеля на написание картины «Гензель и Гретель», на которой он изобразил Надежду вместе с ее подругой Татьяной Любатович.
Примечательно, что между артисткой и мастером был заключен негласный договор, в котором говорилось, что, если работа удастся, Надя без пререканий выйдет за Михаила замуж. Произведение удалось. Свадебное торжество проходило в Женеве. Супруге Врубель в буквальном смысле поклонялся. Брак казался ему счастливым завершением многолетних скитаний в поисках самого себя. Вдобавок к обретенному душевному покою творец получил и уверенность в будущем. В сентябре 1901 года у Михаила и Надежды родился маленький Савва, но эта радость была омрачена врожденным пороком мальчика – заячьей губой.
Врубель усмотрел в этом «испорченную кровь» и «роковую наследственность» и с той поры стал задумчив и рассеян. Это состояние души отвратило его от всех творческих замыслов и вернуло к образу демона. Через два месяца после рождения сына он начал картину «Демон поверженный». Работа над ней продолжалась год, прервавшись лишь на короткое время преподавания стилизации студентам Строгановского училища. Но надолго уйти от «Демона» Врубель не сумел.
Картину он писал как одержимый, порой по 20 часов в сутки, поддерживая себя вином. Лицо демона он менял, даже когда картина уже попала на выставку «Мира искусства». Исключительная степень ответственности, которую он взвалил на свои плечи, разрушила и без того зыбкое психологическое равновесие художника. Живописец погрузился в тяжелое депрессивное состояние. Он считал себя преступником, достойным наказания за то, что позволил себе писать и Христа, и демона.
Смерть
В апреле 1902 года Врубеля положили в московскую клинику. Врачи диагностировали у мастера неизлечимое психическое заболевание. В марте 1903-го произошла ремиссия, и художника выписали, правда, как оказалось, ненадолго. В мае этого же года умер сын Врубеля, и уже в сентябре Михаил вновь попал в клинику. Страшные недели забытья и бреда сменялись часами сравнительного успокоения – и тогда он рисовал, правда, по требованию врачей только с натуры, ничего фантастического.
Неизлечимая, с годами прогрессирующая болезнь в 1906 году стала причиной потери Врубелем зрения. Последние четыре года Михаил Александрович провел в кромешной темноте в петербургской больнице для душевнобольных.
Художник физически страдал от того, что у него больше не было возможности созерцать жизнь, движение которой он не так давно имел возможность запечатлевать своей волшебной кистью. Врубель не пытался покончить с собой, но, подолгу стоя в морозные дни под открытой форточкой, умышленно приближал неизбежный конец. Михаил Александрович умер от воспаления легких 1 апреля 1910 года. Вдохновенную речь на похоронах, проходивших на Новодевичьем кладбище, произнес , назвав художника «вестником иных миров».
В 1913 году рядом с Врубелем похоронили пережившую мужа на три года Надежду Ивановну.
Произведения
- «Гамлет и Офелия»;
- «Надгробный плач»;
- «Полет Фауста и Мефистофеля»;
- «Примавера»;
- «Тени лагун»;
- «Шестикрылый Серафим»;
- «Венеция»;
- «Сирень»;
- «Пан»;
- «Демон сидящий»;
- «Жемчужина»;
- «Богатырь»;
- «Снегурочка».
Первый русский символист Михаил Врубель обладал особой манерой исполнения своих художественных произведений, так что его картины трудно перепутать с работами других художников. Все знавшие художника и его друзья отмечали особый темперамент и своеобразный характер мастера, который и отобразился в его замечательных работах. Познакомимся поближе с творчеством великого русского художника и представим галерею самых известных картин Михаила Врубеля.
Немного биографии и особенности творчества…
Портрет Врубеля
Врубель Михаил Александрович родился в 1856 году в городе Омск, и уже 10 годам маленький Миша проявил артистические способности, в том числе и к рисованию. Ни его родственники, ни он сам и не думал, что станет художником, но уже первые его эскизы и наброски свидетельствовали о большом творческом потенциале.
Со временем, обучаясь в Академии художеств, у Врубеля появилась особая художественная манера, как говорится, свой почерк. То, что главным персонажем его работ стал демон, породило множество слухов, что художник продал душу дьяволу, а когда житель потустороннего мира открыл мастеру свое истинное лицо, Михаил Врубель ослеп и помешался рассудком.
Художник много путешествовал, поэтому представим моменты озарения мастера и написание картин во времени и пространстве.
Киевский период. 1880-1889
За пять лет жизни в Киеве художник выполнил огромный объем работ, но самое главное - смог прикоснуться и впитать в себя истоки русской живописи.
На хорах Кирилловской церкви, которую Врубель самостоятельно расписал, он изобразил монументальную фреску «Сошествие Святого Духа на апостолов». Мастеру удалось точно соединить первоистоки византийской манеры иконописи с собственными портретными изысканиями.
Для написания фигур апостолов и Богоматери художник использовал реальные прототипы людей, с которыми общался во время жизни в Киеве.
Икона, написанная Врубелем для иконостаса Кирилловской церкви, прославила художника и стала отправной точкой на его творческом пути.
Как отмечают специалисты, икона выполнена по всем канонам христианской иконографии, но Врубель привнес в нее портретную выразительность и необычность.
Поговаривали, что мастер был тайно влюблен в жену своего заказчика, искусствоведа Адриана Прахова, и с иконы на прихожан церкви смотрит именно она — Эмилия, и их младшая дочь.
В творческой копилке художника множество автопортретов, но этот, написанный во время пребывания в Киеве, наиболее точно передает черты характера и устремления мастера.
Графика занимала особое место в творчестве, и автопортрет выполнен именно в такой манере. Целеустремленный, но немного напряженный взгляд, как бы символизирует, что художник еще находится в творческом поиске, еще ищет свою особую манеру передачи реальности на холсте и в скульптуре.
Размытые контуры также свидетельствуют об исканиях молодого художника, но в уверенно нанесенных карандашных линиях уже чувствуется твердая рука мастера.
Вернувшись в Киев после поездки в Италию, Врубель снова с головой погрузился в творчество, и один из киевских предпринимателей заказал ему написать портрет дочери.
Врубель, как всегда, основательно подошел к делу, и выполнил портрет в манере, который специалисты назвали «портрет-фантазия». И здесь противоречивость натуры художника - в руках девочки красивые розы, а рядом острый кинжал.
Летом 2018 года Укрпочта выпустила марку номиналом 5 гривен, на которой изображена эта картина живописца и подпись: «Врубель Михайло Олександрович».
Москва. 1890-1902
Именно в Москве под впечатлением произведения Михаила Лермонтова была написана самая известная картина.
Сидящий в окружении необычных цветов, Демон, скрестив руки, смотрит печально вдаль. Работая над иллюстрированием произведений М. Лермонтова, Врубелю удалось точно передать образ литературного героя. В его Демоне воплотились человеческие черты, внутренние противоречия, сила духа и постоянное сомнение.
Кажется, образ Демона, выполненный на холсте, окончательно подтверждает, что сомневающийся мастер нашел свой особый стиль.
Для любителей подземного мира и путешествий - наш материал .
Врубель жил в русской культуре и находил в ней вдохновение. Картина «Царевна-лебедь» была написана под впечатлением оперы Николая Римского-Корсакова по сказке Александра Пушкина.
Художник работал над декорациями к постановке, а его первая жена играла царевну. Образ царевны у Врубеля печален и загадочен, и в нем заключен великий символизм, а само произведение — настоящая жемчужина его творческой коллекции.
Картина далека от сценического образа, ведь Врубель воплотил в картине всю двойственность лебединой сущности - стремление к небесам, чему-то светлому, и стремление к темным водам морской пучины.
Это не картина, а иллюстрация к произведению Михаила Лермонтова «Демон». Но по художественному исполнению и передаче образов эта иллюстрация занимает важное место в творчестве художника.
Выполненная черной акварелью, иллюстрация передает весь трагизм свидания Демона с Тамарой, да и в настроении картины уже просматривается начинающаяся болезнь художника.
На всех иллюстрациях Демон в одной неизменной позе, «падший ангел», прочно поселившийся в мире темных сил. А вот Тамара всегда в разных позах, чем художник подчеркнул сомнения в ее выборе - между небесным и земным.
Отойдя от образа демона, Врубель, с присущей ему страстью, начал писать сказочные сюжеты.
Это полотно считают самым известным панно российской столицы, а написал его художник по мотивам драмы Эдмона Ростана. В это время он написал два полотна, которые должны были выставляться на промышленной выставке в Нижнем Новгороде. Но комиссия не допустила их к просмотру.
Ситуацию хотел спасти Савва Морозов, выставивший «Принцессу Греза» и «Микулу Селяниновича» в собственном павильоне, но публика враждебно приняла картины.
Незаконченная картина Михаила Врубеля стала возвращением живописца к теме Демона после 8-милетнего перерыва.
Само произведение выполнено в темных, мрачных тонах. На демоне коричневая туника, перевязанная поясом. Он воспарил над горами Кавказа и рекой, но большинство деталей не прорисованы, так что не понятен окончательный замысел.
Демон летит, как и сам художник хотел взлететь, но в манере и темных тонах картины видно, что Врубель уже сильно болел. И символизм проявился в ее незаконченности…
В 1901 году у Надежды Забелы и Михаила Врубеля рождается сын, которого назвали Саввой. Физически крепкий и здоровый мальчик имел дефект - у него была заячья губа.
Живописец винил в этом только себя, но, прервав работу над «Демоном поверженным», создал портрет Саввушки. На нас с картины смотрит детское лицо, но искаженное испугом и серьезным взглядом.
Описание картины всегда сопровождается припиской, что рождение сына с «заячьей губой», а больше — его внезапная смерть в 1903 году,- еще больше повергло художника в депрессию.
Последние работы
Идея написать этот сюжет зародилась еще в 1899 году, а жизненные потрясения и прогрессирующая болезнь окончательно утвердили автора в правильности выбора, и в 1902 Врубель закончил свое полотно.
Красивым фоном картины выступает горный пейзаж, залитый светом алого заходящего солнца, а на переднем плане — фигура поверженного демона. Он как бы зажат между верхним и нижним краем картины, и не может вырваться.
Выставленная в Санкт-Петербурге на выставке «Мир искусств» картина произвела настоящую сенсацию, а ранняя публика наблюдала, как автор переписывает свое полотно.
Последняя крупномасштабная работа живописца, созданная на стенах больницы В.П. Сербского, стала вершиной его творчества.
Этот синтез ярких цветов и экспрессии в полной мере раскрыл творческий потенциал и мастерство умельца живописи. Взгляд Серафима источает уверенность и надежду, а меч и лампада в руках ангела - яркие символы борьбы противоположностей.
Это великолепное произведение Врубеля известно и под другими названиями - «Азраил», а также «Ангел с мечом и кадилом».
Появился этот портрет благодаря тому, что уже окончательно потерявшему связь с реальностью Врубелю разрешили рисовать в недолгие минуты просветления.
Художнику по утрам позировал сам русский поэт, а чуть позже в больничную палату приходил художник Валентин Серов, и рисовал вечерами портрет самого Врубеля.
Так и вышло в одно время из-под кисти двух великих русских художников два портрета - поэта Валерия Брюсова и живописца Михаила Врубеля.
Интересные факты жизни Михаила Врубеля…
- К образу Демона Врубель приступил еще во время росписи Кирилловской церкви. В этом и проявилась противоречивая натура художника. Вырисовывая светлые образы ангелов на иконах, он в мастерской рисует эскизы демонов.
- Во время работы над произведением художник часто менял первоначальный замысел. Так на картине «Жемчужная раковина» появились образы морских царевен.
- Скорее печальный факт, но душевные терзания и жизненные трагедии, в конечном счете, привели Врубеля в психиатрическую больницу. Он начинал творческий путь с росписи Кирилловской церкви, стоящей на территории больницы, в больнице и закончил свой жизненный путь.
- Картина «Демон поверженный» уже весела в галерее, а художник приходил и переписывал своего поверженного демона заново.
- При жизни его не признавали как художника, над его работами посмеивались. Но однажды его друзья художники сделали большую выставку его картин… Врубеля признали, но было поздно, он уже был к тому времени тяжело болел.
- Вечером перед смертью Врубель открыл окно и, вдыхая морозный воздух, произнес «Едем а Академию!» На следующий день в Академии художеств началась панихида прощания с художником, а по округе разносился надгробный плач.
Врубель умер в 1910 году, а ученые и искусствоведы до сих пор ведут спор о его месте в отечественном и мировом искусстве. Но ясно одно - Михаил Александрович Врубель, словно комета, пронесся по жизни, оставив свой неповторимый и яркий след на небосклоне российской и мировой культуры.
Окруженный людьми, он всю жизнь оставался одинок, проделав путь от отшельника-алхимика к пророку, своим творчеством намного опередив свое время, предсказав в своих картинах некоторые события своей собственной жизни.
