История мирового балета знает немало легендарных имен. В Стокгольме перед старинным зданием Музея танца сооружен памятник. В скульптуре из бронзы воплощен образ выдающейся русской балерины Галины Улановой в партии Лебедя (скульптор Елена Янсон-Манизер). Кто из нас не помнит танец маленьких лебедей или адажио Одетты-Одилии из сказочно-фантастического балета П. Чайковского «Лебединое озеро»? Эта музыка стала любимой для многих людей во всем мире, ведь идеи борьбы против темных сил, которые стоят на преграде к счастью, понятны представителям разных культур, людям разного возраста, разных художественно-эстетических интересов и вкусов.
– вид музыкально-сценического искусства, его содержание раскрывается в хореографических образах. Французское слово «ballet» произошло от итальянского «танец». Французское название и итальянский корень не случайны. Родина балета – Италия, время возникновения – Возрождение. Итальянцы издавна любили танцевальные сценки на карнавале, которые со временем превратились в танцевальные спектакли. Во Франции стал популярным придворный торжественный балет. В королевской академии танца (Париж) сформировалась школа классического танца – своеобразный язык хореографического искусства, который в основном сохранился до наших дней. Балет состоит из музыки, танца – классического и характерного, пантомимы, сценария (либретто), сценографии.
В России балет стал популярным в 18 веке благодаря одному из представителей французской школы классического танца Шарлю Дидло. Именно он поставил на петербургской сцене немало балетных спектаклей, в которых выступала, в частности, и Авдотья Истомина, чье исполнение воспел . Становление русской школы классического танца в 19 веке связано с деятельностью балетмейстера Мариуса Петипа, который поставил в Петербурге около 60 балетов, а также с музыкой , автора трех знаменитых балетов: «Лебединого озера», «Спящей красавицы», «Щелкунчика». Именно он придал глубокое психологическое содержание балетной музыке, в которой использовал принципы симфонического развития.
Историческое значение имел балетный дебют русского композитора . Его балеты «Жар-птица», «Петрушка» в постановке талантливого балетмейстера Михаила Фокина, «Весна священная» в постановке известного танцовщика и балетмейстера Вацлава Нижинского были созданы для «Русских сезонов» в Париже, которые в начале 19 века организовывал Сергей Дягилев – известный антрепренер, горячий пропагандист русского искусства за границей. Сценическое оформление, декорации, костюмы, даже либретто «Петрушки» разрабатывал художник Александр Бенуа; сценография «Весны священной» принадлежала Николаю Рериху, также соавтору либретто. Балеты И. Стравинского с оркестровыми эффектами, смелыми ритмами, ладогармоническими находками, новаторской трактовкой фольклора открыли новую эру в истории музыкального театра. Звездой первой величины в русской труппе С. Дягилева была балерина Анна Павлова. До нее в балете царил виртуозный блеск, культ танцевальной техники. Анна Павлова создала эталонные образы высокой духовности, красоты, искренности. Среди них – «Лебедь» К. Сен-Санса, «Вальс» из «Шопенианы».
Славу русского балета на мировой музыкально-театральной арене приумножил еще один воспитанник петербургской школы, ученик Н. Римского-Корсакова Сергей Прокофьев. Он – автор огромного количества произведений: опер, симфоний, инструментальных сонат и концертов, ораторий и кантат, музыки к кинофильмам. Вершиной творчества композитора принято считать балет-трагедию «Ромео и Джульетта», который благодаря новаторской хореографии, симфоническим приемам музыкального развития стал гениальным воплощением шекспировских глубоко психологических образов, общечеловеческих конфликтов. Музыку балета пронизывают основные мелодичные линии – лейтмотивы, которые соединяют в одно целое ряд образов-портретов. Стремительная и полетная тема Джульетты-девочки, мечтательно-задумчивая и грустная – Ромео, эксцентричная и жизнерадостная – Меркуцио, сурово хоральная – отца Лоренцо, трагично-угрожающая – тема вражды Монтекки и Капулетти. В череде хореографических образов как будто оживает дух эпохи Возрождения. Балет стал общепризнанным шедевром трагедийного жанра. На основе русских народных сказок С. Прокофьев создал национальные балеты «Сказка про шута» и «Сказ о каменном цветке», в классических традициях написана поэтическая «Золушка».
Незабываемые прокофьевские образы Джульетты и Золушки воплотила на музыкально-театральной сцене Галина Уланова. Она обогатила традиции лирико-романтического танца Анны Павловой, наполнила характеристики хореографических героев психологизмом, особой поэтичностью, богатой гаммой эмоциональных нюансов. Героиням Улановой – непревзойденной мастерицы пластических деталей – свойственны внешняя скромность и огромная внутренняя сила. После выступлений за границей, где искусство балерины получило широкое признание, она писала: «Во всем мире считают, что именно душа нашего танца, или, как говорил Станиславский, «жизнь человеческого духа», завораживают превыше всего».
Славу своих выдающихся предшественников продолжают современные артисты русского балета. Образы Майи Плисецкой («Кармен-сюита» Р. Щедрина), Екатерины Максимовой и Владимира Васильева («Спартак» А. Хачатуряна), Нины Ананиашвили («Жизель» А. Адана) и многих других солистов Большого театра и Санкт-Петербургского театра оперы и балета вызывают восхищение зрителей. Сейчас русский балет известен во всем мире, ни одна страна не может похвастаться такими достижениями в этой художественной области.
Балет - искусство поэтическое. Ему свойственны темы возвышенные, героические, лирические. Сказочно чудесный мир танцевальных образов глубоко волнует и пробуждает благородные стремления.
В балетных спектаклях сливаются воедино увлекательный сюжет, созданный литератором, музыка, сочиненная композитором, танец, придуманный балетмейстером и исполненный артистами, живописные декорации и костюмы, изготовленные по замыслу художника.
Это сложное искусство развилось довольно поздно. Балету немногим более четырехсот лет, хотя искусство танца существует уже несколько тысячелетий (см. ст. «Народный танец»).
Зародился балет в Италии в XV в. От народных танцев название «баллетти» (итальянское «балларе» - танцевать, а «баллетти» - танцы) перешло к более сложным танцам, исполнявшимся на придворных балах. При дворах владетельных лиц нередко устраивались костюмированные представления с танцами, пением и декламацией, в которых участвовали сами придворные. Эти первые балеты состояли из малосвязанных между собой «выходов» персонажей, чаще всего взятых из греческой мифологии. Одну богато и пышно одетую пару сменяла другая. После всех «выходов» начинался общий танец, или «большой балет».
Такое представление было устроено в Италии на грандиозном пиру в г. Тортоне (1489). Античные боги и герои, танцуя, разносили гостям кушанья. Морские божества несли рыбные блюда, богини плодородия подавали фрукты и сласти. Этот гастрономический балет завершался пышным выходом Вакха - бога вина. Такие же представления появились и при многих европейских дворах.
Постепенно в придворных балетах мифологических героев вытесняют комические маски, изображавшие людей из народа - прачек, трактирщиков, сапожников и т. п. Все роли в балете исполнялись только мужчинами.
Одеяния и маски участников придворного балета были громоздкими и неудобными. Например, сапожник должен был танцевать в закрывавшем его с головой огромном башмаке, а костюм скрипача состоял из большой скрипки. Героев античности также одевали в тяжелый костюм, напоминавший придворное платье. В таких костюмах танцевать было очень трудно, поэтому все балетные движения ограничивались плавной ходьбой, грациозными поклонами и изящными позами. Кроме того, если в придворных балах женщины участвовали наряду с мужчинами, то на сцене женские роли исполнялись мальчиками в масках и париках.
Придворные танцевали вразнобой, так как правил исполнения танцевальных движений еще не существовало.
По указу французского короля Людовика XIV, для выработки правил и системы танцев была основана в 1661 г. Королевская академия танца. В нее входили тринадцать назначенных королем учителей танцев. В 1669 г. был основан музыкальный театр (Королевская академия музыки), где в операх-балетах сперва танцевали только придворные. Вначале балетные спектакли почти не отличались от придворных представлений. Музыка, танец и пение слабо связывались друг с другом и не производили цельного художественного впечатления. Танцы были те же, что и при дворе, - медленные менуэты, гавоты, далекие от своего народного первоисточника. Женщинам разрешено было появиться на сцене лишь в 1681 г. Им приходилось танцевать в тяжелых длинных платьях и в туфлях на высоких каблуках. Подобные костюмы мешали танцовщицам исполнять сложные виртуозные танцы, а потому мастерство мужских танцев превосходило женские танцы грацией, изяществом, плавностью и техникой.
В Италии мода на придворный балет прошла значительно раньше, и танцевальное искусство стало полностью профессиональным. Итальянские танцовщики славились виртуозностью танцевальной техники. Но еще многое мешало балету стать настоящим искусством - и сопровождающие танец тексты, и громоздкие костюмы, и маска, скрывавшая все лицо артиста.
Только в 1773 г. танцовщик Максимилиан Гардель впервые сбросил традиционную маску. Немного позже балерина Мари Камарго добилась некоторой свободы движений, укоротив юбку чуть выше щиколотки и отказавшись от каблуков, а Мари Салле стала танцевать в свободных легких одеждах, напоминающих греческую тунику. Танцы постепенно становились все более осмысленными.
Особенно большой вклад в развитие западноевропейского балета сделал французский балетмейстер Жан-Жорж Новерр (1727-1810). В своих «Письмах о танце» (1760) он призывал создать «действенный», т. е. содержательный и выразительный танец, в котором чувства, мысли и события раскрывались бы в пантомиме и танцевальных движениях. Эти передовые идеи Новерру удалось осуществить лишь частично в балетных спектаклях, поставленных при герцогском дворе в Штутгарте и на других сценах.
Взгляды Новерра оказали огромное влияние на дальнейшее развитие балета. От традиционного костюма и маски отказались. Артисты балета стали танцевать в свободной, легкой
одежде. Танцевальные движения их стали более естественными, выразительными и разнообразными. Ученики и последователи Новерра создали первые в истории хореографии балетные спектакли, где воедино слились музыка, костюм, декорации и осмысленный, одухотворенный танец. Поставленный Добервалем более полутораста лет назад балет «Тщетная предосторожность» продолжает жить на сценах балетных театров и в наши дни.
В годы французской буржуазной революции балетное искусство обогатилось элементами народного танца, ранее неприемлемыми для придворных артистов. Искусство революционной эпохи обратилось к героическим образам античности.
Одну из замечательных хореографических постановок того времени «Приношение свободе» создал балетмейстер Пьер Гардель. В нее был введен танец, исполнявшийся под музыку «Марсельезы».
В XVIII в. хореография обогатилась выразительными средствами. Артисты балета, одетые в легкие туники и сандалии, могли уже танцевать на высоких полупальцах. Движения рук стали свободны и пластичны; в мимике, движениях, жестах актеры стремились передать чувства своих героев.
Около 1800 г. было изобретено трико (плотно облегающий ноги и тело вязаный костюм телесного цвета), и движения танцовщиков получили полную свободу. Значительно повысился уровень танцевального мастерства. Однако мужской танец все еще продолжал оставаться более виртуозным, чем женский.
На основе достижений балетного искусства итальянский танцовщик и педагог Карло Блазис (1803-1878) разработал систему обучения танцу, строящуюся на пяти исходных позициях ног. Блазис использовал «арсенал» движений, заимствованных поколениями артистов и балетмейстеров из народного и придворного танца, из античного искусства. Эта система в дальнейшем получила название «классической».
В первой половине XIX в. окончательно сформировались итальянская и французская школы классического балета.
Для итальянского балетного театра были характерны виртуозная техника, сложные прыжки, резкие, жесткие движения рук. Порой ради внешнего блеска и виртуозности исполнители жертвовали осмысленностью и выразительностью танца. Одиноким оставался в миланском театре «Ла Скаля» балетмейстер С. Вигано, который с успехом ставил серьезные и сложные балеты на музыку Бетховена, на сюжеты трагедий Шекспира и т. д.
В отличие от итальянской французская балетная школа славилась грациозностью, пластичностью, мягкостью линий, но в то же время ей была свойственна холодность исполнения. Балетный спектакль во Франции XVII I в. обычно ставили на античный или мифологический сюжет.
Артисты королевского театра даже не стремились правдиво воспроизводить исторические или национальные черты, а подражали придворным манерам и костюмам. Древнегреческие пастухи выходили на сцену в башмаках с красными каблуками по образцу придворных франтов, в обсыпанных пудрой париках с буклями. Все это порождало у многих балетмейстеров и артистов разочарование в классицизме, толкало их на поиски новых средств, которые полнее могли бы передать правду жизни.
В России профессиональное балетное искусство появилось в XVIII в. Хотя на первых порах учителями и постановщиками были иностранцы, русские танцовщики творчески воспринимали от них то, что отвечало требованиям тесно связанной с народным танцем русской танцевальной культуры, что ее обогащало, облагораживало. Заимствованные элементы они стремились наполнить национальным духом.
Так формировалась русская школа классического танца. Важнейший этап ее развития связан с пребыванием в России французского балетмейстера Шарля Дидло (1767 -1837) - одного из создателей романтизма в балетном искусстве. Живые человеческие чувства, поэтическая возвышенность содержания художественных картин, свободная и смелая манера исполнения - вот что особенно привлекало в его балетах и явилось новым словом в искусстве. Он помог артистам создать исторически правдивые образы, по-новому истолковал содержание старых мифов, поставив на их основе балеты «Ацис и Галатея», «Зефир и Флора», «Амур и Психея».
Дидло ввел как средство художественной выразительности «летающий балет», т. е. полеты артистов над сценой, осуществляемые с помощью механических устройств.
Еще на английской сцене Дидло начал ставить жанровые реалистические балеты. Но самыми выдающимися созданиями Дидло были поставленные им в России драматические балеты «Кавказский пленник» (по А. С. Пушкину), «Венгерская хижина», «Раульде Креки». Дидло, которого современники называли «Шекспир и Байрон балетной сцены», умело чередуя веселые и драматические эпизоды, заставлял зрителя с глубоким сочувствием следить за судьбами героев. Правда, в балетах Дидло было еще много пантомимы, а танец носил вспомогательный характер, так как герои танцевали преимущественно на пирах и всяких торжествах.
В России Дидло воспитал таких известных балерин, как Авдотья Истомина и Мария Данилова. После Дидло с каждым новым поколением русский балет становился более самобытным.
Русские балетмейстеры Вальберх, Глушковский ввели национальные темы в балет.
Ни один балетный спектакль не может быть создан без балетмейстера. Содержание музыки, написанной композитором, он раскрывает в танцевальных образах, продумывает композицию и сочетание танцев, разрабатывает все роли. В художественной форме танцевальных образов передаются сложные эмоциональные переживания, могучие взлеты человеческого духа. Порой в танце балетмейстеру удается выразить не меньше мыслей и чувств, чем это можно сделать словами.
Творческая фантазия Дидло дала начало романтическому балету, выражающему стремление к возвышенному, поэтизирующему мечту и сказку. Героями собственно романтического балета стали всевозможные фантастические существа - эльфы, сильфиды, призраки и тени. Балерина Мария Тальони и ее отец, балетмейстер Филипп Тальони, были в 30-х гг. XIX в. наиболее типичными представителями этого нового балета.
Лучший балет романтической поры - «Жизель» был поставлен в 1841 г. в Париже. В нем изображается трагедия чистой, доверчивой крестьянской девушки, глубоко потрясенной неверностью любимого. Жизель умирает от горя и превращается в лесную фею-вилису. Этот вечно юный балет говорит на языке танца о больших чувствах и до сих пор входит в репертуар советского и зарубежного театра.
Не менее волнующее создание эпохи романтизма - балет «Эсмеральда», поставленный выдающимся французским балетмейстером Ж. Перро (1810-1892) по роману В. Гюго «Собор Парижской богоматери» (см. ст. «Виктор Гюго»). Здесь не было ни одного фантастического существа. Перро стремился в танце непосредственно выразить драматическое действие. Талант этого балетмейстера не получил признания на родине и по-настоящему расцвел в Англии и особенно в России.
История русского балета тесно связана с развитием русской классической музыки. До появления балетной музыки П. И. Чайковского музыка служила только сопровождением к танцам: от нее требовали лишь определенного темпа, ритма и запоминающейся мелодии. Симфоническая балетная музыка Чайковского, глубокая, красочная, выразительная, помогала зрителю домысливать то, что невозможно выразить в танце. В балете «Щелкунчик» композитор раскрыл светлый, радостный мир детских грез, в «Лебедином озере» поведал о любви, разрушающей злые чары, в «Спящей красавице» показал торжество добра над злом. Красота и чистота внутреннего мира человека, воспетая Чайковским, навсегда стала главным содержанием русского балетного искусства.
Работая над «Спящей красавицей», Чайковский не раз обращался за советом к замечательному балетмейстеру Мариусу Петипа (1822- 1910). Француз по происхождению, он почти шестьдесят лет отдал русскому балету. Большому знатоку классического танца Петипа особенно удались балеты «Спящая красавица», «Дон Кихот», «Баядерка», в которых танцы словно сливались с музыкой.
Другой выдающийся постановщик балетов Чайковского, Лев Иванов (1834 -1901), создал в «Лебедином озере» изумительные лирические танцы лебедей (2 и 4-й акты балета). Иванов стремился выразить в танце все богатство содержания музыки.
Полного слияния музыки, танца и живописи в балетном спектакле достигли в начале XX в. балетмейстеры М. Фокин и А. Горский. Им удавалось не только правдиво воспроизводить жизнь на балетной сцене, но и находить для каждого балета отвечающие содержанию своеобразные выразительные средства. Сотрудничая с лучшими художниками, Горский и Фокин подняли на высокий уровень искусство оформления спектакля.
На Западе во второй половине XIX в. балет пришел в упадок, потерял самостоятельное значение и превратился в придаток к опере, в то время как русское балетное искусство продолжало развивать лучшие черты классического балета.
Классический балет отличается строгим рисунком движения, благородной чистотой и одухотворенностью исполнения.
Все средства выразительности в классическом балете служат для раскрытия глубокого содержания, сложных переживаний героев.
Гастроли русского балета в Париже и Лондоне (в начале XX в.) произвели на западных зрителей ошеломляющее впечатление. Выдающаяся русская балерина Анна Павлова была признана одной из величайших танцовщиц классической школы. В танце «Умирающий лебедь» (музыка Сен-Санса, постановка М. Фокина), который длился всего три минуты, Павлова раскрывала целую гамму переживаний. Блестящее мастерство русских балетмейстеров и артистов, вдохновенное искусство Анны Павловой оказали огромное влияние на возрождение европейского балета. Павлова, а за ней и другие педагоги открыли в Англии школы классического танца. Подготовленные ими талантливые артисты образовали профессиональные труппы, существующие и в наши дни («Балет Мари Рамбер», «Королевский балет» - бывший «Сэдлере Уэллс»). В их репертуаре есть не только балеты отечественных композиторов, но и замечательные произведения Чайковского.
В 30-е гг. XX в. возродился национальный балет во Франции, Италии и других странах. Много заимствовано им у русской и советской школы классического танца, пользующейся исключительной популярностью на Западе.
Лучшее из классического наследия русской школы получило свое дальнейшее развитие в советском балете. Его по праву можно считать новым, более высоким этапом хореографического искусства. Классический танец в советском балете в соответствии с требованиями нашей эпохи непрерывно развивается, совершенствуется и обогащается, впитывая лучшие особенности танцевального искусства нашей страны.
На советской сцене «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Жизель» живут новой жизнью. Сохранив все ценное от прошлых постановок, они проникнуты иным восприятием музыки, новым представлением о величии и красоте жизни, наполнены особой драматической напряженностью. Советское балетное искусство стремится раскрыть лучшее в человеке, все богатство его внутреннего мира. Оно не только радует глаз, но и пробуждает в зрителях благородные стремления, высокие чувства и мысли.
Советскому хореографическому искусству принадлежит заслуга создания больших реалистических балетов, посвященных народным героям и борцам за свободу разных стран и эпох. Это «Красный мак» Глиэра (см. ст. «Р. М. Глиэр»), поставленный В. Тихомировым и Л. Лащилиным; «Пламя Парижа» Б. Асафьева, балетмейстер Вайнонен; «Спартак» Хачатуряна (см. ст. «Арам Хачатурян»); «Лауренсия» А. Крейна, балетмейстер В. Чабукиани; «Тропою грома» Кара Караева, балетмейстер К. Сергеев; «Каменный цветок» С. Прокофьева, балетмейстер Ю. Григорович.
В золотой фонд советского балета вошли такие замечательные произведения, как «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева и «Ромео и Джульетта» С. Прокофьева (см. ст. «С. С. Прокофьев»), Постановщики этих балетов балетмейстеры Р. Захаров и Л. Лавровский сумели перевести на язык танца поэтическое содержание великих произведений Пушкина и Шекспира.
Советский народ гордится такими выдающимися исполнителями, как Уланова (см. ст. «Г. С. Уланова»), М. Плисецкая, О. Лепешинская, Р. Стручкова, К. Сергеев, В. Чабукиани, и многими другими славными воспитанниками советской балетной школы.
Всеобщее восхищение зарубежных зрителей вызвали гастроли советских артистов, сумевших вместе с постановщиками превратить балет в «напряженную драматическую инсценировку, полную живости, хореографических выдумок… сценических эффектов и эмоциональности» - как писала зарубежная печать. Выступления советского балета в ряде стран Европы и Америке расценивались как «события исторического значения».
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter .
Всё началось более пятисот лет назад в Северной Италии. Это была эпоха Возрождения, отличительными чертами которой были светский характер культуры, гуманизм и антропоцентризм, то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности.
В эпоху Возрождения итальянские князья устраивали дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Однако пышные одеяния, как и залы не допускали неорганизованного движения. Поэтому существовали специальные учителя – танцмейстеры, которые репетировали с дворянами движения и отдельные фигуры, чтобы потом руководить танцующими. Постепенно танец становился все более театральным, а само слово «балет» обозначало композиции, передававшие не сюжет, а свойство или состояние характера.
К концу XV века такого рода балет входил в зрелища, созданные известными поэтами и художниками. В 1496 году Леонардо да Винчи рисовал костюмы танцовщиков и изобретал сценические эффекты для праздника миланского герцога.
В 1494 году, когда король Франции Карл VIII вошел в Италию, претендуя на Неаполитанский престол, его придворных впечатлило мастерство итальянских учителей танцев. В результате танцмейстеров стали приглашать ко французскому двору. Тогда же возникла необходимость в нотации – системе записи танца. Автором первой из известных систем стал Туан Арбо. Он записывал танцевальные па музыкальными знаками.
Развитие продолжилось во Франции…
Французская королева Екатерина Медичи для постановки придворных представлений пригласила итальянца Бальдасарино ди Бельджойозо (во Франции его называли Бальтазар де Божуайё). Балет тогда утвердился как жанр, где драма, «поющийся рассказ» (речитатив) и танец образовали непрерывное действие. Первым в этом жанре и наиболее известным считается «Цирцея, или Комедийный балет королевы» , поставленный в 1581 году. Сюжет был позаимствован в античной мифологии. Танцы исполняли в пышных костюмах и масках знатные дамы и вельможи.
В XVI веке по мере развития инструментальной музыки усложнялась и техника танца. Во Франции XVII века стали появляться балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды перемежались с вокальными ариями и декламацией стихов - «Балет об Альцине» (1610), «Триумф Минервы» (1615), «Освобождение Ринальдо» (1617). Такие балеты состояли из разных номеров, что сегодня напоминает дивертисмент, и впоследствие станут одной из важных структурных форм будущего балета.
Позже король Франции Людовик XIII, увлекающийся танцами и получивший прекрасное музыкальное образование, был автором балетного спектакля «Мерлезонский балет» (15 марта 1635 год). Сюжетом стали приключения во время охоты на дроздов – одного из любимых развлечений короля. Балет состоял из 16 актов. Его величество не только сочинил либретто, музыку, хореографию, набросал эскизы декораций и костюмов, но и исполнил две роли: торговки приманками и крестьянина.
Первые шаги молодого искусства. Великий Пьер Бошан
Спектакли придворного балета достигли особого великолепия во времена короля Людовика XIV. Потому что только тогда танец начали исполнять по определенным правилам. Впервые их сформулировал французский балетмейстер Пьер Бошан (1637–1705).
Свое знаменитое прозвище «король-солнце» Людовик XIV получил после исполнения роли Солнца в «Балете ночи». Он любил танцевать и участвовать в спектаклях. В 1661 году он открыл Королевскую академию музыки и танца, куда были приглашены 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций.
Директор академии, Пьер Бошан, записал каноны благородной манеры танца, основой которой была выворотность ног (en dehors). Такое положение давало человеческому телу возможность свободно двигаться в разные стороны. Все движения он разделил на группы: приседания (плие), прыжки (заноски, антраша, кабриоли, жете, способность зависать в прыжке – элевация), вращения (пируэты, фуэте), положения корпуса (аттитюды, арабески). Выполнение этих движений осуществлялось на основе пяти позиций ног и трех позиций рук (port de bras). Все па классического танца стали производными от этих позиций ног и рук.
Его классификация жива по сей день, а французская терминология стала общей для артистов всего мира, как латынь – для медиков.
Бошан внес неоценимый вклад в классический балет еще и тем, что разделил танцы на три основных вида: серьезный, полухарактерный и комический. Серьезный танец (прообраз современного классического) требовал академической строгости исполнения, внешней красоты, изящества – даже на грани жеманства. Это был «благородный» танец, который использовался для исполнения роли царя, бога, мифологического героя. Полухарактерный – объединял танцы пасторальные, пейзанские и фантастические, которые были для изображения силы природы или персонифицированных человеческих страстей. Пляски фурий, нимф и сатиров также подчинялись его законам. Наконец, комический танец отличался виртуозностью, допускал утрированные движения и импровизацию. Он был нужен для гротесковых и экзотических танцев, встречавшихся в комедиях театра классицизма.
Так началось формирование балета, который к XVIII веку из интермедий и дивертисментов развился в самостоятельное искусство.
Первый театр. Первая труппа
Завоёвывая всё большую популярность, балету становилось тесно во дворцовых залах. Под руководством Бошана создается Парижская опера, где он был балетмейстером, но спектакли почти не отличались от прежних представлений. В них участвовали те же придворные, которые исполняли медленные менуэты, гавоты и паваны. Тяжелые платья, туфли на высоких каблуках и маски не давали женщинам выполнять сложные движения. Тогда Пьером Бошаном была сформирована балетная труппа из одних мужчин-танцовщиков. Их танцы отличались большей грациозностью и изяществом. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году. Большие группы танцовщиков начали синхронно исполнять сложные движения и аккомпанировали солистам; сольный танец содержательно передавал возвышенность характеров, силу эмоций; парный танец складывался в форму па-де-де. Высокоусловный, тяготеющий к виртуозности танец зависел от музыки и добивался равных с ней прав в практике и теории.
Французскую хореографию значительно обогатили драматург Мольер и композитор Ж. Б. Люлли, который сначала сотрудничал с Мольером как балетмейстер и танцовщик в комедиях-балетах "Брак поневоле" (1664), "Жорж Данден" (1668), "Мещанин во дворянстве" (1670). Став композитором, Люлли создал жанр музыкальной трагедии, где сказалась эстетика классицизма: монументальность образов, ясная логика развития, строгость вкуса, чеканность форм. Действие лирических трагедий подкреплялось пластически-декоративными шествиями, пантомимами, танцами.
Реформа балетного театра вызвала подъём исполнительского мастерства - появились танцовщики Л. Пекур, Ж. Баллон. Первой профессиональной танцовщицей стала мадемуазель Лафонтен, выступив в опере-балете Люлли «Триумф любви». Позже она была известна как «королева танца».
Серьезные танцы исполнялись в широкой юбке, которая держалась на камышовых обручах. Из-под неё виднелись носки туфель. Мужчины надевали парчовые кирасы и короткие юбки на камышовых каркасах, которые назывались «бочонки». Обувь у всех была на высоком каблуке. Кроме того, они закрывали лицо круглыми масками разных цветов, в зависимости от характера персонажа.
В полухарактерных балетах костюмы были облегченные, зато добавлялись атрибуты, характеризующие танец, – серпы, корзиночки, лопатки, леопардовые шкуры и другие. Костюм для комических танцев не был так строго регламентирован – постановщик доверял фантазии художника.
Тогда же зародилась целая система условных обозначений. Если артист, к примеру, проводил по своему лбу ребром ладони - это подразумевало корону, т.е. короля; крестообразно сложенные руки на груди - «умер»; указал на безымянный палец руки – «хочу жениться» или «женат»; изображение руками волнообразных движений - «приплыл на корабле».
Балет очаровывает Европу
Одновременно с развитием балета во всех крупных городах стали появляться свои театры, балетмейстеры и исполнители. Так, балет вернулся на родину - в Италию, где к XVIII веку сложился свой стиль исполнения, отличавшийся от французской манерности технической виртуозностью и большей непосредственностью. Борьба французской и итальянской школ в классическом балете будет продолжаться не один век.
В XVII веке балет появился в Нидерландах. В Англии из-за буржуазной революции и запрета зрелищ балетный театр развился немного позже - только при реставрации монархии. В 1722 году был создан первый придворный театр в Дании, где профессиональные танцовщики участвовали в комедиях-балетах Мольера. И лишь к концу XVIII века балет Дании обрёл самостоятельность. В XVIII веке балет также существовал в Германии, Швеции и Голландии. Формы исполнения, которые были заимствованы у итальянцев и французов, обогащались национальным колоритом.
Балет в Россию пришел позже, чем в другие европейские страны, но именно здесь его застала эпоха расцвета, а это история уже других веков, которая заслуживает отдельной главы.
История балета для детей расскажет как и где появился балет.
Когда появился балет?
Термин «балет» появился в конце XVI века (от итал. balletto — танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение.
Балет как вид искусства довольно молодое. Танцу, который украшает нашу жизнь, уже исполнилось 400 лет. Место, где зародился балет – это Северная Италия, а случилось это в эпоху Возрождения. Местные князья любили дворцовые пышные празднества и нанимали танцмейстеров, которые репетировали со знатными людьми движения танцев и отдельных фигур.
Считается, что тем, кто придумал балет был итальянский балетмейстер Бальтазарини ди Бельджойозо . Он поставил первый балетный спектакль-представление под названием «Комедийный балет Королевы», который был поставлен во Франции в 1581 году.
Именно во Франции балет начал развиваться. Во время царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особого великолепия.
История русского балета кратко
В России впервые был поставлен балетный спектакль под названием «Балет об Орфее и Евридике» 8 февраля 1673 года. Это произошло во дворце царя Алексея Михайловича. Медлительные и церемонные танцы являли собой изящные позы, ходы и поклоны, которые чередовали с речью и пением.
Спустя только четверть века, вместе с реформами Петра I в быт русского народа вошли танец и музыка. В учебных заведениях для дворян оборудовали классы для занятий танцами. При царском дворе стали выступать заграничные оперные артисты, музыканты и балетные труппы.
Первую балетную школу в России открыли в 1731 году. Она называлась шляхетный Сухопутный корпус. Ее считают колыбелью русского балета. В развитие балетной школы огромный вклад внес Жан Батист Ланде, французский танцертмейстер. Он основоположник русского балета. Ланде также открыл первую школу в России по балетному танцу. Сегодня это Академия русского балета им. А.Я.Вагановой.
Дальнейший толчок в развитии балет получил в период правления царицы Елизаветы Петровны. После приглашения в Россию балетмейстера из Франции Дидло, данное искусство достигло особого расцвета – изящные постановки, позы и оформление делали фурор.
История балета начинается в эпоху Возрождения в Италии. Вырос он из торжественных спектаклей, которые ставили для аристократов их слуги: музыканты и танцоры при дворе. В то время балет был словно неопытный юноша восемнадцати лет: нескладный, но с огнем в глазах. Развивался он чрезвычайно быстро. Как все тот же юноша, которого впервые пустили в мастерскую и нарекли подмастерьем.
В то время балетная мода была совсем иной: костюмы соответствовали времени, пачки и пуанты попросту не существовали, а у зрителей была возможность к окончанию представления в нем поучаствовать.
Это интересно! Во время зарождения балета в Италии хореографов было едва ли более пяти человек. До наших дней дошли заметки всего трех специалистов, один из которых стал «крестным отцом балета»: в своих записях Domenico da Piacenza называл танцы ballo. Укрепившись, слово трансформировалось в balli и balletto, стало использоваться другими любителями танцев и окончательно закрепилось за балетом как искусством.
Значимой фигурой в истории развития балета становится Екатерина Медичи. Из Италии она привозит это искусство во Францию, устраивает spectaculi для приглашенных гостей. Например, послы из Польши смогли увидеть грандиозную постановку под названием Le Ballet des Polonais.
Считается, что по-настоящему близким к современному балету был шедевр Ballet Comique de la Reine, который держал зрителей в напряжении более пяти часов. Поставили его в 1581 году.
XVII век
XVII век — это новая ступень в развитии балета. Отделившись от простого танца, он превратился в самостоятельное искусство, которое страстно поддерживал Людовик XIV. Для него Мазарини выписал из Италии хореографа, который ставил балеты с участием короля.
В 1661 году Людовик создал Первую Академию Танцев, в которой обучали балетному искусству. Первый хореограф Людовика XIV, господин Люлли, взял бразды правления первой балетной школой в свои руки. Под его руководством Академия Танцев совершенствовалась и задавала тон всему балетному миру. Он сделал все возможное, чтобы превратить балет из молодого и неопытного юнца с огнем в глазах, в статного красавца, которого знают и уважают везде. В 1672 году при его поддержке была основана танцевальная академия, которая по сей день известна всему миру как Балет Парижской Оперы. Другой придворный хореограф Людовика XIV, Пьер Бошан, вел работу над терминологией танца.
1681 стал еще одним значимым годом в истории балета. Впервые в постановке господина Люлли участвовали девушки. 4 красавицы ворвались в мир танца и проложили дорогу остальным. С этого памятного момента в балете начали задействовать и девушек.
XVIII век
В веке XVIII балет продолжил завоевывать сердца любителей изящного танца по всему миру. Огромное количество постановок, новые формы выражения своего «Я» на сцене, известность уже далеко не в узких придворных кругах. Пришло искусство балета и в Россию. В 1738 году в Санкт-Петербурге открылась Императорская Балетная Школа.
Чем ближе была середина века, тем ярче становилось балетное искусство. Европа была очарована им, большинство высокопоставленных особ интересовались балетом. Повсеместно открывались балетные школы. Развивалась и балетная мода. Девушки сняли с себя маски, изменились фасоны одеяний. Теперь танцоры облачались в легкие одежды, позволявшие им исполнять невозможные до этого времени па.
XIX век
В начале XIX века активно развивается теория балета. В 1820 году Карло Блазис пишет «Элементарный трактат о теории и практике искусства танца». Начинается переход от количества к качеству, все больше внимания уделяется деталям.
И главное, что приносит начало XIX века в балет — это танцы на кончиках пальцев. Новаторство было воспринято на «Ура» и подхвачено большинством хореографов.
В целом же эти сто лет дали очень и очень много балетному искусству. Балет превратился в необычайно легкий и воздушный танец, подобный летнему ветру, который зарождается в лучах восходящего солнца. Теория и практика двигались рука об руку: было издано множество научных трудов, которые до сих пор используются при обучении балету.
XX век
Двадцатый век прошел под знаком Российского балета. В Европе и Америке к началу столетия интерес к балету угасал, но после прихода мастеров из России там снова вспыхнула любовь к балетному искусству. Российские актеры устраивали длительные гастроли, давая возможность всем желающим насладиться своим мастерством.
Революция 1917 года не смогла помешать развитию балета. Кстати, привычная нам балетная пачка появилась примерно в это же время, а постановки стали более глубокими.
В XX веке балет — это искусство не только для аристократов и знатных домов. Балет становится достоянием широкой публики.
XXI век
В наше время балет остается все тем же волшебным искусством, в котором при помощи танца могут рассказать обо всех человеческих эмоциях. Он продолжает развиваться и расти, меняясь вместе с миром и не теряя своей актуальности.
